Fotos de actores de novelas gay


Fotos de actores de novelas gay

Recordando Programas De Television-Actores-Actrices-Cantantes Etc..

-Pasapalabra es un concurso emitido en la televisión de España, basado en el formato original británico "The Alphabet Game". En él, dos concursantes intentan acumular segundos en varias pruebas con palabras, que servirán para tener más tiempo para contestar a todas las definiciones de la prueba final, llamada "el rosco".En cada programa participan dos concursantes, ayudados cada uno por dos famosos.
En la parte principal se realizan varias pruebas jugando con palabras, que tienen como objetivo acumular segundos para la prueba final.
En la parte final, cada concursante ya individualmente, deberá acertar en acumulado en las pruebas anteriores más una cantidad que ha oscilado entre 85 y 100 segundos, 25 palabras del diccionario de la lengua española de la Real Academia Española o de contenido enciclopédico, cada una con una letra del alfabeto, escuchando de cada una de ellas una definición corta leída por el presentador y teniendo como pista que empieza o contiene la letra en la que se encuentre el concursante en ese momento. El concursante podrá ir contestando a definiciones mientras no falle o pida pausa diciendo "pasa palabra", moviéndose el turno al otro concursante. Los turnos se irán intercambiando hasta que cada uno termine el tiempo que tenía asignado. Si alguno de los concursante acierta todas las palabras conseguirá el bote acumulado hasta ese programa. De no ser así, se acumula una cantidad de 6.000 euros al bote, y el concursante que más palabras haya acertado gana 1.200 euros y volverá a participar en el siguiente programa. En el caso de que ambos concursantes hayan acertado el mismo número de palabras, el ganador será quien menos fallos haya cometido. Si se empatara también a fallos, ambos concursantes se repartirán los 1.200 euros y volverán a participar en el siguiente programa.
Las pruebas de Pasapalabra son.
La escalera
El pulsador
De par en par
La palabra imposible
El Rosco final
He aqui el ganador del Pasapalabra,José Manuel que ha batido todos los records del programa
llevandose 396.000 euros,todo un ejemplo de superación.

José Manuel, el 'fenómeno' de 'Pasapalabra' se lleva 396.000 euros después de 37 programas.
El concursante consigue completar el rosco y llevarse el mayor bote de 'Pasapalabra'
Ha batido todos los récords: el de permanencia, el de aciertos y el del premio.
Al bote se le añaden los 44.000 euros que ya llevaba acumulados.
José Manuel ha permanencido durante 37 programas y ha batido todos los récords: ha sido el concursante más duradero, se ha llevado el bote más cuantioso y ha sido el primero en responder casi el rosco al completo de una sola vez. Se ha ganado a pulso el apodo de 'Fenómeno' y, desde luego, el cariño tanto del público como del equipo de 'Pasapalabra'. Y este cariño parece ser recíproco porque, en medio de la emoción, el ganador sólo tuvo palabras de agradecidimiento para los que han sido sus compañeros durante muchas semanas. "Quiero dar las gracias a todo el equipo de 'Pasapalabra' porque hacéis que la estancia aquí sea muy fácil y también a todo el público que ha puesto mucho interés tanto aquí en el plató como desde casa".
Hasta el propio director del programa, Ángel Baviano, ha mostrado su asombro por la hazaña del concursante número uno. "En once años en concursos de todo tipo nunca me había encontrado con un concursante como José Manuel. Siempre te encuentras con gente muy preparada y muy especializado en algún tema pero tanto como él no. Y no es que tenga una cultura muy amplia, que sea un erudito en algo concreto, pero da la sensación de que es un hombre que ha leído y que ha asimilado muy bien los conocimientos. Lo hemos vivido de una forma muy intensa y con ganas de que se llevase el premio porque la sensación ha sido que se lo merecía después de todo el tiempo que ha estado jugando. Ha sido una buena recompensa para una estupenda participación".
Para Christian Gálvez ha sido "algo histórico tanto en el ámbito televisivo como en el personal". "De José Manuel recalcaría dos cosas: por un lado, que es una persona que nunca ha puesto un mal gesto a nadie por jugar con menos segundos, era igual de feliz con 140 que con 110 y le encantaba jugar; y, por otro, ha sido un concursante que no ha utilizado estrategias, no ha esperado a que su contrincante fallara, siempre ha ido a por todas y, con aciertos o fallos, siempre ha arriesgado e intentado rellenar las 25 palabras", ha declarado el presentador sobre el concursante asturiano.
Además de emplear el dinero para invitar a unas cañas al presentador y todos los demás miembros del programa, como había prometido, José Manuel tiene grandes planes para utilizar el dineral que tanto le ha costado ganar. "Me voy a hacer una casa en un terreno que tengo en Guadalajara y voy a disfrutar del campo, de los robles y de ver crecer la hierba". Hay que recordar que a los 396.000 euros del bote se le añaden los 44.000 que el asturiano ya había acumulado en su paso por el programa.


La película se desarrolla en la ciudad de Edge City (Ciudad Límite) y gira alrededor de la vida de dos hombres: el primero es Stanley Ipkiss, un torpe y tímido empleado de banca que es constantemente mangoneado y humillado por los que le rodean: su jefe, su casera, etc. Sus únicos amigos son su perro Milo y su compañero Charlie Schumacher. El otro es Dorian Tyrell, un hampón que posee el nightclub Coco Bongo, que desea expandir su imperio y desbancar al rey del crimen de la ciudad, Niko. Las vidas de estos dos hombres se cruzan cuando Tyrell envía a su novia, Tina, al banco donde trabaja Stanley para fotografiar la caja fuerte con una cámara oculta.Stanley queda totalmente embobado por la belleza de la chica, y ella también manfiesta cierto interés por Stanley. Eso es lo único bueno que le pasa ese día, que termina con el encuentro de una misteriosa máscara de madera flotando en el puerto de la ciudad, agarrada a un cadáver, y llevándosela a casa. Cuando Stanley se pone la máscara, ésta se adapta a su cara y surge de él el lado reprimido de su personalidad, un superhéroe de cómic con los poderes propios de los dibujos animados. Stanley utiliza sus poderes para vengarse de los que le maltrataron, y de una pandilla de gamberros que intentan acorralarle. A la mañana siguiente, Stanley tira la máscara por la ventana, pero con un efecto boomerang vuelve a su apartamento.
Los personajes de Laurel y Hardy representan a dos tipos a menudo muy tontos, eternamente optimistas, casi valientes en su perpetua inocencia. Su humor es físico, pero su tendencia a sufrir todo tipo de accidentes queda compensada por su gran amistad, sus tiernas personalidades y su devoción el uno por el otro. Son dos niños adultos; un gordo y un flaco, cuya inocente forma de ver la vida les sitúa siempre a merced de "furiosos propietarios, pomposos ciudadanos, policías airados, mujeres dominantes y jefes apopléticos".Laurel y Hardy usaron su propio físico para ayudar a crear sus personajes, potenciando sus poses, algo ridículas, pero siendo muy cuidadosos de no volverlas irreales. Stan siempre aparecía con el pelo corto por los lados, pero algo más largo encima de la cabeza, para conseguir su famoso efecto de pelo de asustado como consecuencia de rascarse la cabeza o tirarse de los pelos en momentos de miedo o tensión. Para conseguir sus andares de persona con pies planos, le quitó a sus zapatos, normalmente del ejército, los talones. Cuando hablaba con Oliver siempre le miraba a la frente, y no a los ojos, para crear la impresión de que sus pensamientos estaban muy lejos de allí en aquel momento.
La imagen de Laurel y Hardy era la de dos tipos con sombrero bombín. La cuasi británica formalidad de esta prenda de vestir está en plena consonancia con su habitual cortesía y cautela al hablar. Por encima de todo son dos auténticos caballeros: el Sr Laurel y el Sr Hardy.
La Familia Addams es una familia poco normal: cultivan sólo las espinas de las rosas, tienen como mascotas a unas plantas carnívoras, un raro gusto por los líquidos venenosos, y se relajan en la sala de torturas. Esta familia está integrada por: Gomez Addams: es el padre de la familia, quiere mucho a sus hijos y a su esposa. Le gusta torturarse y, a veces, hasta darse baños en ácido. Vuelve locos a sus vecinos aunque cree que todos lo adoran. Le encanta hacer estallar su juego de trenes. Adora a su esposa Morticia, y cuando ella le habla en francés, se vuelve loco y le besa todo el brazo. Morticia A. Addams: es la mamá y cría a los niños, cuida de su planta carnívora Cleopatra y mantiene toda la casa sucia y tétrica. Siempre viste de negro y le gusta caminar por el cementerio. Cuando ella habla en francés Homero se vuelve loco y le besa el brazo. Uncle Fester (en América Latina, Tío Lucas y en España, Tio Fétido): se podría decir que es el más raro de todos. Es el hermano de Homero Addams, cuando eran niños se aborrecían, cuando adultos se estiman un poco (aunque tienen raras formas de demostrarlo). Está muy contracturado y además es calvo. Uno de sus pasatiempos favoritos es encender una bombilla con la boca. Pugsley Addams (en América Latina, Pericles y en España, Pugsley): es el hijo de los Addams. Es muy gordo y al parecer quiere seguir todos los pasos de su familia, en especial los de su tío Fester (Lucas), a quien admira mucho por su gran conocimiento de cosas asquerosas. En la versión original él es el hijo mayor, pero en las películas y caricaturas es el menor. Wednesday Friday Addams: es la hija de los Addams. Es retraída y no le gusta mucho jugar con otros niños, aunque a veces hace de las suyas con su hermano Pugsley. Lleva un par de trenzas y se viste tan oscura como su madre. Siempre esta experimentando con su hermano e intenta matarlo. En la serie original es una niña muy tierna con todos, y en las peliculas es una niña muy seria, y con humor negro. Es la hija menor originalmente, pero en las películas y caricaturas es mayor que su hermano. Grandmama Addams (Abuela Addams): es la madre de Gómez y del Tio Lucas, es una auténtica bruja. Se fascina preparando extrañas pócimas y lanzando hechizos que siempre desembocan en algún desastre, aunque a veces sus brujerías pueden ayudar en algo a los demás. Cousin Itt: es un tipo bajito y con pelo hasta lo pies, primo de Gomez (homero) y del Tio Lucas. Habla en un tono altísimo balbuceando un idioma que sólo conocen los de la familia. Lurch: Es el mayordomo de la familia. Es un tipo inmenso y de aspecto tétrico, pero un excelente teclista. Habla muy poco y cuando lo hace es con una voz muy ronca. Es considerado parte de la familia.Thing: es, literalmente, una mano con vida propia, aunque esto nunca le es impedimento para ayudar en todo lo que su único miembro le permita. Se comunica con el resto de la familia por medio de código Morse o con la lengua de signos .
La serie transcurre en la Ciudad de Nueva York en Manhattan Sur, en el Decimotercer Distrito. Gira alrededor de los esfuerzos del incorruptible teniente Teo Kojak (Telly Savalas), un policía calvo, tan cínico como agudo, con tendencia a forzar las reglas para llevar a un criminal ante la justicia. En los primeros episodios de la serie, Kojak fumaba mucho. Como el sentimiento antitabaco no hacía más que aumentar en la televisión norteamericana, los guionistas decidieron que Kojak tenía que dejar de fumar. Empezó chupar piruletas (o chupetines) como substituto a los cigarrillos. Estos y su frase "Who loves ya, baby?" llegaron a ser las señas de identidad del personaje.Su sempiterno jefe era el Capitán Frank McNeil, interpretado por Dan Frazer. No sólo eran socios a la hora de resolver crímenes, también tenían muchas cosas en común. Más tarde, McNeil fue promovido a Jefe de Detectives de Manhatan y Kojak es el comandante del precinto de Manhatan Sur.Su escuadra incluye uno de sus acompañantes favoritos: un joven oficial en traje de paisano, el Detective Bobby Crocker (Kevin Dobson), compañero habitual de Kojak y en el cual confía siempre su jefe, como en cualquiera que está cercano a él.

Habiendo recibido una orden de expropiación para su vieja casa, los propietarios (George y Mildred Roper) se trasladan al barrio residencial de Hampton Wick, donde las torpezas de George pronto lo meten en problemas con sus vecinos, Jeffrey y Ann Fourmile y su joven hijo Tristram. Mildred ve este cambio de dirección como el medio de subir en la escala social, y mezclarse con una mejor clase de personas. George, vago, y orgulloso de sus raíces de clase obrera, provoca muchas frustraciones a Jeffrey y Mildred. Mildred, además, está decepcionada con George por su constante falta de afecto hacia ella. Jeffrey Fourmile es un esnobista, un funcionario del estado (que tiene la desgracia de venderle la casa de al lado a los Roper en primer lugar), que fue interpretado por Norman Eshley, quien también hizo el papel de hermano de Robin Tripp en Un hombre en casa. Sheila Fearn interpretó a Ann, de aptitud más comprensiva que su marido, y Nicholas Bond-Owen debutó con 8 años como Tristram. Otros personajes recurrentes son el segundo hijo de los Fourmile, Tarquin (Simon Lloyd); la hermana elegante de Mildred y su cuñado, Ethel (Avril Elgar) y Humphrey (Reginald Marsh); la chiflada madre de Mildred (Gretchen Franklin); el compañero gandúl de George, Jerry (Roy Kinnear), y el perro de Mildred, Trufa (interpretado por el actor canino Pussy Galore).

El cuerpo de ALF está cubierto de pelaje anaranjado. Tiene un hocico lleno de curvas, lunares faciales, ocho estómagos y le gusta comer gatos. Fue a la escuela preparatoria por 122 años y fue capitán del equipo de Bouillabaisseball (se juega sobre el hielo usando moluscos como pelotas). También estudió Odontología lo cual según dijo no fue tan difícil dado que los melmacianos sólo tienen 4 dientes. Su frase característica era: «No hay problema».Huyendo de su planeta que estaba a punto de estallar (producto de que todos los habitantes de Melmac enchufaran la secadora de pelo al mismo tiempo -en un capítulo se dice que pasó porque una lluvia cósmica radioactiva alcanzó el planeta-), ALF viaja perdido por el espacio durante un año hasta que sigue la señal de radio proveniente del planeta tierra, estrellándose en la cochera de los Tanner, una familia de clase media de los suburbios que incluye al trabajador social Willie (Max Wright), su esposa Kate (Anne Schedeen), sus hijos Lynn (Andrea Elson) y Brian (Benji Gregory), y Lucky/Suertudo, el gato de la familia.Inseguros de qué hacer, los Tanner llevan a su casa a ALF y los esconden de una división militar encargada de la vida extraterrestre, y de sus entrometidos vecinos (los Ochmonek), hasta que el pueda reparar su nave espacial. Generalmente se esconde en la cocina. Eventualmente se reveló que Melmac había sido destruido por una catástrofe nuclear, y que ALF no solo no tenía casa, sino que también, en su conocimiento, era el último sobreviviente de su civilización y especie, aparte del superhéroe Malhar Maik. Después se reveló que un pequeño grupo de los amigos melmacianos de Alf viajaban constantemente por el Universo en busca de un nuevo lugar para vivir. Se convirtió en un miembro permanente de la familia, aunque el impacto cultural, la culpa de sobrevivir, el aburrimiento general, la desesperanza, y la soledad de ALF frecuentemente causaban dificultades a los Tanner.La serie original duró cuatro temporadas y 103 episodios. Al final de la misma, ALF está por ser rescatado por Skip y Rhonda, sobrevivientes de su planeta, pero en lugar de eso es capturado por la Fuerza de Tareas Extraterrestre. Se suponía que este hecho sería la trama para una quinta temporada, pero tal cosa no ocurrió por la falta de presupuesto del canal. Por muchos años se pensó que ALF había sido eliminado por el ejército, pero en la película de 1996 Proyecto ALF se muestra cómo dos agentes (Rick y Melissa) lo ayudan a escapar de un inminente exterminio.


La serie cuenta las turbulentas relaciones de los Ewing, una familia multimillonaria, poderosa y muy influyente en el estado de Texas, teniendo como escenario principal el negocio del petróleo en la empresa familiar Ewing Oil, y en segundo plano el ganadero a través de su rancho Southfork, en el cual la familia vivía, cercano a la ciudad de Dallas (Texas, Estados Unidos). Fue una de las series más vendidas a todo el mundo y doblada para su emisión en muchísimos países, consagrándose como una de las series dramáticas de mayor duración, llegando a alcanzar las 14 temporadas. De sus personajes, el más popular sin dudas fue J.R. Ewing (interpretado por Larry Hagman), el hijo mayor sin escrúpulos, con un matrimonio completamente infeliz, y caracterizado por la avaricia y el ansia de poder y dinero, en medio de los negocios más turbulentos que lo enfrentaba a toda la familia.
Falcon Crest: En el valle de Tuscany, una fértil región que produce los mejores vinos de California, la acaudalda familia Channing intenta mantener el dominio de su poder y sus negocios vinícolas. Comandados por la implacable matriarca Angela Channing, casi todos los miembros de la familia llevan una azarosa vida de amplia repercusión en toda la región, un modo de vivir donde el lujo, el poder, las traiciones, engaños, romances y luchas sin cuartel están a la orden del día. Todo comienza con Angela Channing viviendo relativamente tranquila entre los viñedos en Falcon Crest, que su abuelo italiano levantó con tanto éxito. Pero cuando el hermano de Ángela, Jason Gioberti, muere accidentalmente a manos de su hija Emma, Jason deja 50 acres del productivo viñedo a su hijo Chase. Angela está convencida de que la tierra le pertenece pero, para su sorpresa, Chase, que vive en Nueva York, se muda al valle californiano con su encantadora mujer Maggie y sus dos hijos, Cole y Victoria, con la intención de dedicarse a las tierras que acaba de heredar. La llegada de Chase y su familia será el inicio de una eterna y despiadada pelea por el control de las rentables tierras vinícolas del valle.

En memoria de Farrah Fawcett que falleció el dia 25-Junio-2009 a los 62 años de edad. Los ángeles de Charlie fue una serie de televisión norteamericana, emitida por la cadena ABC entre 1976 y 1981. La serie narra las peripecias de tres mujeres (los ángeles) que dejaron el Cuerpo de Policía para trabajar en una agencia de detectives propiedad de Charles Townsend (Charlie).El argumento inicial se resumía en las palabras pronunciadas por el detective privado Charlie Townsend, con las que se iniciaba cada capítulo: «Había una vez tres muchachitas que fueron a la academia de policía. Les asignaban misiones muy peligrosas. Pero yo las aparté de todo aquello y ahora trabajan para mí. Mi nombre es Charlie». Los sucesivos episodios giraban en torno a una misión asignada por Charlie a sus tres detectives. Las misiones, con frecuencia arriesgadas (robos, asesinatos, secuestros…), se resolvían con los ángeles interpretando personajes que les permitían mantener su anonimato e investigar de incógnito el caso, interactuando con los sospechosos.

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Phileas Fogg era un excéntrico caballero inglés miembro del Reform Club que apuesta 20 mil Libras (la mitad de su fortuna) a que es posible completar el itinerario alrededor del mundo en solo 80 días. Tomando sus otras 20 mil Libras y acompañado por su recién contratado mayordomo Passepartout, emprende el conocido viaje. Él partió de Londres el 2 de octubre de 1872.Días antes de que esto sucediera un extraño robo había tenido lugar en Londres y el ladrón se dio a la fuga, lo que hace pensar a un detective de policía de nombre Fix que Fogg es el ladrón y que toma la apuesta como coartada para escapar con el botín. Así empieza a perseguirlo por todo el mundo, esperando recibir la orden de aprehensión.Al pasar por la India Fogg y Passepartout ven un horrible ritual donde una joven y viuda princesa Hindú de nombre Aouda debe de ser quemada viva junto a su marido recién fallecido, y Fogg no duda en rescatarla y llevarla a un país seguro. En la costa Este de los Estados Unidos pierden el último barco que los llevaría hasta Liverpool, por lo que Fogg renta un pequeño barco. La embarcación tiene en realidad otro destino, pero el caballero compra a la tripulación provocando un motín contra el capitán y cambiando el rumbo de la nave. Es entonces cuando Fogg demuestra ser un gran navegante, probablemente capitán en el pasado. Al empezar a escasear el carbón, Fogg no duda en comprar el barco y quemar toda la madera del barco para aumentar el vapor y la velocidad. Al pisar territorio británico es aprehendido y encarcelado por Fix, quien venía viajando junto a ellos sin haber revelado su verdadera identidad. Al otro día es liberado ya que el verdadero ladrón había sido apresado tres días antes. Fix recibe un certero golpe de Fogg, que en nada consuela pues ha perdido la apuesta. Sin embargo recibe un poco de felicidad cuando Aouda decide casarse con él a pesar que su fortuna se ha desvanecido, y Fogg manda a Passepartout a ver al reverendo para preparar la boda.Al poco tiempo Passepartout regresa diciéndole que no se encuentran en el 21 de diciembre de 1872, es decir aún no había perdido la apuesta. Fogg, sin sospecharlo, había adelantado un día con respecto al punto de partida, ya que siempre viajó hacia el Este. A medida que adelantaba un grado hacia al Este, ganaba cuatro minutos. Por tanto si se sabe que la circunferencia de la Tierra tiene 360 grados, entonces 360×4=1440 minutos, o sea un día. Fogg rápidamente va al club, donde ante la sorpresa de todos presenta su visa debidamente sellada, ¡era un hombre rico de nuevo!

Sandokán es el protagonista de una serie de novelas de aventuras escritas por el escritor italiano Emilio Salgari.Las aventuras de Sandokán tienen lugar en el Sudeste de Asia (principalmente en Borneo, Malasia y la India) a mediados del siglo XIX (las novelas proporcionan fechas precisas). Sandokán es un príncipe de Borneo que ha jurado vengarse de los británicos, quienes lo desposeyeron de su trono y asesinaron a su familia. Por ello se dedica a la piratería, con el sobrenombre de Tigre de Malasia, para lo que cuenta con la fidelidad incondicional de una tripulación compuesta tanto de malayos como de dayakos de Borneo.Los principales compañeros de Sandokán son el portugués Yáñez, el bengalí Tremal-Naik, el mahrato Kammammuri, Sanbigliong y Ada Corishant. La base de operaciones de los Tigre de la Malasia era la isla de Mompracem.


Crónicas de un pueblo narraba la vida cotidiana y los problemas de un pueblo de Castilla, Puebla Nueva del Rey Sancho, aldea ficticia, ya que en realidad la serie fue grabada en Santorcaz, cerca de Madrid.La serie, ideada por el Almirante Carrero Blanco, llevaba una fuerte carga ideológica a favor del régimen de Francisco Franco, pero a pesar de ello alcanzó gran popularidad enfrentándose a las series americanas de la época.Los principales personajes de la serie, como mandaba los Principios del Movimiento, eran el alcalde, el cura, el cabo de la Guardia Civil y el maestro; otros personales también protagonistas eran el alguacil, el cartero, el conductor del autobús, la boticaria y los niños de la Escuela.La serie comenzó a emitirse en 1971 y permaneció tres años en antena con gran éxito.Sus personajes eran:María Nevado .... La Boticaria, Emilio Rodríguez .... El Maestro. Jesús Guzmán.... El Cartero,Francisco Vidal .... El Cura Rafael Hernández.... El conductor de autobús,Fernando Cebrián .... El Alcalde, Antonio Costafreda.... EL Alguacil.


300 MILLONES: es un programa de Televisión Española, dirigido por Gustavo Pérez Puig y realizado por Pedro Amalio López y Enrique Martí Maqueda, que se emitió entre los años 1977 y 1983. Se trataba de un programa de variedades con actuaciones musicales, entrevistas, reportajes y concursos. La particularidad, y de ahí el nombre del programa, es que se emitía en España y en todos los países de habla hispana, desde Estados Unidos a Chile, vía satélite, así como Guinea Ecuatorial, en el continente africano.El programa era emitido en Chile, Uruguay, Paraguay, Bolivia, Perú, Ecuador, Colombia, Venezuela, Antillas, Panamá, Costa Rica, Nicaragua, El Salvador, Honduras, República Dominicana, Puerto Rico, México, y Guinea Ecuatorial. Además, era ampliamente difundido en Estados Unidos, a través de la cadena SIN (actual Univisión). Las únicas excepciones se produjeron en la etapa final del programa, en que no se emitía en Guatemala, debido al asalto a la embajada española en ese país, que había ocurrido el 31 de enero de 1980; y Argentina, porque lo estaban emitiendo a las 12 de la noche de los domingos, un horario demasiado marginal, aunque esta circunstancia se dio también en algún otro canal, a lo largo de la historia del programa. La televisión estatal japonesa NHK llegó a interesarse por el programa.Se realizaban tres versiones del mismo: una para España que duraba entre 55 y 58 minutos, otra para Estados Unidos y Puerto Rico que duraba 57 minutos y medio, y una última versión para el resto de países, que no superaba los 62 minutos, y que era exactamente igual a la versión española, pero añadiéndole unos tres minutos dedicados al fútbol.A lo largo de los años, contó con numerosos presentadores, pudiendo mencionarse a Jana Escribano (1977), Ladislao Azcona (1977), Ricardo Fernández Deu (1977), Guadalupe Enríquez (1977-1983), Tico Medina (1978-1983), Paca Gabaldón (1977-1978), José Antonio Plaza (1978), Alfredo Amestoy (1977-1981), Kiko Ledgard (1978-1979), Marisa Abad (1979), Pepe Domingo Castaño (1979-1983), Lola Martínez (1981-1982) y Cristina García Ramos (1982).

CURRO JIMENEZ:era una serie de televisión española emitida de 1976 a 1978 en TVE.Estaba basada en el bandolerismo andaluz del siglo XIX, cuya acción se desarrollaba principalmente en la Serranía de Ronda. No obstante, la figura de Curro Jiménez está basada en la de un bandolero que existió realmente, Andrés López[cita requerida], el barquero de Cantillana, personaje del S.XIX al que por culpa de unos pleitos con la justicia le fue arrebatado su oficio de barquero y que tuvo que abandonar su pueblo (Cantillana, en la provincia de Sevilla) para echarse al monte. Sus protagonistas eran cuatro bandoleros: Curro Jiménez, (Sancho Gracia), El Algarrobo (Álvaro de Luna), El Estudiante (José Sancho) y el Fraile (Francisco Algora), que luego al morir en la serie fue sustituido en la banda por El Gitano (Eduardo García) como personaje principal, aunque salía ya en los primeros episodios como uno más de la banda.La trama cambiaba en cada episodio, entre ellas el tema romántico del bandolero justo y bondadoso, la lucha contra los franceses durante la Guerra de la Independencia Española, historias de amor, luchas contra la justicia e incluso episodios cómicos.Todos ellos tienen por protagonista al ficticio bandolero Curro Jiménez, que da vida al prototipo romántico de bandolero andaluz. Siempre le acompañaba su banda, compuesta por El Estudiante, El Algarrobo y El Gitano. Hasta el episodio "Carambola a tres bandas" de la primera temporada interviene Francisco Algora como El Fraile, que muere en ese episodio. En la serie se recrean diveros episodios históricos y sociopolíticos de la España del momento. La serie comienza con la pérdida del empleo de barquero que tenía Curro en su pueblo natal, episodio basado en la vida del barquero de Cantillana, bandolero sevillano del XIX. Después de diversos avatares y aventuras, el bandolero y sus hombres terminan en el último capítulo de la serie original embarcando hacia Sudamérica.


EL PLANETA DE LOS SIMIOS:es una película basada en la novela homónima de Pierre Boulle. Una historia de ciencia ficción muy original, muy bien montada y creíble, con un final sorprendente. Es destacable el trabajo de maquillaje de los simios, la ambientación, muy lograda y convincente, y los efectos especiales, que junto con el ambiente en que se estrenó la película (la llegada del hombre en la Luna, la Guerra Fría) e indirectamente el film de Stanley Kubrick, 2001: A Space Odyssey (película), de ese mismo año, contribuyeron a su enorme éxito, originando toda una saga que es un clásico de la ciencia ficción. En el año 3978 una nave espacial procedente de la Tierra realiza un aterrizaje forzoso en un planeta desconocido. Los astronautas, al mando del coronel George Taylor (Charlton Heston) inspeccionan los alrededores y descubren que en este planeta los seres inteligentes y especie dominante son unos simios que comparten características físicas con los chimpancés (civiles), gorilas (militares) y orangutanes (religiosos y políticos) de la Tierra, pero que han desarrollado una civilización antropizada y militarizada, además hablan inglés.Los humanos de ese mundo, en cambio, tienen facultades sociales muy poco desarrolladas, son incapaces de hablar y son cazados en batidas militares y tratados como ganado por los simios dirigentes.Taylor es hecho prisionero, sufriendo una lesión de garganta que le impide hablar, por tanto lo confunden con uno de los humanos de ese planeta y los simios lo llevan a su poblado junto con otros humanos cazados en la misma batida. Junto con Taylor cae una hembra joven de hermosa apariencia, Nova (Linda Harrison), que le es dada por los simios a Taylor con fines de apareamiento.En el poblado, unos simios científicos dirigidos por el sectario Dr. Zaius, lo estudian detenidamente y filosofan sobre las características de Taylor. Con el tiempo, Taylor se gana la confianza de dos jóvenes chimpancés académicos; uno de ellos es una hembra chimpance Zira (Kim Hunter) y su compañero Cornelius (Roddy McDowall). Después de que descubren que puede hablar, el interés mutuo aumenta y las conversaciones indican a Taylor que los humanos de ese lugar alguna vez fueron especie hegemónica y dominante y que fueron subyugados por los monos siglos atrás. Finalmente, con la ayuda de ellos, logra escapar con su fiel acompañante Nova.


LA GUERRA DE LAS GALAXIAS.
El argumento de la saga se sitúa, como se hace constar al principio de todas las películas y de cualquier historia relacionada, "Hace mucho tiempo, en una galaxia muy, muy lejana...." (en inglés: A long time ago, in a galaxy far, far away.... Los cuatro puntos al final de la frase están presentes desde el primer filme, cuando se incluyeron por error, aunque posteriormente se repitieron voluntariamente para todos los demás). En ese universo se ha dado durante siglos un enfrentamiento entre el Lado Luminoso de la Fuerza (representado por los Jedi, protectores de la galaxia) y el Lado oscuro (representado por los Sith). La Fuerza es una energía universal creada por todas las cosas. En éste y otros puntos de la saga, el universo de Star Wars se inspira en varias mitologías, como la romana, la budista o la celta, y en religiones como el sintoísmo. Esta coincidencia no es casual, ya que Lucas, antropólogo de formación, quiso crear una mitología moderna basada en gran parte, como se ha dicho antes, en los estudios de su amigo y mentor Joseph Campbell.Los diversos libros y cómics surgidos tras el estreno de la primera película desarrollan todo este universo ficcional, que se ha extendido hasta abarcar más de 27.000 años, situados en su mayoría antes de las dos trilogías cinematográficas. Estos desarrollos literarios, al no estar siempre autorizados por George Lucas, son en algunos casos incongruentes.
KING KONG: es el nombre de un gigantesco gorila ficticio que habita en la Isla Calavera, y que ha sido el protagonista de varias películas, además de haber aparecido en otros medios, como series de televisión, libros, videojuegos o comics, habiéndose convertido por ello en uno de los iconos de la cultura popular moderna. King Kong es una de las primeras y más famosas Películas de Monstruos.un director de cine inquieto y audaz planea hacer un peligroso viaje hacia una isla de la cual sólo él sabe cómo llegar. Su objetivo: filmar a una leyenda llamada Kong, un temible monstruo. Tiene casi todo lo necesario: el mapa de la isla, poderosas bombas de gas, hombres bien armados pero le falta lo más importante: una hermosa protagonista. Con la premura de zarpar antes de que las autoridades del puerto le descubran su raro cargamento se lanza a la ciudad de Nueva York en búsqueda de la mujer. Una afortunada coincidencia lo reúne con una bella rubia (Ann Darrow) la cual acaba por aceptar los planes de Denham para hacerla una actriz famosa ya que ella ha padecido los estragos de la época de la gran depresión de EUA. Así comienza el emocionante viaje hacia la Isla de la Calavera. Durante la travesía Ann se enamora del escritor de teatro Jack Driscoll, pasajero circusntancial abordo por un engaño de Denham. Una vez en la isla se dan cuenta que Kong es adorado como un dios por los nativos y le ofrecen en sacrificio a doncellas para calmar su furia. Denham expone a la tripulación al querer filmar el ritual y es en ese momento que los nativos proponen a cambio algunas de sus mujeres por Ann ya que piensan que sería un mejor tributo para Kong. Al no lograrlo se las ingenian para capturarla en la noche y dársela a Kong. Así, Ann es amarrada en un altar al que llega Kong (un gorila de dimensiones gigantescas) quien la observa complacido y cautivado la lleva a sus dominios en la selva. El rescate de la muchacha lo llevan a cabo muchos valientes marineros pero en la isla habitan diversas criaturas prehistóricas que junto con Kong casi exterminan a los rescatadores. Sólo sobreviven Denham y Driscoll, el primero logra regresar a pedir ayuda mientras que el segundo consigue arrebatarle la mujer a Kong. Fúrico por su pérdida el gorila los persigue hasta la misma muralla la cual destroza al igual que gran parte de la aldea. Denham logra lanzarle una bomba de gas en la playa que lo hace caer inconsciente y decide llevarlo encadenado a Nueva York con el fin de montar un grandioso espectáculo.Kong peleando contra un pterosaurio.Es exhibido ante un numeroso público, donde se le presenta con el sobrenombre de King (rey en inglés). Durante su primera aparición en público, Kong consigue escapar, busca a su adorada Ann y la vuelve a capturar entre sus garras y la lleva hasta lo alto del Edificio Empire State en donde es abatido por biplanos. En la calle el cuerpo exánime de Kong es rodeado por gente curiosa y un policía le dice a Denham que por fin los aviones terminaron con el monstruo y éste corrige diciendo "no fueron los aviones, fue la bella quien mató a la bestia".


LA FAMILIA TELERIN (LOS PEQUES DE LA TELE):era un programa de Televisión Española que se encargaba de anunciar el final de la programación infantil y dar paso a la programación adulta. Fue creado en 1964 por José Bort dibujante español ganando un premio un premio de TVE por los hermanos Santiago y José Luis Moro. La familia estaba compuesta por Cleo, Teté, Maripí, Pelusín, Colitas y Cuquín. La hora de emisión era las ocho y media en invierno y las nueve en verano.La letra de la cancion era la siguiente:
Traigo un recado de parte de la tele:
ya va siendo hora
de que los peques
nos vayamos a la cama
¡¡Hale!!
Vamos a la cama
que hay que descansar
para que mañana
podamos madrugar.


BONANZA: fue una serie de televisión norteamericana de tipo western/cowboy que fue emitida por la cadena de televisión NBC entre el 12 de septiembre de 1959 hasta el 16 de enero de 1973. Bonanza fue la primera serie de televisión de una hora de duración que fue filmada en colores. A lo largo de casi toda su duración, el principal patrocinador de Bonanza fue Chevrolet y los actores a veces aparecían en propagandas de los vehículos Chevrolet. Todos los miembros del elenco habían aparecido previamente en numerosas producciones en teatros, televisión y películas, pero ninguno de ellos era especialmente famoso.Desde 1961 hasta 1972 Bonanza era emitida los domingos a la noche a las 9:00 PM a través de todos los Estados Unidos. Este horario fue fundamental en asegurar el éxito de la serie: desde 1964 hasta 1967, la serie fue primera en las mediciones de audiencia anuales. En cuanto a su longevidad, es el segundo show de la NBC después de Law & Order.La serie relataba las aventuras de la familia Cartwright, liderada por un patriarca viudo y sabio llamado Ben Cartwright (actor Lorne Greene). Ben tenía tres hijos biológicos, cada uno de ellos de una esposa distinta: el mayor era un constructor Adam Cartwright (Pernell Roberts) quien construyó la casa en el rancho; el segundo era el cálido y amable gigantón Eric, más conocido por su apodo: "Hoss" (Dan Blocker); y el más joven era el impetuoso Joseph o "Little Joe" (Michael Landon). El cocinero de la familia era un inmigrante chino llamado Hop Sing (Victor Sen Yung). En su época "Bonanza" era considerada un western atípico, principalmente porque las historias trataban sobre las tres personalidades distintas de los medio-hermanos, y como cuidaban de su padre, se protegían entre ellos, a sus vecinos y a su tierra.


La historia tiene lugar en una isla griega ficticia. Sophie, una chica inglesa de 20 años, descubre el viejo diario de su madre y encuentra descripciones de varias citas íntimas con tres hombres. (Honey, Honey). Sophie cree que uno de esos hombres es su padre, y les envía una invitación a cada uno a su boda sin decírselo a su madre.El día antes de la boda, la madre de Sophie, Donna, comienza a recibir a los invitados en su hotel. Las primeras en llegar son sus dos mejores amigas: Tanya, una mujer rica y tres veces divorciada, y Rosie, una mujer soltera a la que le gusta divertirse. Las tres mujeres conversan y hablan sobre cómo las ha tratado la vida.
Más tarde ese día, 3 hombres llegan: Sam Carmichael un arquitecto estadounidense, Harry Bright, un banquero británico, y Bill Austin un escritor australiano. Sophie los convence de no decirle a Donna que ella los invitó. Donna va a al establo justo cuando Sophie va saliendo de ahí. Se sorprende mucho cuando ve a sus tres ex novios en el mismo lugar y al mismo tiempo.Tanya y Rosie encuentran a Donna en su habitación llorando e intentan animarla. Donna confiesa a sus amigas que los tres posibles padres de Sophie están en el hotel, pero que realmente no sabe cual de ellos es su verdadero padre. Hace 20 años, las tres cantaban en un grupo llamado "Donna & The Dynamos." Tanya y Rosie intentan convencerla de que aún puede ser la chica que fue alguna vez, (Dancing Queen).Sophie esperaba que reconocería a su padre en el momento en que lo viera, pero ahora esta más confundida que nunca. Intenta contarle a su prometido Sky sin contarle de verdad lo que había hecho. Sky trata de animarla garantizándole que será el hombre que siempre necesitó. Sky es llevado a su despedida de soltero por sus amigos.En la despedida de soltera de Sophie, Donna, Tanya y Rosie se ponen sus viejos trajes y cantan una canción.Sophie encuentra a Bill, y éste le cuenta el porqué del hotel y del nombre de Sophie. Ambos se dan cuenta de que probablemente el es su padre. Sophie le pregunta si quiere llevarla al altar, a lo que el responde que deben discutirlo con Donna.En la despedida de soltera, Sky y sus amigos llegan y las mujeres llevan a Sophie a bailar al centro de la písta.Entre los tres invitados a la boda uno de ellos es el padre de sofhie y cada uno de ellos quieres acompañarla al altar,cuestion que deberia discutir con su madre Donna pues ella sola sabe quien el su padre,de ahi toda la trama de este musical para sorpresa de muchos lo que ocurre casi al final antes de ir al altar.La boda comienza, con Donna llevando a Sophie hacia el altar. Cuando el sacerdote va a dar inicio a la ceremonia, Donna se levanta y hace un anuncio en el cual saluda al padre de Sophie. Los tres hombres se levantan y se colocan detrás de Sophie, para acompañarla, ya que no se sabe cual de ellos es en realidad su progenitor. El caso de quién es el padre de Sophie es finalmente resuelto: como ninguno de ellos tienen idea de quien es realmente su padre; todos acuerdan que no importa quien sea el padre biológico, ya que Sophie ama a los tres y ellos están felices de ser "un tercio de un padre".
Finalmente, Harry, quien había hecho frecuentes referencias a su "otra mitad" a lo largo del show, revela que tiene una relación homosexual con un hombre llamado Laurence (Nigel en algunas producciones y Peter en la versión rusa).Sophie, al ver lo que esta pasando, decide no casarse y aceptar la proposición que Sky le había hecho de recorrer el mundo juntos en su bote. El sacerdote dice que entonces se supone que no habra boda, pero Sam aprovecha para proponerle matrimonio a Donna, sacando un anillo de su bolsillo y pidiéndole de rodillas que acepte y así las preparaciones de la boda no sean un gasto. Donna acepta.La boda comienza, con Donna llevando a Sophie hacia el altar. Cuando el sacerdote va a dar inicio a la ceremonia, Donna se levanta y hace un anuncio en el cual saluda al padre de Sophie. Los tres hombres se levantan y se colocan detrás de Sophie, para acompañarla, ya que no se sabe cual de ellos es en realidad su progenitor. El caso de quién es el padre de Sophie es finalmente resuelto: como ninguno de ellos tienen idea de quien es realmente su padre; todos acuerdan que no importa quien sea el padre biológico, ya que Sophie ama a los tres y ellos están felices de ser "un tercio de un padre".



En 1958, Danny Zucko y Sandy Olsson se enamoran durante las vacaciones de verano. Cuando el verano termina, se despiden pensando que no se van a volver a ver, ya que Sandy ha de volver a Australia.

La familia de Sandy cambia de opinión y en lugar de regresar a Australia, Sandy se queda en los Estados Unidos y se matricula en el instituto Rydell, donde estudia su amiga Frenchy, miembro de una pandilla llamada Las Damas Rosas (The Pink Ladies en el original en inglés). Lo que no sabe es que en ese mismo instituto también estudia Danny.Danny, por su parte, es el líder de una pandilla de chicos, los T-Birds (Thunder Birds). Kenickie, segundo al mando de los T-Birds, anima a Danny para que les cuente su experiencia de vacaciones, mientras que las Damas Rosas interrogan a Sandy. Este escenario desemboca en la canción "Summer Nights", en la que ambos relatan su punto de vista sobre su relación de verano con el otro. Se ve claramente que Danny exagera, y ninguno de los dos sabe de la presencia del otro en el instituto.Animada por Patty Simcox, una chica bien del instituto, Sandy se apunta al equipo de animadoras de Rydell. Las Damas Rosas hacen coincidir a Danny y a Sandy, pero Danny tiene que proteger su imagen de tío duro y su comportamiento hacia Sandy hace que ésta se vaya corriendo entre lágrimas. Danny la observa unos instantes pero rápidamente vuelve a su pose de chico duro y se va con sus amigos.
Frenchy intenta animar a Sandy invitándola a una fiesta-pijama en su casa con el resto de la pandilla. Sandy se apunta, pero su comportamiento de niña buena que-nunca-ha-roto-un-plato termina con la paciencia de Rizzo, ya que Sandy se atraganta con un cigarrillo, no le gusta el sabor del vino y le aterroriza la idea de que Frenchy le perfore los lóbulos de las orejas para llevar pendientes. Ante la insistencia de Frenchy, Sandy se va con ella al baño y allí se pone enferma con sólo ver la sangre. Frenchy comunica a sus amigas que va a dejar el instituto para ir a una escuela de belleza. Rizzo no puede más y se mofa de Sandy junto con todas las demás cantando la sarcástica "Look at me, I'm Sandra Dee".Es ya el último día de clase y se ha organizado una feria en el instituto Rydell. Danny aparece allí con la sudadera deportiva del equipo de atletismo, mientras que Sandy aparece con una chaqueta de cuero negro, sandalias de tacón alto, un top con los hombros al aire, el pelo rizado y fumando un cigarrillo. Danny la encuentra extremadamente atractiva, cayendo a sus pies. Ambos vuelven a estar juntos y cantan "You're the One That I Want" (otra canción añadida para la película y un gran éxito incluso antes de que la película se estrenase). Kenickie y Rizzo también acaban juntos, y Rizzo emocionada grita desde la noria que era una falsa alarma y que no está embarazada. Todos cantan el gran finale, "We Go Together", y Danny y Sandy se van volando en un descapotable................................

E.T., el extraterrestre es un filme estadounidense de ciencia ficción de 1982, coproducido y dirigido por Steven Spielberg, escrito por Melissa Mathison y protagonizado por Henry Thomas, Robert MacNaughton, Drew Barrymore, Dee Wallace y Peter Coyote. Cuenta la historia de Elliott (interpretado por Thomas), un muchacho solitario que se hace amigo de un extraterrestre, llamado E.T., quien quedó abandonado en la Tierra. Elliott y sus hermanos ayudan al extraterrestre a retornar a su hogar, mientras intentan mantenerlo oculto de su madre y del gobierno. El filme comienza en un bosque de California con un grupo de botánicos extraterrestres que reúnen muestras de la vegetación. Agentes del gobierno de EE.UU. aparecen y los extraterrestres huyen en su nave espacial, dejando atrás a uno de los suyos en sus prisas. La escena cambia a un hogar en los suburbios de California, donde un niño llamado Elliott (Henry Thomas) hace de sirviente de su hermano mayor, Michael (Robert MacNaughton), y sus amigos (K. C. Martel, Sean Frye y C. Thomas Howell). Cuando él va por la pizza, Elliott descubre al extraterrestre abandonado, quien huye con prontitud. A pesar de la incredulidad de su familia, Elliott deja dulces de Reese's Pieces en el bosque para atraerlo a su dormitorio. Antes de que se vaya a la cama, a Elliott advierte al extraterrestre imitando sus movimientos. A la mañana siguiente, Elliott finge una enfermedad para evitar ir a la escuela y así poder jugar con el extraterrestre. Esa tarde, Michael y su hermana menor, Gertie (Drew Barrymore), conocen al extraterrestre. Su madre, Mary (Dee Wallace), oye ruido y va a ver que pasa. Michael, Gertie y el extraterrestre se esconden en el ropero, mientras Elliott asegura a su madre que todo está bien. Michael y Gertie prometen mantener al extraterrestre en secreto de su madre. Decidiendo quedarse con el extraterrestre, los niños comienzan a preguntarse acerca de su origen. Él responde levitando unas bolas que representan a su sistema solar, y demuestra aún más sus poderes al revivir una planta muerta.

Al día siguiente en la escuela, Elliott comienza a experimentar una conexión psíquica con el extraterrestre. Elliott se comporta erraticamente debido en parte a la intoxicación del extraterrestre por beber cerveza. Elliott entonces comienza liberando las ranas en una clase de disección. Como el extraterrestre mira a John Wayne besando a Maureen O'Hara en The Quiet Man, por el vínculo psíquico, a Elliott le causa besar a una chica (Erika Eleniak) que le gusta de igual manera.
El extraterrestre aprende a hablar inglés por repetir lo que dice Gertie en respuesta a lo que ella está viendo en Sesame Street y, a instancia de Elliott, se apoda a sí mismo como E.T. Consigue la ayuda de Elliott en la construcción de un dispositivo para llamar a casa, mediante el uso de un juguete Speak & Spell. Michael comienza a notar que la salud de E.T. está deteriorándose y que Elliott está refiriéndose a sí mismo como nosotros. En Halloween, Michael y Elliott visten a E.T. como un fantasma para que puedan escabullirse fuera de la casa. Elliott y E.T. andan en bicicleta por el bosque, donde E.T. exitosamente llama a su hogar. A la mañana siguiente, Elliott despierta para encontrar que E.T. ha desaparecido, y retorna a su hogar con su afligida familia. Michael encuentra a E.T. muriendo en el bosque, y el extraterrestre toma a Elliott, quien también está muriendo. Mary comienza a asustarse cuando ella descubre la enfermedad de su hijo y al extraterrestre agonizante, antes los agentes del gobierno invaden la casa.

Los científicos crean una instalación médica en la casa, colocando en cuarentena a Elliott y a E.T. El vínculo entre E.T. y Elliott desaparece cuando E.T. parece morir. Elliott se queda sólo con el extraterrestre inmóvil, cuando se da cuenta que una flor muerta, la planta que E.T. previamente había revivido, vuelve a la vida. E.T. se reanima y revela que su gente está retornando. Elliott y Michael roban una camioneta en la que E.T. había sido guardado y se produce una persecución, uniéndose Elliott y E.T. con los amigos de Michael en su intento de evadir a las autoridades en bicicleta. De repente frente a un callejón sin salida, ellos escapan con el uso de la telequinesis de E.T. para levantarse en el aire y huir hacia el bosque. Parado cerca de la nave espacial, el corazón de E.T. se ilumina a medida que se prepara para retornar a su hogar. Mary, Gertie y Keys (Peter Coyote), un agente del gobierno, aparecen. E.T. dice adiós a Michael y a Gertie, y antes de entrar en la nave espacial, le dice a Elliott Estaré aqui mismo, apuntando con su dedo brillante al corazón de Elliott.

VERANO AZUL 25 AÑOS DESPUES:
Su sintonía se ha vuelto a poner de moda gracias a un anuncio con dobles de los actores. Pero, ¿qué ha sido de los auténticos protagonistas? Aquí los tenéis...

PIRAÑA:
Miguel A. Valero
Es profesor y padre de familia
Se pasaba el día comiendo bocadillos y helados, pero ahora Miguel Ángel tiene 35 años, es licenciado en Telecomunicaciones y da clases en una Universidad madrileña. Sus alumnos suelen silbarle la música de la serie y él sólo tiene buenas palabras para esa etapa de su vida: “La relación con mis compañeros fue muy buena.” De Piraña sólo conserva la curiosidad y ahora su hija “es una gran fan de la serie”, afirma. Eso sí, no le ha hecho gracia el anuncio basado en Verano azul: “Pensé en recurrir a otro operador para hacer un spot con los personajes reales.”
PANCHO:José Luis Fernández
Lucha contra las adicciones
Tras la serie, Pancho probó suerte con la música, pero el dúo Pancho y Javi no triunfó. Tuvo problemas con las drogas y estuvo internado en varios centros. Ahora, con 42 años, está bastante desmejorado y, sin trabajo, vive con sus padres en Madrid.
Cristina, la tímida Desi, tiene 41 años, es auxiliar de clínica, está divorciada y es madre de una hija de 17. Más extrovertida que su personaje, afirma que “estaría encantada de volver a hacer la serie”. Sin embargo, su hermana Pilar, que interpretaba a la deseada Bea, no quiere saber nada del mundo de la interpretación. La joven, que trabaja de enfermera en el mismo hospital que su hermana, quedó escarmentada de los medios tras vivir un romance con un cámara durante el rodaje en Nerja.

Juanjo Artero Ha triunfado como actor
Con 41 años, Juanjo ha vuelto a alcanzar el éxito con su personaje de Charlie en El Comisario, pero reconoce: “Sigo siendo Javi de ‘Verano azul’, pero con 40 años.” Aparte de su faceta televisiva, también se dedica al teatro, donde se ha decidido a montar su propia compañía. Además, está felizmente casado y tiene un niño y una niña.

María Garralón
De la televisión al teatro
Su rostro nunca abandonó la pequeña pantalla y ha participado en series tan populares como Farmacia de guardia o Compañeros. De su etapa en Verano azul, María, de 53 años, recuerda lo bien que les acogió el pueblo de Nerja. La fama no le agobió, aunque reconoce: “Hubo momentos en los que no podías salir a comprar, porque la gente te paraba por la calle.” En la actualidad, se dedica al teatro y mantiene el contacto con sus ex compañeros. “Todos sabemos dónde estamos, porque siempre hay alguno que llama”, explica.

TITO:Miguel Joven
Es recepcionista en Nerja
Cumplidos los 30, sigue viviendo en Nerja, está casado y trabaja como recepcionista en un hotel. “Tengo recuerdos muy bonitos de la serie, aunque no era del todo consciente”, explica. Lo que sí recuerda es cómo fue seleccionado: “Ya había un Tito, pero no funcionó. Todo el equipo comía en el bar donde trabajaba mi padre y el dueño les convenció para que me hicieran una prueba.” Reconoce que la fama llegó a ser un poco agobiante y, aunque prefiere no pensar en una segunda parte de la serie, asegura: “Siempre tengo la puerta abierta a hacerlo.”

QUIQUE: Gerardo Garrido
Es fotógrafo
Tras finalizar el rodaje de la popular serie, Gerardo participó en algunos anuncios publicitarios, pero finalmente decidió cambiar la interpretación por la Biología. A pesar de sus estudios, nunca ejerció como biólogo.

Durante unos años regentó una cadena de zapaterías, pero en la actualidad trabaja como fotógrafo. Tiene 39 años.

Y POR ULTIMO CHANQUETE: Que todos sabemos su final...

FARMACIA DE GUARDIA:Farmacia de Guardia comenzó a emitirse el 19 de septiembre de 1991 y terminó el 28 de diciembre de 1995, contó con 5 temporadas y fue, como ya dijimos, líder de audiencia durante todas ellas, terminando con una audiencia de su último capítulo de más del 60% que eso, contando que ya estaban las privadas, era mucho en aquella época.
La serie contaba las historias que ocurrían alrededor de una farmacia de un barrio de Madrid y, aunque el argumento principal era la relación de la dueña de la farmacia (Lourdes) con su ex-marido Adolfo Segura, había tramas secundarias que animaban la serie, como por ejemplo la relación que tenían los dos policías que eran totalmente la cara y la cruz. ¿Quién no se acuerda del mítico “para adentro Romerales”? La serie se desarrollaba casi toda o en la farmacia o en la rebotica (la parte de atrás del local), ya que los exteriores se delimitaban a una calle que hacía esquina, un club de alterne enfrente de la farmacia y poco más, es decir, lo típico en una sitcom al uso. Farmacia de Guardia terminó con un sueño de Fanny (la niña que habían adoptado) soñando que Lourdes y Adolfo se casaran, haciendo que todos los fans de la serie tuvieran su deseo cumplido, aunque fuera a medias. La serie tuvo tanto impacto en la sociedad que hasta cuando Antena 3 emitió el último capítulo 10 años después a las 00:45 de la madrugada fue líder de audiencia batiendo a productos tan fuertes, de aquella, como Los Serrano o Noche Hache.
¿Qué fue de sus actores?
La mayoría de los actores que participaron en Farmacia de Guardia no continuaron con gran éxito su carrera en la televisión. Concha Cuetos se fue más por el cine y el teatro aunque participó en series como Divinos o Hospital Central con personajes secundarios. Carlos Larrañaga hizo también lo propio, y salvo algún capítulo de Manolo&Benito y Mis Adorables Vecinos, poco se le ha visto en televisión. Uno que desapareció de todo el panorama (dejó de ser actor) fue Miguel Ángel Garzón (Quique, el hermano mayor), que después de la serie no hizo nada más salvo una película en 2004 llamada Tánger, muy al contrario que su hermano en la ficción Julián González (Jorge), que después de participar en Menudo es mi padre, tuvo la fama con todas las temporadas de la primera etapa de Compañeros con película incluída; recientemente también se le ha visto en un capítulo de Cuenta Atrás, pero no ha hecho mucho más hasta la fecha. También Alicia Rozas (Fanny, la niña pequeña adoptada) siguió ligada a la televisión, participando con papeles principales en series como El Pantano, La casa de los líos y haciendo de secundaria en RIS y en Hospital Central.

MEDICO DE FAMILIA: es una serie de televisión española producida por Globomedia para Telecinco. Estrenada a finales de 1995, la serie lideró la noche de los martes durante cuatro años y llevó a Telecinco a la moda por las series nacionales. Ha sido emitida y adaptada en Italia, Finlandia, Bélgica, Alemania y Rusia, entre otros países. Su adaptación en Italia la superó en capítulos y aun se mantiene en emisión.
Cuenta las adversidades de un joven médico, el doctor Nacho Martín (Emilio Aragón), viudo con tres hijos y un sobrino adolescente a su cargo, que debe rehacer su vida familiar. También está presente su cuñada, interpretada por Lydia Bosch, con quién acaba casándose en segundas nupcias y teniendo mellizos. También hay que destacar la presencia de Julio, su mejor amigo, luego de su primo Alfonso y de los compañeros del centro de salud.
La serie cuenta los problemas familiares, personales y profesionales que le suceden. Con él vive su padre y la asistenta de la casa, Juani (Luisa Martín), que marcan el ritmo diario de la vida familiar. Ha sido una de las pocas series, junto a Farmacia de guardia, 7 vidas y Aquí no hay quien viva que han marcado un antes y un después en la ficción televisiva española y se convirtió en la serie más vista durante sus casi 5 años de emisión. Protagonizada por Emilio Aragón, que se estrenaba como actor en esta producción, y Lydia Bosch, se emitió en Telecinco entre los años 1995 y 1999.
La serie cuenta la historia de Nacho Martín, un médico viudo padre de tres hijos (María, Chechu y Anita)y un sobrino (Alberto), que vive además con su padre, el abuelo de estos (señor Manolo) y está enamorado de su cuñada (Alicia), con la que acabará rehaciendo su vida y teniendo mellizos (la niña se llama Elena y el niño Manuel, nacidos en un ascensor con Juani y María como comadronas). Otros personajes principales son la asistenta de la familia (Juani) y el mejor amigo de Nacho (Julio).
ANA Y LOS 7: Ana y los siete fue una serie de televisión española emitida por La Primera de TVE protagonizada por Ana García Obregón en ella hacía el papel de una stripper que conseguía por accidente el trabajo de niñera en una lujosa mansión donde vivían un adinerado viudo con siete hijos (de diferentes edades, desde la joven universitaria a la niña de cinco años), su mayordomo y la cocinera. En ella, escondiendo su "doble vida", sufre numerosas aventuras y se enamora del viudo... La serie cosechó un notable éxito de audiencia en todas sus temporadas hasta que fue finalizada por la propia actriz.

Los miembros de El Equipo-A: Al coronel Hannibal Smith la serie le llegó en plena crisis profesional y le sirvió para relanzar su carrera. Sin embargo, una vida de excesos estaba a punto de pasarle factura. Peppard, bebedor y fumador empedernido, enfermó de cáncer y redujo su actividad. Dos años antes de morir se casó por quinta vez y apareció en un capítulo de la serie Matlock . Falleció el 8 de mayo de 1994 en Los Ángeles, cuando tenía 66 años.
Nacido en Chicago en 1952, el sargento M.A. Barracus sigue viviendo de la popularidad que alcanzó en los 80 tanto con El Equipo A como con Rocky III . Le hemos visto en Sabrina, cosas de brujas y su voz aparece en un capítulo de The Simpsons . Además, ha hecho cameos en No es otra estúpida comedia americana y Espía como puedas . A punto de cumplir 59 años, el loco capitán Murdock sigue en buena forma, pero no como actor sino como doblador. Su peculiar voz le sirvió para abrirse camino tras El Equipo A . Se le puede escuchar en la versión original de filmes como X-Men , Los cuatro fantásticos , El castigador , Las crónicas de Riddick , Van Helsing o Spider-Man . Fénix , que en la actualidad tiene 62 años, a penas a intervenido en títulos de categoría.

V-INVASION EXTRATERRESTRE: Quien no se acuerda de esa serie de los 80 en la que nos invadían los extraterrestres, se arrancaban la cara y podiamos ver perfectamente como
dejaban su rostro verde al descubierto. ¿Quien no recuerda tambien a Diana, la mala de la serie, una guapisima alienigena que se comia las ratas?. Esto tambien llevo a otra moda, la de las gominolas en forma de ratas, gusanos, arañas y otros bichos un tanto asquerosos… pero que buenos estaban, jejeje.
Argumento: Extraterrestres humanoides (de apariencia prácticamente humana) llegan a la Tierra desde el cuarto planeta de la estrella Sirio en una flota de 50 enormes platillos voladores que “aparcan” sobre las principales ciudades del mundo. Parecen ser amigables, y buscan la ayuda de los seres humanos para obtener ciertos productos químicos que necesitan en su propio planeta. A cambio, prometen compartir su avanzada tecnología con los seres humanos. Los gobiernos del mundo aceptan y los E.T.E.S ganan una gran influencia en las más altas esferas de poder del mundo.

MACGYVER: MacGyver fue una serie de televisión estadounidense cuyo protagonista es el personaje homónimo interpretado por Richard Dean Anderson, un curioso personaje al servicio de la "Fundación Phoenix" que siempre trata de ayudar a los buenos y acabar con los malos y, además, sólo usando su inteligencia puede hacer mucho.
La serie comenzó en 1985 y duró 7 años en el aire. Se emitió originalmente en la cadena estadounidense ABC.
La fama de MacGyver viene de su habilidad para improvisar cualquier artilugio con elementos simples y de lo más variados: chicles, clips, mecheros, neumáticos, etc. y su inseparable navaja suiza multiusos. Es un agente secreto cuya arma más peligrosa es su inteligencia. Con tan sólo su mochila repleta de diversos objetos normales y corrientes, siempre es capaz de fabricar toda clase de elementos y escapar de todos los peligros que se topan en su camino, tanto en sus diversas misiones como en su vida cotidiana. Tiene parte de boyscout y otra parte de genio. Nunca usa armas de fuego y siempre evita matar a alguien.

LA CASA DE LA PRADERA: nos contaba las penurias y alegrías de la familia "Ingalls",y los demás habitantes de un pequeño pueblo ficticio llamado "Walnut Grove".
Narrada por la hija mediana del matrimonio, Laura, era una recreación de la forma de vida de los primeros pobladores fronterizos.La serie comenzaba, con el padre de familia, Charles, trasladando a su familia desde Wisconsin a las tierras de Minnesotta, donde se afincan en un pequeño pueblo.Una vez que los Ingalls se acomodan en su nueva casa, Charles, con su mujer Caroline, y las tres hijas, Mary, Laura y Carrie,comienzan ilusionados una nueva vida que suponen les resultará más ventajosa.Pero no pasará mucho tiempo antes de que aprendan que la vida en la frontera es dura y complicada.
Con poco dinero, Charles se ve obligadoa aceptar cualquier trabajo a cambio de consiguer materiales para mantener su pequeña granja.Poco a poco se van integrando a la vida del pueblo, tratando de llevarse bien con todo el mundo, incluso con los Oleson y su repelente hija Nelly.

PIPI LANGSTRUMP: Pippi Långstrump (Pippi Calzaslargas en España, Pippi Mediaslargas en Hispanoamérica) es un personaje literario creado por la escritora sueca Astrid Lindgren. Está dotada de una gran fuerza y, reflejando el extraordinario amor de la autora Astrid Lindgren por los animales, posee un caballo a lunares llamado "Pequeño tío" (Lille gubbe, o sea, "Muchachito") y un mono tití llamado "Señor Nilsson". Es huérfana de madre, y su padre es un pirata rey de los congoleses. Pippi vive en su casa llamada (en el original sueco) Villa Villekulla, acompañada únicamente de sus mascotas. Es característico su cabello rojo, peinado en dos trenzas levantadas hacia arriba por espíritu de
contradicción. Es una niña imaginativa y rebelde ante todo convencionalismo: suele cocinar crepes sobre el suelo, caminar hacia atrás, o dormir con sus pies sobre la almohada; lleva un vestido cosido a retazos, unos zapatos que le vienen grandes, y calza unas medias por encima de las rodillas, de donde le viene su nombre. Aunque tiene sólo nueve años, es la niña más fuerte del mundo, incluso más que cualquier hombre, ya que puede levantar a su caballo con una sola mano. También puede hacer la limpieza con gran velocidad. Tiene dos amigos, Tommy y Annika, que le acompañan en sus aventuras.

HEIDI: Es una niña que, huérfana desde muy pequeña (y cuyo nombre verdadero es igual al de su madre, Adelaida), queda al cuidado de su joven tía Dete. Apenas la mujer encuentra una buena oportunidad de trabajo, lleva a la niña a vivir a la aldea de Dorfli con su abuelo, a quien no conocía, y a quien los habitantes llamaban "El viejo de los Alpes", por ser casi un ermitaño. Heidi es cautivada por la vida en los Alpes, donde lleva un contacto directo con la naturaleza. Ahí conoce a Pedro, un chico que se encarga de pastorear a las cabras de los aldeanos, quien se convertirá en el mejor amigo de la pequeña y en su compañero de aventuras. Heidi vive feliz, pero alejada de la sociedad, pues su abuelo se niega a que acuda al colegio. La pequeña entabla sin embargo una gran amistad con la abuela y la madre de Pedro.
Un año después de terminada la primera novela, apareció la segunda parte, De nuevo Heidi, que narraba las aventuras de la niña, alejada de las montañas por su tía, quien la había hecho contratar para hacer de damita de compañía de una niña inválida, Clara Sesemann. Clara forma parte de una de las familias más importantes de Fráncfort, y sufre una vida de encierro, únicamente acompañada de la servidumbre y de la Señorita Rottenmeier, quien funge como su tutora, ya que tanto el padre como la abuela de Clara permanecen poco tiempo en la ciudad por motivos de negocios. El encierro y la rigidez en la educación termina por deprimir a Heidi, pero crea fuertes lazos de amistad con Clara y su familia. El padre de Clara, consciente de la depresión de Heidi, decide enviarla de regreso a las montañas. Heidi cambiaría la vida de la familia de Clara. Poco tiempo después de la partida de su amiga, Clara es enviada a visitarla a los Alpes, donde en medio de los bellos paisajes y rodeada por el cariño del abuelo, de Pedro y de Heidi, se esfuerza por lograr caminar. Y lo consigue, pero no del todo. Pero cuando vuelve a Francfort, con la ayuda de su medico, consigue caminar del todo.

MARCO: de los Apeninos a los Andes:En Génova, al norte de Italia, reside una familia con dos hijos de dieciocho y once años. La madre se ve obligada a marchar a Argentina para encontrar trabajo sirviendo en una casa. Durante un tiempo la familia recibe, por escrito, noticias de la madre, pero al cabo de un año, las cartas cesan, tras una en que se daba cuenta de problemas de salud, con lo que se crea una situación de preocupación e incertidumbre. Tras tratar de conseguir noticias a través del Consulado italiano en Buenos Aires, a los dos años de la partida de la madre, el más pequeño de los dos hijos, Marco, decide afrontar, salvando las iniciales reticencias de su padre, el largo viaje de veintisiete días que entonces debían sufrir los emigrantes a bordo de grandes buques mercantes. A su llegada a la capital argentina no consigue encontrar a su madre, pues la familia para la que trabaja ha trasladado su residencia a Córdoba. Tras pasar una noche en La Boca, se embarca para remontar el Río Paraná, con destino a Rosario, desde donde le han dicho que le será más fácil llegar a Córdoba. Allí no encuentra al contacto que le habían facilitado y se encuentra en una situación difícil, ante la falta de dinero para pagar el ferrocarril que le llevaría, durante un día de viaje, hasta Córdoba. Sin embargo la ayuda de un grupo de emigrantes italianos le proporciona el dinero necesario y toma el mencionado ferrocarril. Con la llegada a Córdoba no acaban los problemas del joven Marco, pues al llegar a la casa del ingeniero Mequínez, para quien trabaja su madre, comprueba que, una vez más, se ha mudado, marchando a Tucumán. Consigue convencer a un comerciante que se dirige a Santiago para que lo lleve en el tramo común del camino, viajando así durante más de dos semanas en un carro tirado por bueyes que lo dejará junto a la Cordillera de los Andes desde donde marchará a pie hasta Tucumán. Al llegar a esta ciudad, y tras dirigirse a una finca situada a una jornada más de marcha, encuentra al fin a su madre, enferma y prácticamente deshauciada por los médicos. Debe operarse y, tan lejana de su familia, ha perdido toda esperanza. Se niega a ser operada. Sin embargo, la llegada de su joven y voluntarioso hijo le devuelve la ilusión por vivir y conseguirá ayudarla a sanar. El relato termina con las palabras del médico, quien dirigiéndose a Marco le dice: "¡Eres tú, heroico niño, quien ha salvado a tu madre!".

El Coyote y el Correcaminos:el Correcaminos, un pájaro velocísimo (basado en un animal real, el ave Geococcyx californianus, en inglés “greater roadrunner”) es perseguido por las carreteras del desierto del sudoeste de Estados Unidos por el hambriento Coyote. A pesar de sus numerosas e ingeniosas tentativas, el Coyote no consigue nunca capturar o matar al Correcaminos. Muy al contrario, todas sus elaboradas tácticas terminan por perjudicarle a él, convertido en la víctima de la exageradísima (e inocua) violencia de la serie. Los personajes son mudos, si se exceptúa el sonido característico del Correcaminos (bib-bip), una especie de bocinazo que tiene la propiedad de alterar los nervios del Coyote, o el ruido que el ave hace al sacar la lengua. Sin embargo, los personajes se comunican entre sí mediante señales.
Curiosamente, es el Coyote el personaje que despierta las simpatías de la audiencia, a pesar de ser siempre el agresor, a causa de sus continuamente inútiles esfuerzos por capturar al Correcaminos. Éste carece prácticamente de personalidad, siendo más bien el objeto inalcanzable del deseo del Coyote que un personaje propiamente dicho.

La Pantera Rosa se puede definir como un gentleman (caballero con clase) británico, elegante hasta en el último de sus gestos. Es una pantera antropomórfica bastante metódica y muda (aunque en 2 episodios habla)(también en la serie de 1993), con una capacidad intelectual muy elevada y con un genio bastante alegre y simpático; su aspecto físico es delgado con la situación de que es de color rosa y muda, se mete en algún lío o simplemente realiza tareas bastante comunes pero con un toque cómico singular, lo cual haría recordar por un momento un singular pero poco denotado parecido muy especial al gran maestro de la cinematografía sir Charles Chaplin y al personaje
Charlot.


La parodia nacional fue un programa de televisión español producido por Gestmusic y emitido por Antena 3 entre 1996 y 1999.
El grupo La Trinca, por entonces directores de la productora Gestmusic, idearon un programa para Antena 3 consistente en una gala musical, en la que los concursantes compondrían una letra, basándose en canciones populares, para tratar temas sobre la actualidad de la época, tanto política como social. La primera gala se emitió el 22 de marzo de 1996 y fue presentada por Javier Sardá.
El concursante debía componer una letra que adaptara una canción popular a la actualidad nacional e internacional. Ésta letra será interpretada por los cantantes en plantilla del programa, y se realizará una actuación en tono satírico en torno al tema a tratar (Por ejemplo, con la música de La Macarena una canción sobre Bill Clinton). En cada programa participaban hasta 5 compositores con sendas canciones. Cada actuación venía precedida por un video en clave de humor, normalmente con reporteros abordando a la gente de la calle con preguntas sobre el tema.
La actuación contaba con una orquesta con música en directo, y una puesta en escena relacionada con el tema. El tema lo interpretaban cantantes en plantilla de la productora, la mayoría salientes del programa Lluvia de estrellas, y conocidos por un pseudónimo, normalmente un nombre con toque cómico. Estos eran Loli Panoli, Curro Candelas, Tony las Vegas, Vanessa Puñales, Moncho Marlboro, Estrellita la moderna, Tina Turmix, Rocky Tornado, Las Miranda o Rita Dinamita entre otros cantantes.
El jurado y público asistente al plató debía votar por la mejor canción de cada programa y se otorgaban 3 premios monetarios al vencedor, segundo y tercer puesto, así como un galardón simbólico (Oro, plata y bronce). Durante las deliberaciones y recuentos de votos se ponía en escena la canción Corazón pinturero que trataba temas de la crónica rosa.

El tiempo es oro fue un concurso de televisión, emitido por Televisión española entre 1987 y 1992. Estaba realizado por Sergi Schaaf y presentado por Constantino Romero con la ayuda de Janine Calvo.
El concursante debía superar varias tandas de preguntas de cultura general. Una vez superada esa fase, era cuestionado sobre un tema específico de su propia elección. Finalmente, con ayuda de dos amigos y documentación enciclopédica, debía contestar a una pregunta final, siempre con un tiempo máximo como límite para responder.

Saber y Ganar es un programa de televisión español de preguntas y respuestas, dirigido por Sergi Schaaff. Está presentado por Jordi Hurtado y Juanjo Cardenal, con la colaboración de Pilar Vázquez, y se emite, en diferido, de lunes a viernes, a las 15:35 por La 2 de Televisión Española. También es transmitido, también en diferido, por el Canal Internacional de Televisión Española.
Se emite ininterrumpidamente desde el 17 de febrero de 1997, por lo que es el concurso más veterano de la televisión de España. El 27 de enero de 2006 cumplió 2.000 programas en antena. Durante 2005 obtuvo una media en torno al millón y medio de espectadores por programa, lo que supone más del doble de la audiencia media de La 2. Su mayor pico de audiencia lo obtuvo el 22 de enero de 1998 con 2.646.000 espectadores y un 21'8% de cuota de pantalla.
En Saber y Ganar compiten tres concursantes que deben responder correctamente a preguntas de cultura general en diversas pruebas. Cada día, el concursante clasificado en segundo lugar debe superar una prueba más, La calculadora humana, para poder conservar lo que ha ganado durante el concurso. Los tres participantes tienen la oportunidad de conseguir un dinero extra contestando correctamente a la penúltima prueba, La parte por el todo. En la última prueba del programa, el concursante que cayó eliminado en La pregunta caliente tiene la posibilidad de volver a concursar en el programa siguiente si supera El reto.
El Reto: Es una de las pruebas favoritas de la audiencia, pese a que es una prueba eliminatoria. A ella accede el concursante con menos puntos tras la pregunta caliente. Al concursante se le presentan siete palabras de las que sólo conoce las tres primeras letras, y con las definiciones de Juanjo Cardenal debe adivinar todas las palabras en menos de 50 segundos. En caso de acertarlas, participará en el siguiente programa. En caso contrario, acaba su participación. En ambos casos se suma al total los puntos ganados ese día.

Si lo sé, no vengo fue un programa concurso emitido, inicialmente, los jueves por la noche que, posteriormente, pasó a la tarde de los domingos por Televisión Española (TVE 1) entre 1985 y 1988. Presentado por Jordi Hurtado y copresentado en su primera etapa por Virginia Mataix, también intervenían como azafatas Jair Pont, Elena, y Janine. El realizador del programa era Sergi Schaaff.
El concurso consistía en superar pruebas, la mayoría de las veces en tono humorístico, mientras la voz en off de Juanjo Cardenal hacía preguntas al concursante. Cada prueba superada y pregunta contestada correctamente, el concursante acumulaba kilómetros que, una vez finalizado el concurso, podía cambiar por un viaje equivalente en kilómetros a la cantidad conseguida,por él, durante el juego.
El "osado concursante" era llevado al comienzo del concurso a un estrado por los forzudos González y González, al que tenía que volver cada vez que finalizaba con éxito alguna de las pruebas.
La última prueba del programa era "Doble o mitad" en la que el concursante podía conseguir el doble de kilómetros, si superaba la prueba y contestaba correctamente a una pregunta, o bien quedarse con la mitad de kilómetros acumulados. La prueba era opcional.

3x4 fue un concurso de televisión emitido en directo por Televisión Española, para el circuito catalán en 1987, y en la Primera Cadena entre el 1 de enero de 1988 y 1990 (en ocasiones también se emitió por la Segunda Cadena), siempre desde los estudios de Sant Cugat del Vallés en Barcelona, con dirección de Sergi Schaaff y Josep Maria Vidal. El título hacía referencia a las proporciones de una pantalla de televisión, 3 de alto por 4 de ancho.3x4 comenzó a emitirse en 1987 en el circuito catalán de TVE con presentación de Jordi Hurtado, aunque no fue hasta su salto a las emisiones nacionales en enero de 1988 cuando el programa logró hacerse popular en todo el país. Se emitía de Lunes a Viernes de 13:30 a 14:30. Este horario se cambió a las tardes a partir de 1990.El programa sirvió para lanzar a la fama a Julia Otero, primera presentadora de la versión para toda España, que se convirtió en una de las presentadoras más carismáticas de la cadena, presentando un programa de sobremesa, algo insólito para la época. Gracias a este programa, Julia ganó un premio TP de Oro a la mejor presentadora de 1988.Julia Otero compaginaba este programa con un magazine de entrevistas para el circuito catalán titulado La lluna. En marzo de 1989, TVE decidió pasar el programa a la televisión nacional para la noche de los Martes en directo. Este nuevo horario le hacía imposible continuar al frente de 3x4, por lo que se vio obligada a abandonarlo.Durante la etapa de Isabel Gemio se produjeron los primeros cambios importantes en el plató y, sobre todo, en la sintonía, y más tarde, con ella al frente, se pasaría a las tardes el horario de emisión. El cambio de horario y la llegada de las privadas perjudicaron al programa, que inició una rápida decadencia.Un último presentador, el entonces desconocido Jordi González, pasaría por el programa, pocos meses antes de que el concurso tocara a su fin. A diferencia de sus predecesoras, por el poco tiempo que pasó entre su debut y despedida, y por el descenso de público del programa, 3x4 no significó el lanzamiento de Jordi, que tuvo que esperar a trabajos posteriores para lograr la fama de la que goza hoy en día.
Mahatma Gandhi
(Mohandas Karamchand Gandhi; Porbandar, 1869 - Delhi, 1948) Pensador y líder del nacionalismo indio. Es la personalidad indígena más relevante de la historia india contemporánea. Domina la escena política y social de la India durante la primera mitad del siglo XX. Valioso legado de su actividad encaminada al bien de sus compatriotas y a la independencia de su país en el marco de una extraordinaria concepción filantrópica y humanitaria, ha quedado la obra titulada por él Historia de mis experiencias con la verdad (que en su primera redacción data de unos veinte años antes de su muerte), una mole ingente y varia de artículos publicados en revistas y periódicos, numerosos discursos oficiales pronunciados en la India y en Inglaterra y las abundantes alocuciones de carácter familiar y paternal dirigidas al pueblo y cuyo vivo y religioso recuerdo se mantiene todavía.Pasó la infancia en un ambiente familiar ordenado y recogido que dejó en él una huella indeleble. Su padre era funcionario estatal de grado elevado y su madre conservaba una fe religiosa apasionada y operante que se remontaba a las antiguas y sagradas tradiciones brahmánicas e hindúes. Después de haber seguido en su patria un curso regular de estudios y cuando tenía cerca de veinte años, mantuvo durante tres años un primer contacto directo con la cultura occidental, viviendo en Londres, donde esperaba perfeccionarse en los estudios jurídicos. Regresó después a la India; pero no permaneció allí mucho tiempo. Los ideales que guiaron toda su vida y que se identifican con un ardiente amor a la India (cuya antigua civilización y algunas épocas gloriosas de su historia trimilenaria se le aparecían como firmes bases para la deseada unión nacional) y una necesidad innata de llevar a cabo la difícil misión con un espíritu de amor y caridad hacia la humanidad entera, comienzan a revelarse públicamente con el generoso impulso con que Gandhi -habiéndose trasladado en 1893 al África meridional- se dedicó a realizar la obra de redención y de elevación moral y social de muchos millares de indios allí residentes.Numerosas y variadas fueron sus iniciativas humanitarias; instituyó colonias agrícolas y hospitales, y, sobre todo desde entonces, trató de eliminar las castas y religiones que dividían a su pueblo. En sus relaciones y en sus inevitables choques con las autoridades gubernativas de Sudáfrica inauguró un método de lucha, o mejor de resistencia que mantenía el respeto a la persona humana y evitaba la revuelta armada; y ya en África, en 1906, puso en práctica el "satyagraha" ("obstinación por la verdad"), conocido en Occidente con el nombre de "resistencia pasiva". Regresó a finales de 1914 a la India, donde llevó una vida retirada hasta 1918, término de la primera Guerra Mundial. A partir de este año, Gandhi fue prácticamente el jefe del movimiento nacionalista. Su bandera, al principio la simple "autonomía", que toma su base de la "autonomía económica" a la que se llega mediante la "no colaboración" y después con la "desobediencia civil", pasa a ser en fin el símbolo de la "independencia nacional" ("svaraj"). 1920 señala una fecha importante en la vida de Gandhi, porque fue precisamente en este año, en ocasión de la sesión extraordinaria del Congreso Nacional Indio en Calcuta y en la ordinaria celebrada poco después en Nagpur, cuando Gandhi obtuvo un gran éxito personal, por cuanto en la primera fue aprobada y en la segunda ratificada la puesta en práctica de una gradual resistencia pasiva, deseada y ardientemente propugnada por Gandhi.Se convierte entonces en primerísima figura, no sólo en el seno del Congreso, sino en toda la India; y a este año se remonta el título de "Mahatma", que el mismo pueblo le confirió en un impulso espontáneo de entusiasmo y de devoción; y dicho apelativo, que significa literalmente "el magnánimo" y alude a sus dotes de "profeta" y de "santo" que las masas le reconocían, lo glorifica y lo señala para la posteridad. Los períodos sucesivos de la vida de Gandhi muestran una ininterrumpida serie de episodios durante los cuales continuó su actividad política, con pausas más o menos largas pasadas en duras prisiones. De 1930 es una vigorosa llamada directa al pueblo, redactada por entero por Gandhi y sancionada por el Congreso; llamada en la que se siente vibrar toda la pasión y todo el amor de Gandhi por su tierra madre y su anhelo por liberarla de la dominación extranjera. De aquel mismo año es su valerosa actuación contra las leyes del monopolio de la sal y su memorable marcha de tres semanas, osada y simbólica al mismo tiempo, realizada en medio del entusiasmo irrefrenable de las muchedumbres a lo largo del recorrido que separa la ciudad de Ahmedabad de la pequeña localidad costera de Dandi.A finales de 1931 participa en Londres en la segunda conferencia de la Mesa Redonda. Pero la conferencia marcó un fracaso para la causa india. Vuelto a su patria, Gandhi vivió durante algunos años apartado de la política oficial; pero dedicado a su apasionada atención a los problemas sociales, especialmente al concerniente a los "intocables". Reapareció en la escena política en 1940, durante la segunda Guerra Mundial, y con indómita constancia, continuó luchando -siempre inerme- por aquellos ideales de cuya fe nunca se apartó; y así mantuvo una esperanza inquebrantable hasta el día de su sacrificio.Gandhi ha sido jefe y maestro de su pueblo y lo ha guiado a la consecución de la meta que había soñado ardientemente. Gandhi vio la India independiente, aunque no se haya verificado su deseo de fundir hindúes y musulmanes en unitaria convivencia. Y, ciertamente, ello constituyó una espina, a la que se añadieron las amargas desilusiones y dolores por las violencias y los estragos que acompañaron al nacimiento de la Unión India y del Pakistán.Extraordinaria figura de asceta indio, Gandhi no pasó su existencia en el tradicional eremitorio solitario, sino que fue impulsado por su infinito amor a su tierra madre y a sus hermanos a vivir -excepto algunos breves paréntesis- en medio del mundo y a practicar sus virtudes ascéticas, aun permaneciendo en contacto con gobernantes y métodos políticos del pleno siglo XX. El amor ("ahimsa") fue su arma política, y se nos aparece totalmente dominado por aquel sentimiento de bondad y de afectuosa dulzura que es la nota dominante del Visnuísmo.Sus repetidos y dolorosos ayunos (realizó dieciséis, el último de ellos pocos días antes de su fin en un intento de conseguir la paz religiosa de toda la India) eran la prueba de una completa entrega a su causa y consiguieron la devoción de las masas; su palabra apasionada las entusiasmaba, sus plegarias y sus invocaciones al dios Raro, recitadas en público, conmovían y arrebataban al auditorio. Actuó políticamente siguiendo medios que estaban en neto contraste con la práctica dominante, consideró despreciable el principio según el cual el fin justifica los medios, principio que muchos siglos antes, un maestro indio de política, Kautilya, había exaltado y puesto en práctica con un realismo sin escrúpulos.Pero el método, diríamos evangélico, predicado y realizado por Gandhi consiguió el deseado triunfo. El desconsolado anuncio hecho a las gentes de que el padre ("bap") había muerto, el dolor del pueblo impresionado por la noticia del trágico fin, la consagración de sus cenizas, sumergidas religiosamente en numerosos ríos sagrados del inmenso país, revelaron al mundo que la India había perdido a su más grande santo de la Edad Moderna.
Charles Chaplin
(Londres, 1889-Corsier-sur-Vevey, Suiza, 1977) Director, actor y productor de cine de origen británico, creador del mítico personaje de Charlot. Hijo de un humilde matrimonio de artistas de variedades, su padre falleció siendo él muy pequeño y su madre sufría trastornos mentales, por lo que pasó parte de su infancia y su adolescencia en la calle o acogido en distintos orfanatos. Debutó en escena a los ocho años de edad y continuó actuando en distintas compañías ambulantes hasta que logró destacar en una de las más célebres de Londres. A los veintiún años se trasladó a Estados Unidos, donde se dedicó al medio cinematográfico. En el filme Carreras de autos para niños, del año 1914, aparece por primera vez el personaje de Charlot: un vagabundo que viste pantalones de anchas perneras, calza unos zapatos desmesurados, se toca con un bombín, lleva un bastón de bambú y luce un característico bigote. En 1915, contratado por Essanay, realizó varias películas, entre las que destaca El vagabundo, en las cuales quedó definitivamente fijado el peculiar universo de Charlot. De la Essanay pasó a la Mutual, en 1916; en aquel momento era ya el actor de cine mejor pagado de la época. Al mismo tiempo comenzó a asumir responsabilidades de dirección. En 1918 fue contratado por un millón de dólares por la First National para realizar ocho películas en un lapso de cinco años; se consagró entonces como genio de la pantalla con filmes como Vida de perro, Armas al hombro y El chico. En 1919 fundó junto con Mary Pickford, Douglas Fairbanks y D.W.Griffith la United Artists Corporation, que duraría hasta el año 1952. Sin embargo, hasta el final de su contrato con la National no pudo empezar a trabajar en su propia productora. En 1921 realizó un viaje por todo el mundo. Su fama ya era universal y fue acogido triunfalmente en todas partes.Una vez pudo disponer de absoluta libertad para escribir, dirigir y producir sus propios proyectos, el carácter humorístico y sentimental de sus películas derivó hacia la tragedia y la sátira, siempre manteniendo un estilo interpretativo inimitable, cimentado en el arte del mimo y del payaso circense. La llegada del cine sonoro a finales de los años veinte no perjudicó la efectividad de su pantomima: sus filmes encontraban permanentemente nuevas audencias. Engrosaron su filmografía Una mujer de París, La quimera del oro, El circo, Luces de la ciudad y Tiempos modernos, donde se agudiza su crítica social.Todas ellas fueron sendos éxitos de taquilla.Siguieron luego las dos últimas películas que rodó en Estados Unidos: su primera cinta sonora, El gran dictador, en la que Charlot es la contrafigura de Hitler, y Monsieur Verdoux, donde aparece por última vez el personaje de Charlot.La mordacidad con que Chaplin criticaba problemas sociales y satirizaba muchos de los aspectos de la vida estadounidense creó mucha polémica. Acusado de comunista en el ambiente enrarecido de la llamada caza de brujas, y perseguido por el escándalo que originó el último de sus cuatro matrimonios, con Oona O’Neill, la hija del famoso dramaturgo, que contaba sólo dieciocho años, terminó por abandonar Estados Unidos.Viajó a Europa y se instaló en Vevey (Suiza). Aún produjo tres filmes más, en Londres: Candilejas, La condesa de Hong Kong y Un rey en Nueva York. Fruto de su matrimonio con Oona nació Geraldine Chaplin, que seguiría los pasos de su padre como actriz de cine. En 1972 regresó a Estados Unidos a recoger el Oscar que le había concedido la Academia de Hollywood por el conjunto de su obra. A lo largo de una trayectoria de 79 películas, combinó de manera prodigiosa lo humorístico, lo dramático y lo satírico. La genial creación del personaje de Charlot, cómico y patético al mismo tiempo, se ha convertido en un mito del siglo XX. La mordacidad con que Chaplin criticaba problemas sociales y satirizaba muchos de los aspectos de la vida estadounidense creó mucha polémica. Acusado de comunista en el ambiente enrarecido de la llamada caza de brujas, y perseguido por el escándalo que originó el último de sus cuatro matrimonios, con Oona O’Neill, la hija del famoso dramaturgo, que contaba sólo dieciocho años, terminó por abandonar Estados Unidos.Viajó a Europa y se instaló en Vevey (Suiza). Aún produjo tres filmes más, en Londres: Candilejas, La condesa de Hong Kong y Un rey en Nueva York. Fruto de su matrimonio con Oona nació Geraldine Chaplin, que seguiría los pasos de su padre como actriz de cine. En 1972 regresó a Estados Unidos a recoger el Oscar que le había concedido la Academia de Hollywood por el conjunto de su obra. A lo largo de una trayectoria de 79 películas, combinó de manera prodigiosa lo humorístico, lo dramático y lo satírico. La genial creación del personaje de Charlot, cómico y patético al mismo tiempo, se ha convertido en un mito del siglo XX.
Alberto Closas
(Barcelona, 1921 - Madrid, 1994) Actor español. Atraído desde muy joven por el mundo de la escena, tras iniciarse la Guerra Civil Española marchó a Sudamérica, en donde, después de breves estancias en varios países, acabó fijando su residencia en Buenos Aires, ciudad en la que emprendió su trabajo como actor en el seno de la compañía de Margarita Xirgu, después de estudiar Arte Dramático. Los pequeños papeles fueron dando paso a otros más largos que consolidaron su trayectoria hasta llegar a primer actor. Este bagaje le animó a formar su propia compañía, con la que recorrió diversos países del continente.Los directores de cine argentino de los primeros años cuarenta se fijaron muy pronto en él y le fueron confiando papeles de diversa envergadura. Closas se adaptó rápidamente al nuevo medio y confirmó su buen hacer en una serie de melodramas dirigidos, entre otros, por Mario Soficci (La pródiga, 1945; La gata, 1947; Tierra de fuego, 1948). En La pródiga debutó como protagonista junto a Eva Duarte, y el hecho de que ésta se convirtiera, meses más tarde, en Eva Perón, determinó el secuestro de la película, que nunca fue estrenada, y un fulgurante futuro inmediato para el actor que, en compensación, contó con el apoyo del gobierno peronista y protagonizó varios filmes de éxito.En 1949 los escritores cinematográficos argentinos reconocieron su trabajo concediéndole el premio al Mejor Actor por su papel en Danza de fuego (1949), de Daniel Tinayre. Durante unos años continuó trabajando a las órdenes de Carlos Schliepper (La honra de los hombres, 1944; Mi mujer está loca, 1952) o Tulio Demicheli (Vivir un instante, 1951; Charlestón, 1959).Ya famoso, en 1954 las autoridades franquistas permitieron su regreso a España e ingresó en el cine español por la puerta grande, con Muerte de un ciclista (1955), de Juan Antonio Bardem, una película comprometida y polémica por su tema (el adulterio), en donde el actor interpretó a un profesor universitario sumido en un mar de dudas sociales y morales. Si bien este papel marcó un instante prometedor en su trayectoria artística, el cine español sólo le pudo ofrecer personajes que se desenvolvieron en la línea de la comedia popular, que dominó su producción a partir de esa fecha.No obstante, los sesenta estarían marcados por La gran familia (1962), de Fernando Palacios, una película que pretendió ser espejo de una realidad social a través del retrato de una familia numerosa, en que Closas interpretó al cabeza de familia. La película marcó un hito en la época y la participación de Amparo Soler Leal (la madre), José Isbert (el abuelo) y José Luis López Vázquez (el tío) confirmó la voluntad de entretenimiento para toda la familia. El éxito llevó a la realización de una nueva entrega del mismo director, Fernando Palacios, y guionista, Pedro Masó, con el título La familia y uno más (1965).El teatro ocupó buena parte de su tiempo profesional y empresarial (en Buenos Aires gestionó el teatro Avenida) y le mantuvo en activo hasta los últimos días de su vida; también participó en diversas series de televisión.
Clint Eastwood
San Francisco, 1930) Actor y director de cine estadounidense. Tras acabar los estudios primarios, en plena época de la Gran Depresión, tuvo que ganarse la vida en diversos trabajos: fue leñador, albañil y obrero metalúrgico. Después de pasar cuatro años en el ejército, a partir de 1954 trató de hacerse un lugar en Hollywood como actor secundario. Debutó en la Universal, en títulos relacionados con la serie La mula Francis; su primera actuación fue en Francis Joins de Wacs (1954), de Arthur Lubin, a la que siguieron algunos trabajos para la televisión.Pero fue en Italia donde hizo fama y fortuna con el personaje del "Hombre sin nombre", el héroe de los geniales westerns de Sergio Leone: Por un puñado de dólares (1964), La muerte tenía un precio (1965), y El bueno, el feo y el malo (1966), consideradas obras canónicas del spaghetti western (producciones de bajo presupuesto basadas en el western americano realizadas en Europa, especialmente en Italia).De las tres, El bueno, el feo y el malo es el spaghetti western por excelencia, a caballo entre la contundente efectividad expositiva de las anteriores y la grandilocuencia bien entendida de la posterior Hasta que llegó su hora (1968).A lo largo de los años setenta, Eastwood trabajó para otras productoras con las que obtuvo importantes éxitos, como La leyenda de la ciudad sin nombre (1969), con dirección de Joshua Logan, un western atípico rodado en clave musical que no obstante logró conectar mayoritariamente con el público. Eastwood dio muestras de poseer un especial olfato cinematográfico no sólo para intervenir en filmes que le proporcionaban dinero y fama, sino también para descubrir valores jóvenes a los que ofreció la oportunidad de intervenir en un cine con importante proyección comercial; es el caso Michael Cimino, con quien trabajó en Un botín de 500.000 dólares (1974).Como director, Clint Eastwood se ganó poco a poco el respeto de la crítica por su clásico enfoque de la realización y por su capacidad para manejar la acción con fluidez, sin restar por ello profundidad psicológica a los personajes ni fuerza dramática y humana a los conflictos planteados. En ocasiones sumó a su labor de director la de intérprete de sus propios filmes, sin que una actividad ahogase a la otra.Después de varias décadas de profesionalidad, Clint Eastwood es considerado un maestro de la dirección, e incluso se aprecia que su trabajo interpretativo ha mejorado con los años. Artísticamente ambicioso, su estilo aspira siempre a la perfección, tanto interpretativa como de dirección, búsqueda que no ha estado reñida con el éxito de taquilla. Entre sus últimas películas sobresalen la citada Un mundo perfecto (1993), Medianoche en el jardín del bien y del mal (1997), Ejecución inminente (1999) y Space Cowboys (2000).En 2006, el actor y cineasta dirigió Banderas de nuestros padres y Cartas desde Iwo Jima, dos filmes que remiten a un mismo momento de la historia (la batalla de Iwo Jima, al final de la Segunda Guerra Mundial), pero visto en el primer caso desde la perspectiva estadounidense y en el segundo desde la japonesa. Con 76 años, Eastwood daba un nuevo giro de tuerca a su larga carrera con una profunda meditación sobre la esencia del heroísmo, analizado desde una postura de absoluta independencia.
Audrey Hepburn, bautizada con el nombre de Edda Kathleen Van Heemstra Hepburn-Ruston, nació el 4 de mayo de 1929 en Bruselas. Se crió en una familia aristocrática holandesa. Durante los diez primeros años de vida vivió en Holanda, más tarde al separarse sus padres, se fue a vivir a Londres.Por entonces se inició en la danza y el arte dramático en la escuela Marie Rambert. Los años siguientes resultaron momentos difíciles para la actriz, ya que la segunda guerra mundial le hice perder a dos de sus hermanos y a un tío y un primo que fueron fusilados.Más tarde, intervino tímidamente en algunas películas y trabajó como corista en los teatros. Fue William Wyler, quien le propuso por primera vez protagonizar una comedia, Vacaciones en Roma. A partir de este momento, su carrera como actriz no hizo más que subir, de hecho, ya obtuvo un Oscar a la mejor actriz. La segunda película que protagonizó junto con Gregory Peck, fue La princesa que quería vivir, de 1953.Le siguen las inolvidables películas como Desayuno con Diamantes, Sola en la oscuridad, Historia de una monja o Sabrina, de estas cuatro obtuvo un Oscar a la mejor actriz con Historia de una monja y, más tarde fue premiada por Charada.En 1954 se casa con el actor Mel Ferrer, matrimonio que convive 10 años y del que nace su hijo Sean. Poco después, en 1969, se casa por segunda vez con Andrea Dotti, de esta unión nace su hijo Luca Andrea. A los siete años el matrimonio se divorcia. La actriz decide apartarse del cine para dedicar su tiempo a sus hijos, pero no deja definitivamente su entrono profesional.Conoce a Bob Wolders, su tercer marido con el compartirá el resto de su vida. Retoma su carrera y filma Lazos de Sanfgre en 1979. Audrey Hepburn dedicó su tiempo a la ayuda humanitaria, por ello fue nombrada embajadora de UNICEF. Su solidaridad llegó hasta El Salvador, Guatemala, Honduras y otros países donde la pobreza está instaurada. Finalmente tubo que abandonar su labor humanitaria debido a un cáncer que puso fin a su vida un 24 de enero de 1993.
Paul Newman
El actor estadounidense es de los más reconocidos en la historia del cine. Nació en 1925, un 26 de enero en Cleveland en el seno de una familia judía-alemana. Al cumplir 19 años se alistó en la marina en la que sirvió durante la Segunda Guerra Mundial. En 1945, tras acabar con el servicio militar, inició sus estudios en Ciencias Económicas, y un poco más tarde despertó su interés por la interpretación en el teatro de Woodstock Player's. Más tarde, estudió interpretación en la Universidad de Yale y se estrenó en Broadway con la obra Picnic.Su debut cinematográfico fue bajo el título El Cáliz de plata, pero Marcando el odio, fue la película que le dio a conocer sus dotes interpretativas. El actor posee una belleza que le llevó a ser la figura de un sex-symbol, hecho que no encajaba con su personalidad y le costaba sobrellevar. Paul Newman, se casa en dos ocasiones y tras conocer a Joanne Woodward, se divorcia su primera esposa. De este segundo matrimonio nacen tres hijos; Scott, Susan y Stephanie.Posee una extensa filmografía que abarca desde 1956 hasta el 2006, y ha conseguido en ocho ocasiones el Oscar. El color del dinero, de 1986, ha sido el film que le ha otorgado el Oscar al mejor actor. Además de ser actor, también ha desarrollado su carrera como director, papel bajo el cual ha realizado cinco películas: El zoo de cristal (1987), Harry e hijo (1984), El efecto de los rayos gamma sobre las margaritas (1972), Casta invencible (1971) y Raquel, Raquel (1968).El actor creó Newman’s Own que distribuye productos alimenticios; las ganancias obtenidas se destinan a la caridad. Cabe destacar, su demostrada conciencia social y política, de hecho fundó en memoria de su hijo Scott, una asociación que ayuda y protege a los adictos a las drogas, además de participar con la Alianza del Medio Ambiente. También representó en la ONU el desarme de la guerra en 1978.
Angelina Jolie (n. Los Ángeles, California, Estados Unidos; 4 de junio de 1975), es una actriz estadounidense de cine y televisión, modelo y embajadora de buena voluntad de ACNUR. A lo largo de su carrera, Jolie ha recibido múltiples reconocimientos por sus logros actorales, entre ellos un premio Óscar y tres Globos de Oro.Aunque comenzó actuando en 1982 junto con su padre John Voight, se le atribuye como debut oficial su papel en la película Cyborg 2 de 1993. La primera interpretación principal que hizo fue en la película Hackers de 1995. En 1997 actuó en la polémica película George Wallace. Interpretó a un personaje principal en el filme para televisión Gia de 1999. Su reconocimiento mundial comenzó a desarrollarse después de que ganara un premio Óscar, por ser la mejor actriz de reparto, en 2000 gracias a la película Inocencia interrumpida.Interpretó el personaje del videojuego Tomb Raider, llamado “Lara Croft”, en la película homónima; gracias al éxito taquillero del filme, desde entonces es considerada como una de las actrices mejores pagadas en Hollywood. Actuó como “Jane Smith”, en la película de acción y comedia Sr. y Sra. Smith, junto a Brad Pitt. Su mayor éxito comercial fue Kung Fu Panda, que a su vez fue producida por la empresa Dreamworks y dirigida por el cineasta Mark Osbourne.
Barbra Streisand nació en el año 1942, en Brooklyn, Nueva York. A partir de los 15 años, Barbra comienza a tomar parte en varias producciones independientes de Broadway y comienza asistir a clases de actuación en Manhattan.Desde pequeña, al preguntarle que sería cuando sea adulta, Barbra respondía que sería actriz, pero sin embargo generó un éxito arrollador como cantante, en clubes nocturnos neoyorkinos.En 1962, Streisand firma su primer contrato con Columbia Records y presenta su primer álbum, “The Barbra Streisand Álbum”, el cual gana dos premios Grammy al año siguiente.Y también en este año, debuta en Broadway en el musical “I Cant Get For You Wholesale”, interpretando a la secretaria Miss Malmerstein.Este primer trabajo generó una revolución entre sus nuevos fanáticos increíble, y sus siguientes dos discos, repetirían el mismo éxito de ventas, llegando en un momento a tener tres álbumes en las listas de los diez más vendidos de Billboard.En 1963, se casa con Elliot Gould, con quien permaneció en matrimonio hasta 1973 y tuvo su único hijo, Jason Gould.Es en 1968, que Barbra da sus primeros pasos en la pantalla grande, nuevamente generando sólo éxitos.Su primera película fue un “Revival”, por la que ganó el Oscar a la “Mejor Actriz”, seguida de los films “Hello Dolly” en 1969, y “On A Clear Day You Can See Forever” en 1970.Luego de dos años, funda su productora llamada Barwood Films, la cual produce varias de sus películas entre ellas “Up The Sandbox”, “A Star Is Born”, “The Main Event” y “Nuts”, entre otras.En 1983, llega a la pantalla “Yenti”, film producido, dirigido, escrito y protagonizado por ella misma.Este film fue alabado por muchas personas y evaluado por Spielberg, quien lo calificó como una "obra maestra".Años después, se produjo una gran controversia cuando “El Príncipe de las Mareas”, otro de sus famosos films, dirigido también por ella, fue nominada para varios Oscar, incluido el de "Mejor Película".En sus años de trayectoria, Barbra ha logrado dos Oscar, cinco Emmys y diez Globos de oro así como tantos otros diversos premios.En el año 1996, Streisand obtuvo una segunda nominación al Oscar, esta vez junto a Bryan Adams, como compositora por la canción "I Finally Found Someone" de su película "The Mirror Has Two Faces".Con lo que respecta a su vida discográfica, dejando de lado la de directora y actriz, Barbra ha grabado más de sesenta álbumes, la gran mayoría de Columbia Records.A parte de sus primeros trabajos, ha hecho discos pertenecientes a bandas sonoras de películas.Barbra Streisand se ha convertido en coleccionista de sus propios discos, es dueña de más de cincuenta discos de oro, treinta de platino y trece multi-platino, convirtiéndose en un ícono representante de una voz poderosa, de amplio registro y timbre muy personal.En el 2001, Barbra recibió el premio del Instituto Americano del Cine por su trabajo como directora, actriz, guionista, productora y compositora, acompañado de la Medalla Nacional de las Artes conferida por el gobierno de los Estados Unidos, y el gobierno de Francia la ha condecorado con la Orden de las Artes y las Letras.En el 2004, Streisand reaparece en la comedia “Meet the Fockers”, con Dustin Hoffman, Ben Stiller y Robert De Niro entre otros, la cual ha tenido un gran éxito comercial y ha dado a la actriz positivas críticas.A pesar de su relativa inactividad, sigue sosteniendo el titulo de la artista femenina que más ha vendido en la historia, con un álbum Nº 1 en las últimas cuatro décadas.
Diana Frances Spencer.Princesa de Gales (1981-1996)
Nació el 1 de julio de 1961 en Sandringham, Norfolk (Gran Bretaña). Hija de Edward John Spencer, octavo conde Spencer, y Frances Ruth Burke, hija del cuarto barón de Fermoy. Sus padres se divorciaron cuando ella sólo tenía 8 años. Cursó estudios en Riddlesworth Hall (Norfolk) y en la escuela West Heath de Kent y los completó en Suiza, trabajando como maestra de un jardín de infancia. En 1979, con tan sólo 18 años, comenzó a salir con el príncipe Carlos, ex novio de una de sus dos hermanas. El nuevo contacto con la familia real británica (durante su infancia ya solía jugar con los hijos menores de la reina Isabel II, Eduardo y Andrés) llevó a que el 24 de febrero de 1981 se anunciara el enlace matrimonial. El 29 de julio de 1981 se unieron en la catedral de San Pablo (Londres). Tuvieron dos niños, el príncipe Guillermo (1982) y el príncipe Enrique (1984). Fue muy querida por el pueblo y apareció constantemente en los medios de comunicación de casi todo el mundo. Desde finales de la década de 1980, comenzaron los rumores sobre una posible crisis matrimonial. En diciembre de 1992 se anunció la separación. A principios de 1996 accedió a la petición de divorcio presentada en diciembre de 1995 por el príncipe Carlos y ambos lo obtuvieron definitivamente el 28 de agosto de 1996. Diana perdió el tratamiento de alteza real a cambio del equivalente a 180 millones de €. El 30 de agosto de 1997, cuando viajaba junto a su nuevo compañero sentimental Dodi Al Fayed, sufrieron un terrible accidente que arrebató a ambos la vida. El cuerpo de la princesa fue enterrado en una isla en medio de un lago artificial denominado el lago Oval, situado en una zona de los terrenos de Althorp conocida como "el jardín de los placeres". El lugar fue elegido por su hermano, el conde Charles Spencer, porque según dijo puede "ser cuidado sin problemas por la familia y permite que sea visitado en privado por los hijos de Diana siempre que lo deseen.
Princesa Gracia de Mónaco
Nació el 12 de noviembre de 1929 en Filadelfia en el seno de una familia acomodada, su padre era un millonario dedicado al mundo de la construcción. Fue la tercera de tres hermanas, se crió en un ambiente conservador y recibió una educación estricta y católica en el colegio religioso de Ravenhill. Será precisamente allí donde debute como actriz a los seis años de edad interpretando a la Virgen María en una función infantil. Asistió a la Academia Americana de Arte Dramático, en Nueva York. Se trasladó a Nueva York donde trabajó en la publicidad anunciando diversos productos, desde sombreros y aspiradores hasta cigarrillos y cervezas. En 1949 debutó en el teatro con "Las herederas" de Henry James; durante los años posteriores participó en varios programas televisivos hasta que H. Hathaway le ofreció un papel en la película Fourteen hours (1951) a la que siguió su papel estelar junto a Gary Cooper en el western Solo ante el peligro (1952, Fred Zinneman). En 1953 fue nominada al Oscar como mejor actriz secundaria por Mogambo pero no lo consiguió hasta el año siguiente en la categoría de mejor actriz por La angustia de vivir (1953, George Seaton) año en el que también protagonizó La ventana indiscreta y Crimen perfecto ambas dirigidas por Alfred Hitchcock. Alta sociedad de Charles Walters, versión musical de Historias de Filadelfia (1940) de George Cukor, y El cisne, dirigida por Charles Vidor se estrenaron en 1956. Se retiró del cine para contraer matrimonio con el príncipe Rainiero de Mónaco. El 13 de septiembre de 1982 perdió la vida en un accidente de automóvil cerca de Montecarlo. Filmografía: 1956 High Society. 1956 The Swan. 1955 To Catch a Thief.1954 Rear Window. 1954 Green Fire.1954 Dial M for Murder.1954 The Country Girl.1954 The Bridges at Toko-Ri .1953 Mogambo.1952 High Noon.1951 Fourteen Hours.
Clark Gable
(Cadiz, EE UU, 1901-Hollywood, id., 1960) Actor cinematográfico estadounidense. Tras ejercer los más variopintos oficios, probó suerte como actor de teatro. A partir de 1924 empezó a actuar en películas mudas, y, tras su exitoso paso al cine sonoro, fue contratado por la Metro-Goldwyn-Mayer, productora en la que permaneció hasta 1954. Durante esos años fue uno de los actores más populares de Hollywood, en especial debido a su papel en Sucedió una noche (1934), que le valió un Oscar, y a su interpretación en Lo que el viento se llevó (1939), en la cual encarnó al inolvidable Rhett Butler. Consagrado como héroe romántico por excelencia, tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial se alistó en el ejército y combatió en Europa. A su regreso a Hollywood, su estrella empezó a declinar, aunque participó en varias películas de éxito, tales como Hagan juego (1949), Mogambo (1953), Los implacables (1955) y La esclava libre (1956). Su carrera terminó con una sublime interpretación en Vidas rebeldes (1961), junto a Marilyn Monroe y Montgomery Cliff. Los hermanos Tonetti fueron José Villa del Río y Manolo Villa del Río fueron los hermanos Tonetti, y Nolo payasos españoles y empresarios circense José Villa del Río el mayor de los hermanos Tonetti. Antes en 1983 había muerto Manolo que se suicidó tras sufrir una profunda depresión por el cierre del circo Atlas, donde ambos hermanos vivieron sus mejores momentos.Su afición por el circo comenzó cuando era pequeño. Hacer de payaso fue para José Villa su primer juego, y como un juego de niños se tiznaba la cara y contaba historias a sus amigos de la calle Zapatero, en la santanderina Cuesta de la Atalaya, uno de estos amigos "Bore", en un principio, luego llegó a formar parte del grupo de los Los hermanos Tonetti.Los hermanos Tonetti fueron dos de los payasos españoles más importantes del siglo XX. En la década de los cincuenta estaban considerados los mejores junto con Charlie Rivel, aquel payaso francés que aullaba a la luna con su traje rojo que le llegaba a los tobillos (que luego imitarían los Aragón. La llegada de su circo a las ciudades estaba considerado como un acontecimiento y se anunciaba a bombo y platillo. La gente hacía interminables colas para lograr una entrada a su espectáculo. En los Hermanos Tonetti había un payaso listo, el carablanca, y uno tonto. El listo era el de la cara pintada de blanco en la que destacaba una gran ceja negra a modo de interrogación que le daba un aire despierto. Iba vestido todo de blanco con brillos de lentejuelas en la torerilla y zapatos con tacones. El gorro acababa en punta, como para acreditar su tino e inteligencia. Por el contrario, el tonto iba vestido con ropas anchas de colores estridentes y tocado con sombrero chato. Sus grandes zapatos le hacían tropezar a cada paso. El listo no usaba nariz postiza, sino la suya natural, en cambio el tonto, llevaba una gran nariz redonda y roja, y los labios gordos e igualmente pintados. O sea que, por su aspecto, el tonto era muy tonto y el listo, listísimo. Pero como ocurre con la vida misma, al cabo de unos minutos la chiquillada podía comprobar que el listo resultaba ser tonto y el tonto, mucho más pillo que el listo. El tonto era José, el listo Manolo.A José, su labor de payaso se ha visto recompensada en numerosas ocasiones. Recibió la Insignia del Club de Payasos, el Premio Nacional del Circo (1972), el Premio Molino de Oro (1977), la Cruz de Beneficencia (1974), la Medalla de Cantabria (1985) y la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes concedida en 1993 en Consejo de Ministros. En 1996 recibirá el máximo galardón que concede el Ayuntamiento de Torrelavega: la Medalla de Oro de la ciudad. El 19 de noviembre de 1998 recibió, por segunda vez, el Premio Nacional del Circo, que concede el Ministerio de Educación y Cultura.José Villa, que en su retiro madrileño de la localidad de Algete se dedicó a escribir versos y a la pintura, era padre de una hija, María del Mar. Su hijo Víctor falleció en 1984 a causa de un accidente de motocicleta. Vivía rodeado de todos sus recuerdos del circo, con su rulot aún aparcada delante de su casa como si, en cualquier momento, todo estuviera a punto para actuar esa misma tarde.Desde 1997 actuó como Consejero del Consejo del Circo para el Ministerio de Educación y Cultura. En el 2002, pocos minutos antes de entregar los premios que llevan su nombre y que concede cada año la Asociación Amigos de Tonetti, sufrió un infarto cerebral en el Hospital de Basurto (Vizcaya). Desde entonces ya nada sería lo mismo. José Villa del Río, el mayor de los hermanos Tonetti, murió el 20 de febrero de 2004 a los 83 años. Con él moría el Rey. El Rey de los payasos. Pablo Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881, hijo de María Picasso López y del profesor de arte José Ruiz Blasco. Hasta 1898 Pablo Ruiz Picasso siempre utilizó los apellidos paterno y materno para firmar sus obras, pero alrededor de 1901 abandonó el primero para utilizar desde entonces sólo el apellido de la madre. El genio de Pablo Picasso se pone ya de manifiesto desde fechas muy tempranas: a la edad de 10 años Picasso hizo sus primeras pinturas y a los 15 aprobó con brillantez los exámenes de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, con su gran lienzo Ciencia y caridad (1897, Museo Pablo Picasso, Barcelona), que representa, dentro aún de la corriente academicista, a un médico, una monja y un niño junto a la cama de una mujer enferma; ganó una medalla de oro.Durante la I Guerra Mundial Pablo Picasso viajó a Roma para realizar los decorados de los ballets rusos de Sergei Diáguilev.Pablo Picasso conoció allí a la bailarina Olga Koklova, con la que se casó poco después. Dentro de un estilo realista figurativo, en torno a 1917 Pablo Picasso la retrató en varias ocasiones, al igual que a su único hijo legítimo, Pablo (por ejemplo, en Pablo vestido de Arlequín, 1924, Museo Pablo Picasso, París) y a sus numerosos amigos. A comienzos de la década de 1920 Pablo Picasso pintó una serie de cuadros con figuras robustas, pesadas, escultóricas, dentro del que se ha denominado estilo ingresco, como por ejemplo Tres mujeres en la fuente (1921, Museo de Arte Moderno) y obras inspiradas en la mitología, como Las flautas de pan (1923, Museo Pablo Picasso, París).Pablo Picasso al mismo tiempo creó también extraños cuadros de bañistas inflados e informes, con cabezas muy pequeñas y grandes cuerpos, así como retratos de mujeres en actitudes violentas, convulsas, indicando a menudo con ellas sus propias tensiones vitales. Aunque Pablo Picasso siempre declaró que no era surrealista , en muchos de sus cuadros se pueden apreciar cualidades y características propias de este movimiento artistico , como en Mujer durmiendo en un sillón (1927, Colección Privada, Bruselas) y Bañista sentada (1930, Museo de Arte Moderno). Alfonso Aragón Bermúdez o Fofó fue un payaso español (Madrid, 1927 - Madrid, 22 de junio de 1976).Nacido en el Puente de Vallecas de una familia de tradición circense. Era hijo de Emilio Aragón Foureaux, conocido como Emig y sobrino de Pompoff y Thedy. Muy joven se unió a sus hermanos Gabriel y Emilio para formar el trío Gaby, Fofó y Miliki. Comenzaron a trabajar durante los años treinta y se mantuvieron varias temporadas en el Circo Price de Madrid.En 1946, a la muerte de su padre, los tres hermanos abandonan España y tras una estancia en México, recalan en Cuba, país en el que nacería el hijo de Fofó, Fofito y donde debutan en un nuevo medio, la televisión. En los siguientes años, su espectáculo televisivo alcanza enorme éxito, y trabajan en distintos países de Latinoamérica: Puerto Rico, Estados Unidos, Venezuela, Argentina...En 1972 regresan a España y en 1973 ponen en marcha el programa que lanzaría a la fama a los tres hermanos: El Gran Circo de TVE. Se hicieron cromos, juguetes, llaveros y hasta tebeos con los hermanos Aragón. En pleno éxito, el 22 de junio de 1976, falleció Alfonso Aragón. Su desaparición supuso una auténtica conmoción en el país, por lo querido del personaje y lo inesperado de la noticia. En Madrid se bautizó una calle con su nombre y se levantó una estatua en su memoria en el Parque de Atracciones. En Murcia tambíen se construyo un parque en su honor dandole su nombre.En 1999 se reeditaron sus canciones en el disco Homenaje a Fofó: Había una vez, que tuvo su continuación el año siguiente con A todos los niños del mundo. Joaquín Prat, fue uno de los presentadores más importantes de la radio y la televisión en España. Nació en Valencia el 27 abril de 1929 y falleció después de dos meses en coma por un infarto de miocardio, en Madrid, el 3 de junio de 1995.Inició estudios de Derecho, que abandonó, para trabajar como administrativo. En 1959 ingresó en Radio Nacional de España. A lo largo de los años trabajó en más de 20 programas de radio, tanto en la Cadena SER (hasta 1987), con espacios emblemáticos como Mañanas de Radio Madrid, Ustedes son formidables, Radio Madrid madrugada y Carrusel Deportivo, como en la COPE (1987-1990) con Vivir es formidable y Tiempo de juego o de nuevo en Radio Nacional de España desde 1990 con Apúntate 5 y La peña.En Televisión hizo su début con el famosísimo concurso Un millón para el mejor (1968), en el que permanecería un año hasta ser sustituido por José Luis Pécker. Un año después llegaría su emparejamiento profesional con Laura Valenzuela en el espacio musical Galas del sábado (1969-1970), de Fernando García de la Vega, que alcanzó una popularidad enorme en su época. Volvería a coincidir con la actriz y presentadora en Canción 71, un programa de corte similar.Entre 1988 y 1993 presentó El precio justo, concurso en el que hizo famosa la exclamación ¡A jugar!, que acompañaba con un inolvidable movimiento de brazo.Otros programas que presentó fueron:Siempre en domingo (1971), con Manuel Martín Ferrand. Cambie su suerte (1974), con José Luis Pécker. Destino Argentina (1978), concurso sobre el Mundial de Fútbol. Cosas (1980-1981), con Mónica Randall y Marisa Abad. Otras cosas (1981-1982), con Lola Martínez y Mari Ángeles Morales, Elena Escobar e Isabel Bauzá. Noches de gala (1993-1994), con Miriam Díaz Aroca. Cuenta en su haber de galardones con dos Premios Ondas: En 1970 (Nacionales de Televisión), como Mejor presentador y en 1989 (Nacionales de Radio) por Vivir es formidable. Se le concedieron también tres TP de Oro: Como Mejor Presentador, en 1980 por Cosas y en 1988 por El precio justo, y otro honorífico en 1991 a su trayectoria profesional.
Ava Gardner nació en 1922 en la pequeña comunidad rural de Brogden, en el estado de Carolina del Norte. Creció en el ambiente rústico del campo, en el seno de una familia muy pobre de cultivadores de tabaco y algodón, junto con sus seis hermanos, de los cuales ella era la menor. Su madre, Molly, era una mujer bautista de orígenes irlando-escoceses e ingleses y su padre, Jonas Bailey Gardner, era un hombre católico de ascendencia irlando-americana e indoamericana (Tuscarora). Cuando los hermanos aún eran pequeños, la familia Gardner perdió la propiedad que tenía en Brogden y Jonas Gardner se vio obligado a trabajar como aserradero y su madre, Molly, como cocinera y ama de llaves en el colegio mayor de Brogden.Al cumplir Ava 13 años, toda la familia se trasladó a Newport News, en el estado de Virginia, esperando mejorar su suerte. Pero, en poco tiempo, ante las dificultades de encontrar empleo, tuvieron que volver a mudarse a Rock Ridge, un suburbio de Wilson (Carolina del Norte). El año 1935 su padre, Jonas Gardner, murió de bronquitis y Ava y algunos de sus hermanos decidieron acudir a la escuela de Rock Ridge con el fin de graduarse. De esta forma, Ava pudo ir posteriormente a clases de secretariado en el Atlantic City Christian College.Con 18 años, Ava se había convertido en una bella joven de ojos verdes y una preciosa melena de color castaño. Así, el año 1941, mientras estaba visitando a su hermana Beatriz en Nueva York, el marido de ésta, que era fotógrafo, le pidió si le podía hacer algunas fotos y, satisfecho con el resultado, decidió colgarlas en el escaparate de su Estudio Fotográfico de la Quinta Avenida.Dio la casualidad de que, mientras sus fotografías estaban expuestas en el establecimiento de su cuñado, Barnard "Barney" Duhan, un cazatalentos de los estudios Metro-Goldwyn-Mayer, las vio y decidió ponerse en contacto con ella. Duhan entró en la tienda y pidió su número de teléfono pero, no consiguió que nadie se lo diera. Finalmente, se fue comentando que "alguien tenía que enviar información de ella a la MGM" y su hermana lo hizo inmediatamente. En poco tiempo, Ava, que aún era una estudiante del Atlantic Christian College, viajó de nuevo a Nueva York para entrevistarse con los directivos que la MGM tenía en las oficinas de la ciudad y aquel mismo año se le ofreció un contrato de siete años con la compañía. En 1941 dejó la escuela para ir a Hollywood con su hermana Beatriz y lo primero que hizo fue ir a clases de arte dramático y de dicción ya que su acento de Carolina del Norte era prácticamente incomprensible.Fue en el año 1942 cuando comenzó a intervenir como protagonista en películas y en los siguientes años actuó en numerosas producciones de modesto presupuesto como La casa encantada (1943), una comedia de terror que pertenece a la etapa de decadencia del gran Béla Lugosi, o Three men in white de 1944, una comedia-drama de médicos en la que intervenían también Van Johnson y Lionel Barrymore.Ava Gardner estuvo pretendida obsesivamente por el excéntrico millonario Howard Hughes a quien rechazó su propuesta matrimonial varias veces pero del que se aprovechó de sus regalos ostentosos. Estuvo casada en tres ocasiones, todas ellas con actores conocidos. Su primer matrimonio fue con el actor Mickey Rooney, que duró menos de un año. El segundo, con el mítico músico Artie Shaw, fue igual de breve. Su tercer marido fue el legendario cantante y actor Frank Sinatra, con el que estuvo casada seis tomentosos años entre 1951 y 1957, relación que hizo correr ríos de tinta, y que fue seguramente el amor de su vida. Se cuenta que aún en su vejez, escuchaba en su casa los discos de Frank.Sufrió de cáncer uterino y se sometió a una intervención donde le practicaron histerectomía. Murió en Londres de una pulmonía a los 67 años de edad, el 25 de enero de 1990.
Dean Martin (n. 7 de junio de 1917 - m. 25 de diciembre de 1995) fue un cómico, actor y cantante estadounidense.Su verdadero nombre era Dino Paul Crocetti. Nació en el 7 de junio de 1917 en Steubenville (Ohio). Sus padres eran unos inmigrantes italianos. Su madre, Angela Crocetti, era ama de casa y su padre, Gaetano Crocetti, era barbero.Dino abandonó los estudios cuando acabó el colegio, empezó a trabajar en distintas cosas, como peón, como gasolinero, como croupier e incluso como boxeador. Como boxeador adquirió cierto éxito. Utilizaba como seudónimo el nombre de Kid Crocetti.El 2 de octubre de 1941 se casó con Elizabeth Anne McDonald. Tuvieron cuatro hijos, entre ellos, la también cantante Gail Martin. Dean se divorció en 1949. Ese mismo año se casó con otra mujer.conoció a otro cómico novato llamado Jerry Lewis. Ambos se hicieron colegas inseparables y prepararon un número como dúo que estrenaron en el 500 club Atlantic City en 1946. Dean vio en su asociación con Jerry Lewis la posibilidad de explotar una veta en el género de la farándula cómica y usó la amistad de Lewis para escalar hacia Hollywood. No obstante, Lewis profesaba una auténtica amistad a Martin.De Dean Martin, Dino para sus amigos, se han dicho muchas cosas. Como persona simpática y afable en los ambientes sociales y fiesteros pero, al tiempo una persona distante y reservada. Un vividor, un mujeriego empedernido, con un ego tan grande como el que le enrostraba a Jerry Lewis y que fue incapaz de amar a una mujer más que como la compañera capaz de darle los hijos que tuvo en gran número. Sus canciones aún se escuchan a través de las ondas por todo el mundo.De acuerdo al libro "Frank Sinatra y el olvidado arte de vivir" de BIll Zehme, el cual está muy bien documentado, Dean Martin casí no bebía, aunque siempre tenía un vaso de licor en la mano para disimular esto.El 21 de marzo de 1987, su hijo Dino falleció en un accidente aéreo sobre las Montañas de San Gorgonio, California. La pérdida fue un duro golpe para Dean Martin que se sumió en una profunda depresión de la que nunca llegaría a recuperarse.Dean Martin murió, con 78 años, el día de navidad de 1995 en Beverly Hills, California como consecuencia de un enfisema que le produjo su avanzado cáncer de pulmón. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles, California. Fernando Casado Arambillet (La Coruña, 20 de septiembre de 1917 – Madrid, 9 de marzo de 1994), conocido artísticamente como Fernando Rey, fue un actor español de amplia trayectoria reconocida internacionalmente.Fernando Rey estudió arquitectura pero el comienzo de la Guerra Civil Española truncó sus estudios. Era hijo del oficial de Artillería Fernando Casado Veiga, republicano y ayudante de Azaña, que nada tuvo que ver con el coronel del mismo apellido, Segismundo Casado.En 1936 comenzó su carrera como actor haciendo de figurante, apareciendo en ocasiones en los créditos. Fue entonces cuando eligió su nombre artístico. Mantuvo su nombre pero adoptó el segundo apellido de su madre Sara Arambillet Rey. Durante la guerra civil luchó del lado republicano. Su padre, ya coronel, fue nombrado al final de la guerra Inspector General del Arma de Artillería. Al acabar la Guerra Fernando y su padre son hechos prisioneros por los nacionales. A Fernando lo internan en el campo de detención improvisado en Valencia, en el estadio de Mestalla. Mientras que su padre permaneció encarcelado durante años, el joven Fernando consiguió escapar de Mestalla, subir a un tren de mercancías y llegar a Madrid.Hacia 1940 se inició como actor de doblaje, después de leer un anuncio en el que se buscaba una nueva voz para un actor igualmente nuevo, Tyrone Power. Su voz, considerada intensa y personal, fue también una de las primeras con las que contó Laurence Olivier en español, quien llegó a felicitarle por su doblaje en Hamlet.En 1944 tuvo su primer papel hablado, el Duque de Alba en la película Eugenia de Montijo, de José López Rubio, protagonizada por Amparo Rivelles.En 1948 dio vida a Felipe el Hermoso en la película Locura de amor, dirigida por Juan de Orduña y junto a Aurora Bautista.Este fue el comienzo de una prolífica carrera en cine, radio, teatro y televisión. También actuó como doblador en la televisión española y llegó a ser el narrador de importantes películas como Bienvenido, Mister Marshall, de Luis García Berlanga (1953); Marcelino pan y vino, de Ladislao Vajda (1955) e incluso del Don Quijote que dirigió Orson Welles en 1992. De hecho, participó en cuatro versiones diferentes de El Quijote en diferentes papeles. Rock Hudson, de nombre real Roy Harold Scherer, Jr. (Winnetka, Illinois, 17 de noviembre de 1925 - Beverly Hills, California, 2 de octubre de 1985) fue un actor de cine estadounidense famoso por sus papeles de galán, y que tuvo la connotación de haber sido uno de los primeros casos publicitados de Sida en los Estados Unidos.Durante la II Guerra Mundial, se alistó en la Marina de los Estados Unidos y finalizada ésta se trasladó a Los Ángeles, donde trabajó en diversos oficios (cartero, camionero, taxista), alternando estos trabajos con numerosos ´castings´. A fines de la década de 1940 consigue aparecer en pequeños papeles, logrando un contrato con Estudios Universal en 1949.Entre sus primeras películas destacan Escuadrón hacia la muerte (1948) de Raoul Walsh, y Winchester 73 (1950) de Anthony Mann. Durante la década de 1950 y principios de la década de 1960 se convirtió en uno de los grandes galanes de Hollywood, trabajando en películas como Obsesión (1954), Sólo el cielo lo sabe (1955), Escrito sobre el viento (1956), todas ellas dirigidas por Douglas Sirk; y Gigante (1956) de George Stevens, por la que consiguió su única nominación al Oscar.A raíz del éxito de Confidencias a medianoche (1959) de Michael Gordon, donde compartía pantalla con Doris Day, protagonizó en los siguientes años varias comedias entre las que destacan Pijama para dos (1961) de Delbert Mann y Su juego favorito (1963) de Howard Hawks.En la década de 1970 tuvo su propia serie en televisión, McMillan y esposa, y en 1980 rodó El espejo roto junto a su amiga Elizabeth Taylor y otras numerosas estrellas veteranas.Su apostura masculina era muy apreciada por el público femenino de la época lo cual no hacía sospechar ni en lo más mínimo de su homosexualidad, condición oculta por el actor que era conocida sólo en sus círculos íntimos.Contrajo Sida en la década de 1970, aunque la enfermedad se manifestaría casi 12 años más tarde, más o menos en las fechas en que participaba en la serie de televisión Dinastía. Al parecer, encubrió su enfermedad durante la grabación, y se rumoreó que cuando Linda Evans lo supo, cundió la alarma porque ella se había besado con él en una escena. Eran años en que las vías de transmisión no eran bien conocidas.Su última película para el cine la rodó en 1984: Embajador en Oriente Medio (The Ambassador) junto a Robert Mitchum.Falleció después de una larga batalla por sobrevivir en Beverly Hills, California, el 2 de octubre de 1985, víctima del Sida. John Wayne nació en 1907 en Winterset, Iowa y fue llamado Marion Robert Morrison, aunque sus padres cambiaron el nombre a Marion Michael Morrison cuando decidieron llamar a su siguiente hijo Robert. Su familia era presbiteriana. Su padre, Clyde Leonard Morrison era descendiente de escoceses e irlandeses e hijo de un veterano de la Guerra Civil Estadounidense, mientras que su madre, Mary Alberta Brown era descendiente de irlandeses. En 1911 toda la familia se mudó a Glendale, California. Fueron los vecinos de Glendale quienes comenzaron a llamar a Wayne Big Duke porque él siempre estaba con su perro Airedale Terrier que se llamaba Little Duke. Él prefería Duke a Marion, por lo cual este nombre le quedó por el resto de su vida.
Sus primeros años estuvieron marcados por la pobreza. Duke era un estudiante bueno y popular. Alto para su edad, fue un jugador estrella de fútbol para la escuela secundaria de Glendale y fue reclutado por la University of Southern California (USC). En esta universidad fue miembro de los Trojan Knights y se unió a la fraternidad Sigma Chi. Wayne también jugó en el equipo de fútbol americano de la universidad bajo las órdenes del legendario entrenador Howard Jones. Una lesión sufrida aparentemente mientras nadaba cortó su carrera deportiva, y también perdió su beca deportiva, por lo que no pudo finalizar sus estudios en la USC. La gran jornada fue el primer western épico con sonido en el cual Wayne mostró sus habilidades en escena aunque fue un fracaso comercial. Nueve años después, su actuación en La diligencia (Stagecoach) lo convirtió en una estrella. Entre tanto, realizó westerns, los más destacados con Monogram Pictures y series para Mascot Studios, en donde hizo el rol de D'Artagnan en la serie Los Tres Mosqueteros, del año 1933. Ese mismo año, Wayne tuvo un pequeño papel en la exitosa y escandalosa película de Alfred E. Green Baby Face. A partir de 1928 y durante los 35 años siguientes, Wayne aparecería en más de 20 películas de John Ford, entre ellas La diligencia (1939), She Wore a Yellow Ribbon (1949), The Quiet Man (1952), The Searchers (1956) The Wings of Eagles (1957) y The Man Who Shot Liberty Valance (1962).Uno de los papeles más apreciados de Wayne fue en The High and the Mighty (1954), dirigida por William A. Wellman y basada en la novela de Ernest K. Gann. Su papel de un heroico aviador ganó una amplia aclamación. Island in the Sky (1953) está relacionada con esta película y ambas fueron hechas con un año de diferencia con los mismos productores y el mismo director, escritor, editor y distribuidor. John Wayne sufrió cáncer, enfermedad que se atribuyó a las radiaciones a las que se había expuesto en 1956 durante el rodaje de la película histórica El conquistador de Mongolia. Dicho filme se rodó en el desierto de Utah, cerca de un campo de pruebas nucleares, y el equipo de rodaje desconocía las posibles secuelas de su exposición al polvo radioactivo. En 1964 se le diagnosticó cáncer de pulmón, y fue sometido a una intervención quirúrgica para extraerle el pulmón izquierdo y dos costillas. Wayne falleció el 11 de junio de 1979 a causa de cáncer de estómago. Fue enterrado en el cementerio Pacific View Memorial Park de Corona del Mar, California. Fue su tercera esposa, Pilar Palette, quien encargó inscribir en castellano su epitafio sobre la lápida: "Feo, fuerte y formal". Wayne estuvo casado tres veces. Sus esposas fueron: Josephine Alicia Sánchez (de quien se divorció en 1945), Esperanza Baur (de quien se divorció en 1954) y Pilar Palette (con quien seguía casado cuando murió en 1979). Con Josephine tuvo cuatro hijos: Michael Wayne (23/nov/1934-02/abr/2003), Toni Wayne (25/feb/1936-06/dic/2000), Patrick Wayne (15/jul/1939-), Melinda Wayne (03/dic/1940-), y tuvo tres con Pilar: Aissa Wayne (31/mar/1956-), autora de una memoria de su vida como hija de John Wayne; Ethan Wayne (22/feb/1962-) y Marisa Wayne (22/feb/1966-). Frank James Cooper (n. 7 de mayo de 1901 - m. 13 de mayo de 1961), conocido como Gary Cooper, fue un actor estadounidense de ascendencia inglesa ganador del premio Óscar en dos ocasiones.Hijo de un emigrante inglés que llegó a ser juez de la Corte Suprema del Estado de Montana, trabajaba con sus padres en el rancho de su propiedad mientras acudía a la escuela. Más tarde, entra en el Wesleyan College, de Bozeman, para estudiar técnico agrícola, y en la Universidad de Grinnell (estado de Iowa), donde estudia arte. Sufre un accidente automovilístico que le afecta a la cadera. En aquella época aspiraba a ser caricaturista político y asistir a la Escuela de Arte de Chicago.Abandona sus estudios y se traslada a Hollywood, donde, en 1925, debuta con La hora maldita ("The Thundering Herd"), rueda algunos cortos, y posteriormente actúa como actor secundario en varios westerns. Trabaja para la Paramount, adoptando el nombre de Gary Cooper.En 1926 es contratado por la Metro-Goldwyn-Mayer y consigue su primer papel importante en Flor del desierto ("The Winning of Barbara Worth") dirigido por Henry King, lo que le convierte en uno de los actores más populares de Hollywood. Al año siguiente participa en el clásico "Alas", de William A. Wellman, donde seduce a Clara Bow dentro y fuera de la pantalla. El romance que mantiene con Clara Bow supone el empujón definitivo a su carrera artística. En 1929, protagoniza El virginiano (The Virginian), dirigida por Victor Fleming, pasando a ser una de las primeras estrellas del cine sonoro, con éxitos taquilleros y de crítica constantes: "Marruecos", "Las calles de la ciudad", "Entre la espada y la pared", "La mujer preferida", "Noche nupcial" o "El secreto de vivir".En 1936, se coloca entre los actores más taquilleros, tras el éxito de Tres lanceros bengalíes ("The Lives of a Bengal Lancer").En 1944 funda su propia productora, Internacional Pictures Inc., con la que produce y protagoniza Casanova Brown ("Casanova Brown") y El caballero del oeste ("Along came Jones").Su gran popularidad se basaba en su estilo sobrio y natural a la hora de actuar. Era alto y desgarbado, encarnando mejor que nadie al "americano ideal", hombre íntegro y caballeroso.Mantuvo una buena amistad con Picasso y con Ernest Hemingway, con quién coincidió en el rodaje de Adiós a las armas.Fue miembro de la asociación anticomunista de actores Motion Picture Alliance for the Preservation of American Ideals. Pero a pesar de tener ideas conservadoras evitó delatar a sus compañeros de profesión durante la famosa Caza de brujas.Aunque tuvo muchos romances, sólo se casó una vez, con la actriz Verónica Balfe. En especial, mantuvo una fuerte relación sentimental con la actriz Patricia Neal, desde que rodaron juntos El manantial ("The Fountainhead"), en 1949, idilio que finalizó tras protagonizar la pareja la película El rey del tabaco ("Bright Leaf", 1950), dado que la mujer del actor se negó a concederle el divorcio.En su impresionante carrera rodó a las órdenes de los mejores directores de cada época: Clarence Brown, Frank Lloyd, Josef von Sternberg, Henry King, William A. Wellman, Frank Borzage, Lewis Milestone, Victor Fleming, Rouben Mamoulian, Ernst Lubitsch, Norman Z. McLeod, Stephen Roberts, Richard Boleslawski, Henry Hathaway, King Vidor, Frank Capra, Cecil B. De Mille, William Wyler, Howard Hawks, Sam Wood, Raoul Walsh, Michael Curtiz, Fred Zinnemann, Robert Aldrich, Billy Wilder, Anthony Mann, Delmer Daves o Robert Rossen.Vivamos Hoy !También trabajó junto a algunas de las actrices estadounidenses más fascinantes del momento: Vilma Bánky, Clara Bow, Nancy Carroll, Gloria Swanson, Lupe Vélez (con la que tuvo un sonado romance), Marlene Dietrich, Sylvia Sidney, Fay Wray, Carole Lombard, Helen Hayes, Claudette Colbert, Joan Crawford, Jean Harlow, Jean Parker, Ida Lupino, Barbara Stanwyck, Jean Arthur, Joan Bennett, Merle Oberon, Susan Hayward, Teresa Wright, Ingrid Bergman, Lilli Palmer, Paulette Goddard, Patricia Neal, Ruth Roman,Sara Montiel, Grace Kelly, Audrey Hepburn, Dorothy McGuire, María Schell o Rita Hayworth.Murió el 13 de mayo de 1961, días después de cumplir los 60 años, víctima de un cáncer. Elizabeth Taylor, cuyo nombre completo es Elizabeth Rosemond Taylor, es hija de emigrantes estadounidenses en el Reino Unido, con los que regresó a América poco antes de la Segunda Guerra Mundial. Su padre era mercante de arte y su madre una actriz retirada.Su madre siempre quiso que fuera una estrella, daba igual de lo que fuese, así que desde muy pequeña la llevó a grabar anuncios, cameos en películas, etc. De ahí que Taylor siempre haya dicho que ella no quiso realizar una carrera como actriz, sino que ésta le fue impuesta.
Tras participar en varias comedias de escasa calidad, se hizo famosa a la edad de 12 años con la película National Velvet (1944), sobre un caballo de carreras. Era una estrella ya en la adolescencia; con 14 años rodó El coraje de Lassie, y poco después una versión de Mujercitas. Su siguiente gran éxito sería El padre de la novia (1950), junto a Spencer Tracy y con dirección de Vincente Minnelli.
Liz Taylor debe una parte no menor de su celebridad a su agitada vida, pero su carrera actoral es de gran valor por sí misma. Ha recibido dos premios Óscar: por Una mujer marcada (1960) y por ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966), además de tres nominaciones más, todas ellas en la categoría de mejor actriz principal. Su primera nominación fue por la película El árbol de la vida en 1957 y estuvo nominada los siguientes tres años, hasta que en 1960 se lo concedieron. Tiene por tanto el récord de cuatro nominaciones en años consecutivos, como el actor Marlon Brando.
Es una estrella calificada por los medios anglosajones como «bigger than life»: una estrella mayor que la vida misma. Es una de las cuatro o cinco leyendas femeninas más recordadas del Hollywood clásico, al fusionar una fotogenia insuperable, una larga lista de películas relevantes con notables actuaciones y un turbulento historial sentimental. En Liz Taylor, las facetas artística y sentimental son difíciles de separar y eso ayuda a explicar su prolongada fama.
Supo explotar con maestría su turbador e innegable atractivo sexual y dio que hablar a través de sus romances polémicos. A raíz de su romance con Richard Burton (estando ambos casados con otras parejas), un periódico del Vaticano la acusó de «vagar erótico», frase que inundó los titulares de todo el mundo. Burton salió en su defensa, afirmando de ella que había tenido solamente cinco parejas, todas conocidas, mientras que otras divas de Hollywood se acostaban con cualquiera en la primera noche (si bien manteniéndolo en secreto). Otras fuentes allegadas a la actriz coinciden al describirla como bastante convencional en el amor: dicen que, si se casó ocho veces, fue porque no era proclive a aventuras fugaces y quería formalizar cada nueva relación con una boda. Es, probablemente la actriz que ha sido declarada «la más hermosa del mundo» en más ocasiones que ninguna otra, incluso superando al llamado «animal más bello del mundo», Ava Gardner. Su rostro se convirtió en símbolo de perfección durante décadas, desde los años 40 hasta bien entrada la década de los 70. Tan famosa por su carrera cinematográfica como por su vida sentimental, Liz Taylor ha sido objeto de la prensa rosa por sus constantes divorcios y matrimonios y por sus problemas de salud: consumo excesivo de alcohol, una lesión de columna que ha requerido diversas operaciones y un tumor cerebral. Desde hace años acude a actos públicos en silla de ruedas.Célebre también por sus labores humanitarias en la lucha contra el SIDA desde la muerte de su amigo Rock Hudson, colabora desde hace años con una sociedad dedicada a la lucha y la investigación de esta grave síndrome. Fue por este motivo galardonada con el Premio Príncipe de Asturias de la Concordia en 1992. Además ese mismo año participó en el concierto en tributo a Freddie Mercury, hablando acerca de la prevención necesaria para combatir el SIDA.También se ha visto muy involucrada,sobre todo en los últimos años,en labores de ayuda contra el hambre en Asia y África,donando grandes cantidades de dinero e incluso numerosas posesiones.
Salma Valgarma Hayek Jiménez(nacida el 2 de septiembre de 1966 en Coatzacoalcos, Veracruz, México) es una actriz de teatro, cine y televisión mexicana, así como empresaria y productora; y es la segunda (después de Fernanda Montenegro) de las tres actrices latinoamericanas nominadas al Premio Oscar, (la otra es Catalina Sandino Moreno) Es considerada una de las figuras mexicanas más prominentes en Hollywood desde la actriz Dolores del Rio. Sus padres son el político y hombre de negocios mexicano Sami Hayek Domínguez, de origen libanés, y la cantante de ópera Diana Jiménez Medina, de origen español. Su primer nombre, Salma, es la palabra árabe que significa “paz” o “calma”. Nacida en una familia rica y devotamente católica, fue enviada a la Academia del sagrado corazón, Grand Costeau, Luisiana, a la edad de 12 años. Mientras estuvo ahí le diagnosticaron dislexia. Habla varios idiomas, inglés, árabe, castellano, y portugués. Estudió Relaciones Internacionales en la Universidad Iberoamericana, pero dejó sus estudios universitarios por los de actuación. Su primer trabajo artístico fue en la obra denominada Aladino y la lámpara maravillosa, donde la vio un productor de televisión que le ofreció un papel en su primera telenovela Un Nuevo Amanecer en Televisa. Su segundo papel como protagonista en la telenovela Teresa, la cual fue un gran éxito con audiencias de 61%. A pesar de su gran éxito, decidió dejarlo todo en México y volver a empezar en Estados Unidos. Estudió actuación en Los Ángeles, California y obtuvo pequeños papeles en algunas películas menores y programas de televisión por cable. Su primer gran papel fue en la película Desperado con Antonio Banderas. El director de la película, Robert Rodríguez, la eligió para actuar de nuevo con Banderas en Four Rooms, Spy Kids y la secuela de Desperado (Once Upon a Time in Mexico, además de From Dusk Till Dawn con George Clooney. Ha actuado en otras películas con Penélope Cruz, Mike Myers, Will Smith, Matt Damon, Pierce Brosnan y con quien fue su pareja por varios años, Edward Norton. En el 2002 se presentó su película Frida sobre la pintora mexicana Frida Kahlo. El trabajo de varios años de su compañía de producción (Ventana Rosa) resultó en 6 nominaciones al Oscar incluyendo el de Mejor Actriz para Hayek. La película obtuvo 2 premios (Maquillaje y Música Original). Desde 2004 su rostro es el estandarte de Avon; anteriormente lo había sido para Revlon en 1998. Además es considerada una de las actrices mejor vestidas de Hollywood. En 2006, cuando va a México a promocionar su más reciente película "Bandidas" es vetada por Televisa debido a que asistió al noticiero "Hechos" de Tv Azteca que es la competencia directa de Televisa. El 26 de abril de 2006, conoce durante una exposición en Venecia, Italia a François-Henri Pinault, presidente del grupo de artículos de lujo y distribución PPR (Pinault-Printemps-Redoute), propietaria de marcas como Gucci, Yves Saint-Laurent, Balenciaga y Puma, de la casa de subasta Christie's, Le Redoute, el semanario conservador Le Point, el canal de televisión TF-1, participación en el periódico Le Monde, en FNAC, y en el equipo de fútbol Stade Rennais. En marzo de 2007, anuncia que está embarazada y comprometida con el empresario francés y el viernes 21 de septiembre de 2007, da a luz en un hospital de Los Angeles, California a una niña a la que bautiza con el nombre de Valentina Paloma Pinault-Hayek, que pesó 3 kilos con 374 gramos. Durante el año siguiente, surgen rumores en la prensa especulando acerca de un distanciamiento de la pareja y una posible ruptura; siendo confirmados en septiembre del 2008 por medio de un comunicado de prensa emitido por la misma Salma en el cual anula su compromiso de 16 meses y planes de boda. A pesar de ello, el sábado 14 de febrero de 2009, justo Día de San Valentín, Hayek se casa por lo civil con Pinault en París, sorprendiendo así a la prensa ya que el enlace se lleva a cabo de manera secreta, con una pequeña ceremonia a la que sólo asistieron sus íntimos y dado a que la reconciliación de la pareja no se había hecho oficialmente pública. Días después, el 22 de Febrero se lleva a cabo la entrega número 81 de los Premios Oscar, donde una de sus grandes amigas, Penélope Cruz, resulta ganadora del Óscar a la mejor actriz de reparto por su participación en Vicky Cristina Barcelona, por lo que Hayek viaja a Los Ángeles para festejarlo con Cruz. La boda religiosa entre Salma Hayek y François-Henri Pinault se lleva a cabo el sábado 26 de abril de 2009 en el Palazzo Grassi de Venecia, añadiendo así un toque más de romanticismo a la relación al ser el mismo lugar y fecha en los que la pareja se vio por primera vez hacía exactamente 3 años. Previa a la boda, el 25 de abril se realiza una fiesta de máscaras alusivas al carnaval de Venecia en los Magazzini del Sale, ubicados en la zona veneciana Punta della Dogana, al lado del extremo sur del Gran Canal Veneciano, rodeado de un importante dispositivo de seguridad y a la cual asistieron alrededor de 200 invitados, quienes viajaron a Italia con todos los gastos pagados y entre los que se encontraban: la gran amiga de Hayek, Penélope Cruz; Javier Bardem, Philippe Starck, Ashley Judd, Prince (quien le compuso la canción Valentina, dedicada a la hija de la pareja), Luis Miguel, Jacques Chirac -íntimo amigo del suegro de Hayek-, Charlize Theron y su novio, Stuart Townsend, Olivier Martínez, Sami Hayek, con su novia, la celebridad mexicana Daniela Villegas, Bono vocalista de U2, el director Emir Kusturica, la diseñadora Stella McCartney, los actores italianos Riccardo Scamarcio y su pareja, Valeria Golino, Woody Harrelson y Edward Norton -que mantuvo una relación con Salma Hayek años atrás-; el mago David Blaine, Gael García Bernal, Mia Maestro, el cineasta Felipe Fernández del Paso. Fallaron Melanie Griffith y Antonio Banderas, quien presuntamente cometió la indiscreción de informar a la prensa sobre la boda.La ceremonia religiosa se celebró en la sala Apolinee del Palazzo Grassi, propiedad de Pinault. Rodeados de más de 2500 obras de arte, de artistas como Pablo Picasso y Joan Miró y la cena se efectuó en La Fenice de Venecia, uno de los teatros de ópera más famosos de Europa construido en 1792 a cargo del chef español José Andrés. PACO MARTINEZ SORIA Nació en Tarazona (Zaragoza). Siendo muy joven su familia se trasladó a Barcelona, donde comenzó sus estudios y, tras ellos, su trabajo como dependiente y, más tarde, como comercial. Durante esta época compatibiliza su trabajo con actuaciones en grupos de aficionados del barrio de Gracia.
Durante la Guerra Civil Española deja su trabajo y se centra en el teatro como actor profesional. En 1938 debuta en el Teatro Fontalba con la compañía de Rafael López Somoza con la obra Antonio pasó el infierno. Dos años más tarde funda su propia compañía,en el mismo teatro con la que trabaja durante los años cuarenta desde el Teatro Urquinaona y en la década de los cincuenta desde el Talía, ambos en Barcelona.
En 1934 colabora como extra en la comedia en blanco y negro Sereno... y tormenta del director Ignacio F. Iquino, con quien colaboraría, como actor, en otras once películas. Su primer papel como actor principal será en 1938, en un mediometraje cómico titulado Paquete, el fotógrafo público número uno. Continúa participando como actor secundario en muchas películas hasta 1944, en que retorna por completo al teatro como actor y empresario.
Su nombre comienza a ser conocido cuando entre los años 1942 y 1944, cuando es nombrado director y primer actor de la compañía titular del Teatro de la Zarzuela.
Volvió al cine en los cincuenta, aunque fue en 1965 cuando, dirigido por Pedro Lazaga, consiguió el éxito con la película La ciudad no es para mí. Desde este momento su personaje de cateto entrañable no dejará de aparecer en pantalla hasta su muerte. Florinda Chico Martín Mora Nacimiento Don Benito (Badajoz, Extremadura) España Ficha en IMDb Florinda Chico, actriz nacida en Don Benito, Badajoz, el 24 de abril de 1926.
Biografía.Tras estudiar canto, emprende su carrera artística sobre las tablas en representaciones de Revista. Sus primeros grandes éxitos le llegan con la obra El huevo y la revista La blanca doble (1947), junto al trío cómico Zori, Santos y Codeso. Aunque debuta en el cine en 1953, con la película Pasaporte para un ángel , de Javier Setó, no será hasta la segunda mitad de los años sesenta cuando alcance una enorme popularidad llegando a convertirse en una de las más habituales actrices secundarias del cine español.
No tarda en adoptar un prototipo, muy determinado por su físico de matrona corpulenta, que refleja la mujer castiza y en muchos casos chabacana y que la encuadran en papeles de "señora estupenda" o, sobre todo, ama de casa o chacha gruñona. Los papeles que representa reiteran, pues, un arquetipo que encuentra encaje en películas cómicas muy del estilo de las que rueda Mariano Ozores, a cuyas órdenes llega a trabajar en 22 títulos.
En ocasiones, sin embargo, se ha apartado del género cómico, con incursiones en filmes de factura dramática como Cría cuervos (1976), de Carlos Saura o La casa de Bernarda Alba (1987), de Mario Camus.
En su filmografía es también habitual encontrarla formando tandem artístico con Rafaela Aparicio, que se encasilló en papeles similares, con la que coincidió por primera vez interpretando sendas criadas en la serie de TVE La casa de los Martínez (1967). Habitual también en series de televisión, ha intervenido en La tía de Ambrosio (1971), Los maniáticos (1974), Este señor de negro (1975-1976), de Antonio Mercero, Taller mecánico (1991), El sexólogo (1994), Makinavaja (1995-1996) y La casa de los líos (1996-2000).
En teatro triunfó en los años ochenta con la representación Mi tía y sus cosas (1985), de nuevo interpretando a la sobrina de Rafaela Aparicio. Tony Leblanc Actor y director. Hermano de la también actriz Sonia Leblanc. Como curiosidad se puede decir que nació en el Museo del Prado donde su padre trabajaba como portero. Él mismo trabajó durante un tiempo en el propio Museo del Prado como botones. En su adolescencia fue aficionado al boxeo, llegando a ser campeón de Castilla de los pesos ligeros «amateur», al tiempo que participaba en el teatro de aficionados. También fue jugador de fútbol del Real Club Deportivo Carabanchel en Tercera División en el que consiguió anotar 23 goles que le valdrían para el reconocimiento de pichichi de Tercera División.
Debuta profesionalmente en 1944 con la compañía de Celia Gámez y cinematográficamente en 1945 en la famosa cinta Los últimos de Filipinas (de Antonio Román). Su estrellato se extiende desde la segunda mitad de los años 1950 y la práctica totalidad de los 60 en títulos entrañables del cine español de entonces: El Tigre de Chamberí (1957), de Pedro Luis Ramírez, Muchachas de azul (1957), Los tramposos (1959) (ambas dirigidas por Pedro Lazaga), Las chicas de la cruz roja (en 1960, de Rafael J. Salvia), "Tres de la cruz roja" (en 1961, de Fernando Palacios) o Historias de la televisión (en 1964, de José Luis Sáenz de Heredia)). En algunas películas forma pareja artística con Concha Velasco, en otras, trío cómico-artístico con José Luis Ozores y Manolo Gómez Bur. En claro encuadre popular, no aparece en ninguna película que sea ajena a la comedia fácil o a las concesiones a la taquilla, encasillándose en papeles reiterativos con los sempiternos realizadores del momento (Ozores, Sáenz de Heredia, Palacios, Salvia, Lazaga). A mediados de los 70 comienza su decadencia tras éxitos teatrales como Paloma palomita palomera o Esta es mi vida (1975),se agrava una antigua dolencia que lo deja seminvalido y le aparta de la actividad profesional, pero antes realiza una de sus mejores actuaciones en "El astronauta" (1970, de Javier Aguirre) y en el remake del clásico de Rafael Gil "El hombre que se quiso matar" en 1973.
Autentico pionero de la televisión en España, durante los años 50 y 60 compaginó su carrera cinematográfica con especiales de humor, actuaciones cómicas varias y algunos programas propios en TVE, como Las Gomas (1956), La Goleta (1957), Gran Parada (1963-1964), El que dice ser y llamarse (1965), En órbita (1967), Cita con Tony Leblanc (1969) y Canción 71 (1971).
Cuando Tony Leblanc decidió retirarse del cine en 1975 al rodar "Tres suecas para tres Rodríguez", nunca pensó que un grave accidente de tráfico ocurrido el 6 de mayo de 1983 truncaría definitivamente su carrera teatral. El accidente le dejó incapacitado temporalmente.
Después de casi 15 años retirado, Santiago Segura, quien tras verle por tv en la entrega del Premio Isbert de Teatro en Albacete, le rescata para su primera película de Torrente en 1998 donde consiguió un Goya al Mejor Actor de Reparto. La recogida de este premio en enero de 1998 fue especialmente emotiva debido a la casi milagrosa recuperación del actor, quien logró caminar después de haber permanecido en silla de ruedas. Segura contó de nuevo con él para continuar la saga de Torrente en los años 2001 y 2005.
En las últimas temporadas, desde 2001, hemos podido verlo también en TVE en la serie Cuéntame cómo pasó encarnando a Cervan, un viejo y entrañable quiosquero. Desde abril de 2007, además, colabora con Santiago Segura en el programa de humor Sabías a lo que venías, de La Sexta.
También produjo, dirigió y escribió varias películas, iniciándose en la dirección con El pobre García, comedia con Lina Morgan y Manolo Gómez Bur. No consiguió excesivos resultados comerciales con sus aventuras como productor, por lo que abandonó la carrera como director cinematográfico.
Es autor de un pasodoble de éxito: Cántame un pasodoble español,creado para la revista Un Pasodoble Español (1970), de la artista folclórica Lolita Sevilla; a raiz del cual continuó colaborando con ella en otros pasodobles: Las piedras del camino, Te digo sinceramente o Un abanico español (éste último con el Maestro Quiroga).
Su carrera como actor se puede resumir en dos etapas, la primera de 30 años (de los años 1945 a 1975) y la segunda de 11 años por el momento (de 1998 hasta hoy, 2009). De todos modos ha escrito una biografia llamada Esta es mi vida en 2005. El 1 de octubre de 2007, sufrió un infarto de miocardio agudo, del que consiguió recuperarse. En 1975 se retiró del espectaculo porque sufrió un grave accidente de tráfico que lo dejó inválido, pero en los años 90, concretamente en 1998, con 76, Santiago Segura lo rescató y lo devolvió a los escenarios gracias a la exitosisima pelicula Torrente: El brazo tonto de la ley.
El 10 de mayo de 2008 recibe un homenaje en el municipio que lleva 30 años viviendo, Villaviciosa de Odón (Madrid).
Es presidente de honor de la Asociación de Amigos de los Teatros de España (AMITE). LINA MORGAN La actriz nació el 20 de marzo de 1937, en plena Guerra Civil, en el seno de una familia modesta que vivía en el madrileño barrio de La Latina, y recibió el nombre de Angelines Segovia. Tras terminar la educación primaria, con 11 años comienza a estudiar baile clásico español. A los 13 años fue elegida por un representante del mundo del espectáculo, Pepe Cabo, para formar parte de una compañía infantil dirigida por la academia de Karen Taff, Los chavalillos de España. De este modo, en las navidades de 1949 se embarca en su primera gira por todo el país con una compañía actoral.
Con 16 años ingresa en la compañía de revista de Matías Colsada, en el Teatro La Latina. Ahí comenzó a trabajar como bailarina del reparto junto con la vedette Maruja Tomas y su marido y líder de la compañía, Alfonso Del Real. Al no tener la mayoría de edad, la actriz tuvo que falsificar su fecha de nacimiento para poder ingresar, y se especializó en papeles cómicos. En 1956, Colsada le ofrece su primer papel importante para sustituir a Mercedes Llofriu en la obra "Mujeres o Diosas", y es ahí cuando adopta su pseudónimo de Lina Morgan, que surge del diminutivo de Angelines (Lina) y la banca Morgan.
De ahí pasa a ser una vedette de revista durante los años 1950, actuando en salas de Gran Vía junto con actores y artistas como Manolo Paso, Tony Leblanc, Manuel Gila o Ángel de Andrés entre otros, hasta convertirse en una de las caras habituales del género en el Madrid de la época. Los productores cinematográficos comienzan a interesarse por ella, y Morgan rueda sus primeras películas:"El pobre García", de Tony Leblanc, y "Vampiresas 1930" de Jess Franco (1960).La actriz realiza en 1962 su primera aparición en Televisión Española, cuando actúa en un festival a beneficio, y un año después participa en los programas "Gran Parada" y "Cita con el humor".Su confirmación en el mundo del espectáculo vino en 1964, cuando actúa en la compañía de Colsada con artistas como Juanito Navarro, en espectáculos cómicos y de revista. En esa época, Morgan debuta como actriz principal y alcanzará su primer gran éxito de público, junto con Navarro, en la obra "Dos maridos para mí" en 1965. Desde ese momento, Colsada explota la colaboración entre Lina Morgan y Juanito Navarro, quienes llegan a realizar la misma obra durante seis meses consecutivos en el Teatro La Latina y actuarían en otras piezas más. Lina Morgan llegó a ser requerida para aparecer en múltiples películas y el célebre programa de televisión Estudio 1, en "La chica del gato" (1966) y "El landó de seis caballos" (1968).
En 1969, la actriz graba su primera película como protagonista, "Soltera y madre en la vida", y un año después una de sus obras más populares: la comedia "La tonta del bote", dirigida por Juan de Orduña, donde interpreta a una jóven risueña y atolondrada. Aquella película le catapultó a la fama a nivel nacional entre el gran público e hizo que su caché aumentara, por lo que en 1972 abandonó la compañía de Colsada para dedicarse al cine.A comienzos de los años 1970 apareció en más películas,la mayoría de ellas cintas de humor dirigidas por Mariano Ozores y donde interpretaba a empleadas del hogar o personajes cómicos.Sin embargo, también cultivó papeles dramáticos como "Una pareja distinta", con José Luis López Vázquez en 1974.
A partir de 1975, Morgan decide aparcar el cine para volver a subir a los escenarios. Con el dinero ganado en sus películas, la actriz monta su propia compañía de revista en el Teatro Barceló. Su proyecto atravesó serias dificultades económicas ya que, tras la muerte de Francisco Franco, el humor blanco y castizo no tenía la misma demanda que otro tipo de géneros como el destape, y Lina Morgan perdió todo el dinero invertido. Sin embargo, tras una aparición en el programa Directísimo de José María Íñigo, la revista de Lina Morgan logró una mayor atención del público, y pudo estrenar obras nuevas como "Casta ella, casto él" con Florinda Chico y Antonio Ozores. María Gracia Morales Carvajal (Madrid, 11 de noviembre de 1928 - Madrid, 3 de abril de 1995) fue una actriz española especialmente recordada por su inconfundible voz.
Nació en Madrid el 11 de noviembre de 1928. Gracita Morales era hija del empresario del Teatro Calderón. Tenía dos hermanos, Ana María y Pepito, y estuvo casada con el pintor canario Martín Zerolo.
Estudió danza clásica y española. Se dedicó posteriormente al teatro, dónde debutó a los 20 años como meritoria en la compañía de Luis Peña y Rosita Hernán. También formó parte del elenco de otras compañías, como las de Antonio Vico, Catalina Bárcena, Ernesto Vilches y Tina Gascó.
Uno de sus triunfos teatrales fue la obra de Miguel Mihura Maribel y la extraña familia, que repitió luego en el cine en la versión de 1960 dirigida por José María Forqué. Su éxito en el teatro la llevó al cine donde debutó en 1954, tuvo su época dorada en los 60 y empezó su decadencia en los 70. Participó en casi un centenar de obras, pero es especialmente recordada por sus interpretaciones en Atraco a las tres, Sor Citroen, Los Palomos, La ciudad no es para mí, Operación Cabaretera o Cómo está el servicio.
Se quedó encasillada en el personaje de "chacha", donde interpretaba un estereotipo entrañable, ingenuo pero voluntarioso, que se caracterizaba por su voz atiplada e inconfundible. Como dijo Almodóvar de ella, Gracita pertenecía «a la casta genial de actores atípicos que hacen las cosas de un modo radicalmente personal»
El final de su vida, fatalmente encasillada en un tipo muy concreto de papeles, se caracterizó por la falta de trabajos y solamente pudo aparecer como secundaria en un capítulo de la serie de Antena 3 Los Ladrones van a la Oficina, en la que ya se le veía muy deteriorada por la edad. Sara Montiel nació en la pequeña localidad de Campo de Criptana en 1924, en el seno de una familia manchega humilde que subsistía por medio de la agricultura, ya que su padre era campesino. Tras la guerra civil, la familia se estableció en Orihuela, donde el padre abrió una bodega. La futura estrella estudió en el Colegio de Jesús María de San Agustín en esa ciudad. Allí falleció un hermano suyo, que está enterrado en el cementerio local.
Inicios Desde muy pequeña María Antonia destacó por su belleza y sus dotes artísticas, las cuales impresionaron a Vicente Casanova, un influyente productor (uno de los dueños de la compañía CIFESA) y agente de publicidad, quien la vio cantando una saeta durante una procesión de Semana Santa de Orihuela. Don Vicente procuró que la joven recibiera un entrenamiento básico en declamación y canto.
La primera película de Sara fue Te quiero para mí, donde apareció como actriz secundaria en el reparto haciendo el papel de María Alejandra. Pero fue a partir de Empezó en boda dónde usaría el nombre artístico de Sara Montiel.
Su primer papel de importancia fue en Locura de amor (1948), gran éxito de Juan de Orduña protagonizado por Aurora Bautista y Fernando Rey, a la que siguieron La mies es mucha, Pequeñeces y El capitán veneno (1951) de Luis Marquina, protagonizada por Fernando Fernán Gómez. Su gran belleza y talento le permitirían lograr grandes éxitos años después, pero el cine español de entonces se le quedaba pequeño pues la encasillaba en papeles de cara bonita, y Sara proyectó su ambición hacia el extranjero, concretamente a México y a EE.UU., donde llegaría a trabajar en Hollywood.
Actriz de Hollywood y estrellato.Gracias al éxito de Locura de amor, Sara Montiel llamó la atención a la industria de habla hispana más importante del mundo, el México del Cine de Oro, y pronto se convertiría en una de las estrellas del momento, junto con María Félix, Miroslava y Katy Jurado. También trabajaría con los grandes actores de la época: Agustín Lara, Arturo de Córdova, Pedro Infante.... Así fue que llegó a filmar más de una decena de producciones, destacando: Cárcel de mujeres (con Katy Jurado), Piel canela, Furia salvaje y Se solicitan modelos, entre otras.
Debido a su belleza y su talento pronto llamó la atención de la industria cinematográfica estadounidense, que se hallaba necesitada de estrellas hispanas en la línea de Rita Hayworth. Interpretaciones como Cárcel de mujeres y Piel canela le abrieron las puertas para entrar a Hollywood en 1954 como una nueva Gilda.
Su primera interpretación fue de la mano, nada más y nada menos, que del mítico Gary Cooper en Veracruz de Robert Aldrich, junto a estrellas tan importantes de la época como el citado Cooper, Burt Lancaster, Denise Darcel, Ernest Borgnine y un joven Charles Bronson. Los títulos de crédito de esta película, uno de los mejores western de la historia, presentaban a Sara (al público estadounidense) con la frase: «and introducing Sarita Montiel». Aunque su papel no era protagonista, Sara terminaba eclipsando a su oponente femenina, Denise Darcel, por su belleza racial y porque su papel era el de la chica buena. De hecho, es Sara y no Denise quien protagoniza la última escena de la película con Gary Cooper. Con Veracruz, Sara Montiel logró índices de popularidad que jamás había tenido una artista española.
Según varias fuentes, la actriz recibió un «contrato estándar de siete años» de manos de Harry Cohn, magnate de la Columbia Pictures, uno de los grandes estudios de Hollywood, pero lo rechazó temiendo que un acuerdo de exclusividad la encasillase en papeles de hispana. Por ello, sus siguientes trabajos fueron como actriz «free-lance» o independiente para diferentes productoras, y llegado el momento Sara tendría libertad para regresar a España.
Su segunda película en Estados Unidos fue Serenade (Serenata o Dos mujeres y un amor), una producción de eminente contenido musical para el lucimiento del tenor Mario Lanza, que contó con dos estrellas ya legendarias: Joan Fontaine y Vincent Price. También en esta película, Sara interpretaba un papel de chica buena, ingenua pero con coraje, que se oponía a la pérfida Joan Fontaine. Hay que recordar una escena de enfrentamiento entre ellas, cuando Sara da unos pases de toreo y, ante un desplante de Fontaine, la amenaza con una espada. En este rodaje Sara conoció al que sería su primer marido, Anthony Mann, el director de la cinta.
Como su último trabajo en Hollywood, la actriz española rodó Yuma de Samuel Fuller (película que también fue llamada Run of the arrow), junto a Rod Steiger. Este actor volvería a ser popular en su vejez por dos papeles: el de malo en El especialista de Sylvester Stallone y Sharon Stone, y el de juez en Crazy in Alabama, debut de Antonio Banderas como director. En Yuma, Sara se reencontró con Charles Bronson, que encarnaba a un indio.
Sara Montiel (conocida entonces como Sarita Montiel) tenía su lugar asentado en Hollywood; mantuvo cierta amistad con personalidades tan relevantes del cine internacional como Marlon Brando, James Dean o la hija de Alfred Hitchcock. Una fotografía de Sara con James Dean es la última que se conoce del mítico actor; con ella se anunció en los periódicos la muerte de James Dean -en accidente de tráfico- en todo el mundo.
Aunque Sara tenía proyectos para realizar otras películas como The American o Burning Hills, uno de ellas junto a Paul Newman... el destino le deparó otro rumbo a su carrera y se marchó de Hollywood.El último cuplé marcó un hito en el cine español por su recaudación, un récord que mantuvo durante años, e hizo de la Montiel una de las artistas más taquilleras del mundo. Por consiguiente firmó un contrato multimillonario para realizar películas de producciones europeas (hispano-francesas-italianas) que la convirtieron en la actriz de habla hispana mejor pagada de la década.
Al Último Cuplé le siguieron varias producciones de éxito con importantes galanes europeos, como La Violetera (con Raf Vallone) y Carmen la de Ronda (con Maurice Ronet). Estas películas redoblaban su atractivo gracias a números musicales donde Sara cantaba con su peculiar estilo y luciendo exuberantes vestidos que tentaban a la censura.
A los dos filmes citados, siguieron Mi último tango, Pecado de Amor, La bella Lola, La dama de Beirut, La reina del Chantecler, Noches de Casablanca, La mujer perdida, Varietés (dirigido por Juan Antonio Bardem) y Cinco almohadas para una noche (1973).
Con la llegada de la Transición y el predominio del destape, Sara Montiel decidió dejar el cine para volcarse en su faceta musical, mayormente en espectáculos de variedades en teatros y televisión como Ven al Paralelo. Mantuvo una extraordinaria popularidad y también la admiración de nuevas generaciones de músicos; prueba de ello fue su disco Purísimo Sara, con colaboraciones de José María Cano (del grupo Mecano), Joaquín Sabina y Javier Gurruchaga.
Su primer marido fue Anthony Mann, director de cine norteamericano con quién se casó en 1957 en Hollywood (primero en artículo mortis, por consejo de la hija del director y una vez restablecido de su enfermedad, en matrimonio civil, convirtiéndose en su primer marido). Sara había conocido a Mann en el rodaje de la película "Dos pasiones y un amor" (Serenade) en la que trabajó junto a Mario Lanza y Joan Fontaine. El divorcio advino en 1963.
Su segundo marido fue el industrial Vicente Ramírez Olalla, a quién Sara llamaba cariñosamente "Chente." Se casaron ante un reducido grupo de invitados en la Iglesia de Montserrat, en Roma, oficiando la ceremonia el abad mitrado del Valle de los Caídos, Fray Justo Pérez de Urbel. Con todo, el sonado matrimonio apenas duró dos meses.
El hombre de su vida fue el empresario y periodista mallorquín Pepe Tous, con quién contrajo matrimonio después de diez años de relaciones. Juntos adoptaron a los dos hijos de la popular artista, Thais (1979) y Zeus (1983). Pepe Tous murió y dejó a Sara sola y al cargo de sus dos hijos.
Otros hombres importantes en la vida de Sara Montiel, han sido: Ernest Hemingway, quién enseñó a Sara a fumar habanos. James Dean, con quién dicen que vivió un romance de película, incluso estuvo a punto de viajar con el malogrado actor, el día que este tuvo el fatídico accidente que le costó la vida.
Con Gary Cooper, Sara vivió uno de sus más sonados romances. Se conocieron durante el rodaje de "Veracruz" y entre ellos se produjeron anécdotas muy curiosas. La primera vez que Sara hizo el amor con él, se debió a una equivocación de la actriz, pues Sara apenas sabia leer y escribir y mucho menos en inglés y se aprendió el guión de la película fonéticamente; una de las frases que el personaje de Sara tenía que decirle al de Cooper era "¿Quieres luchar (en inglés, fight) conmigo y con los mios por mi pueblo?", se equivocó y acertó a decirle "¿Quieres hacer el amor (en inglés, quizá otro verbo que empieza con f...) conmigo?", a lo que Cooper, respondió con un sonoro "Yes!" Sara recuerda cuando abrazada al actor americano le susurraba cantando "Because of you". Hasta el final de la vida de Cooper, se mantuvo la amistad y en la última visita que el mito de Hollywood realizó a España, estando ya muy enfermo, al bajarse del avión lo primero que pregunto fue: ¿Dondé está "my Montielita"?.
Se rumora que también hubo un romance con Marlon Brando durante la estancia de Sara en Hollywood; a Brando le gustaba que ella le cocinara huevos fritos.
Miguel Mihura fue, aparte de un hombre y un amor importante en la vida de Sara, su Pigmalión. Sara llegó a pedirle matrimonio a Mihura, pero a pesar de publicarse las amonestaciones no llegaron a casarse.
Indalecio Prieto, un político de izquierdas a quién Sara conoció cuando él estaba en el exilio, fue una relación corta pero de la que Sara ha guardado un gran recuerdo.
Maurice Ronet, para Sara compañero y amante, trabajó con ella en "Carmen la de Ronda", "Mi último tango" y "Noches de Casablanca", viviendo un apasionado idilio que traspasó la pantalla.
Con Giancarlo del Duca, más conocido en España como Giancarlo Viola, trabajó en "La mujer perdida" y "La dama de Beirut", y vivieron un romance que él decidió cortar. Cuando Pepe Tous murió, apareció de nuevo en su vida y el romance volvió de nuevo, pero "Gianca" como ella lo llamaba, engañó a Sara y a pesar de hablarse de boda entre ambos, decidió cortar con él definitivamente.
Como ella misma cuenta tuvo una relación tormentosa con el fotógrafo de "La bella Lola" (1962) Mario Montuori.
Su último y muy controvertido matrimonio civil fue con el joven cubano Tony Hernández. La pareja rompió a los pocos meses. Antonio Ozores Puchol (Burjassot, Valencia, 24 de agosto de 1928),es un actor y director español.
Se inicia en el mundo de la interpretación a principios de la década de 1940 trabajando en la compañía de teatro de sus padres, y debuta en Zaragoza.
Debuta en el cine en 1950. Durante cinco décadas combina cine, teatro, revista y televisión. Ha sido uno de los actores más prolíficos en la historia del cine español, con más de 150 títulos en su haber.
Desde sus inicios se especializó en registros cómicos, en ocasiones cercanos al absurdo y el esperpento. En una segunda fase de su carrera cinematográfica trabaja en casi todas las películas de su hermano Mariano. Continúa con papeles cómicos, reiterando un tipo de personaje con un lenguaje atropellado e ininteligible.
En 1983 dirigió la película Los Caraduros.
Su popularidad se vio incrementada al participar en la década de 1980 en el concurso Un, dos, tres... responda otra vez presentado por Mayra Gómez Kemp, aunque ya había trabajado antes en televisión, desde los años 50.
Dirigió a su hija Emma Ozores en la obra de teatro El último que apague la luz (2007).
Es hijo de los actores Mariano Ozores y Luisa Puchol, padre de la actriz Emma Ozores (1966), hermano del actor José Luis Ozores (1923-1968) y del director y guionista Mariano Ozores (1926) y tío de la actriz Adriana Ozores (1959), hija del primero.
En 1958 se casó con la actriz Elisa Montés (1934), con quien tuvo una hija, Emma y de la que más tarde se divorciaría. Fue cuñado de las también actrices Emma Penella (1930-2007) y Terele Pávez (1939).
ALFONSO LUSON Nació en Vitoria en 1941, pero vivió casi toda su vida en Madrid y, de hecho, sus tics y modales no podían ser más castizos. Sus primeros escarceos sobre las tablas los dio a los 20 años. Siempre solía recordar divertido en las entrevistas que su primer papel (pequeño, pero con frase) fue el de un policía en la obra de la que formaba parte.
No pasó demasiado tiempo antes de que, en los años 70, conociera a Manuel Codeso, por entonces otro jovencísimo actor que también debutaba en la escena. Decidieron formar un dúo cómico que logró enseguida una enorme notoriedad y un éxito con escasos precedentes. Era una de las parejas cómicas más desternillantes de la escena, solicitada desde todos los rincones de España para que acudiera a actuar en cualquiera de sus fiestas. Fue tal su aceptación que incluso llegaron a firmar 35 galas en un solo mes.
Ganaban mucho dinero y despertaban tormentas de carcajadas con sus espectáculos, pero las desavenencias personales surgieron enseguida, por lo que no tardaron en disolverse como pareja. De esta última decisión ambos se arrepintieron siempre, tal como reconocieron en la última entrevista televisiva en la que coincidieron los dos.
Alfonso Lussón prosiguió su carrera como actor. Aunque sus intervenciones en la pantalla grande no han sido muy numerosas, directores muy diversos se acordaban de él siempre para proponerle divertidos personajes. Celos, amor y mercado común (1973), de Alfonso Paso, fue una de sus primeras películas. A ésta le seguirían títulos como Eva limpia como los chorros del oro (1977), Adulterio Nacional (1982) o Disparate Nacional (1990) del prolífico Mariano Ozores. Y ya recientemente, Juan Muñoz (del dúo Cruz y Raya) y Chema de la Peña le reclamaron para hacer sus últimos papeles del celuloide en ¡Ja me maaten...! (2000) e Isi/Disi-Amor a lo bestia (2004) sucesivamente.
Trabajo televisivo Mayor recorrido tuvo su trabajo en televisión, donde participó entre los años 80 y 90 en innumerables series, como Villarriba y Villabajo (1994), La Banda de Pérez (1997) o Jacinto Durante, representante (2000), todas ellas en TVE. En la misma cadena desarrolló sus dotes de actor cómico y maestro de ceremonias en el programa de variedades Pero ¿esto qué es? (1989), en el que intervenía cada semana junto a otros actores y humoristas como Guillermo Montesinos, Eloy Arenas o Alejandra Grepi, bajo la batuta del realizador Hugo Stuven.
En paralelo, Lussón nunca dejó de hacer teatro. Era su lugar natural, desde el que conseguía la mayor complicidad con el público y con su profesión, y donde más a gusto se sentía.
Siempre cultivó una enorme discreción, por lo que apenas trascendieron datos de su vida privada a la opinión pública. Es algo que ha contribuido a que pudiera llevar su enfermedad en los últimos años prácticamente alejado de todos los focos y el interés mediático. Muy amigo de sus amigos, una de las personas de su círculo más íntimo era la actriz Paloma Cela, quien recientemente declaraba estar muy afectada por la enorme pérdida de su entrañable Lussón, sin poder evitar maldecir contra la terrible enfermedad que en los últimos tiempos está más presente en las páginas de sociedad de lo que a todos nos gustaría.
A mediados de 2005, le detectaron un cáncer que le afectaba a la cabeza y los pulmones. Tras varios meses combatiéndolo con enorme valentía, vitalismo y optimismo, falleció el pasado sábado 27 de mayo. A él le gustaría hoy que el recuerdo de su nombre provocara el esbozo de una de tantas sonrisas como las que fue capaz de provocar en vida.
María del Carmen García Galisteo, conocida artísticamente como Carmen Sevilla (Sevilla, 16 de octubre de 1930) es una actriz, cantante, bailarina y presentadora de televisión española.
Desde muy joven imbuida en el mundo artístico, fue hija de Antonio García Padilla, alias "Kola", letrista musical y nieta de José García Rufino. Se inicia en el cante y baile flamenco siendo aun una niña, y con tan sólo doce años se sube por primera vez a un escenario, en la Compañía de Estrellita Castro, con el espectáculo Rapsodia española, junto a Paquita Rico y Ana Esmeralda. De ahí pasa a las Compañías del Príncipe Gitano y de Paco Reyes.
En 1947 debuta en el cine con la película Serenata española, de Juan de Orduña y tan sólo tres años después consigue su primer papel protagonista en Jalisco canta a Sevilla, donde comparte créditos con Jorge Negrete.
Los años cincuenta la consolidan como una de las actrices más destacadas en el panorama artístico español. Emparejada cinematográficamente, al principio de la década, con Luis Mariano, pronto comienza a brillar con luz propia, protagonizando uno tras otro, títulos que la van situando entre las favoritas del público. Apodada "La novia de España", se convierte finalmente en una de las más importantes estrellas del cine y de la canción en España, junto a Lola Flores y Sara Montiel.
Durante esos años de esplendor protagoniza, entre otras, Cuentos de La Alhambra (1950), de Florián Rey, La hermana San Sulpicio (1952), de Luis Lucia, Violetas Imperiales (1952), de Richard Pottier, La fierecilla domada (1955), de Antonio Román, La venganza (1957), de Juan Antonio Bardem (primera película española candidata al Premio Óscar a la Mejor Película de habla no inglesa), Pan, amor y Andalucía (1958), de Javier Setó o El balcón de la luna (1962), junto a sus amigas Lola Flores y Paquita Rico. Hace incluso incursiones en el cine anglosajón e interpreta un pequeño papel en Rey de reyes (1961) de Nicholas Ray, en el papel de María Magdalena.
Durante todo ese tiempo compagina el cine con espectáculos musicales y, a partir de la llegada de la televisión a España, en 1956, con continuas apariciones en el nuevo medio.
En 1960 contrae matrimonio con el compositor Augusto Algueró, con quien tiene al que será su único hijo, Augusto. A partir de 1969 intentó relanzar una carrera cinematográfica que comenzaba a languidecer y adopta un nuevo registro, con papeles más dramáticos y una estética pseudo-erótica, habitual en la época, que le lleva a protagonizar títulos como Enseñar a un sinvergüenza (1969), de Agustín Navarro, Un adulterio decente (1971), de Rafael Gil, La cera virgen (1971), de José María Forqué, No es bueno que el hombre esté solo (1972), de Pedro Olea, La loba y la paloma (1973), de Gonzalo Suárez o Nosotros los decentes (1978), de Mariano Ozores. Protagoniza, además, Marco Antonio y Cleopatra (1972), junto a Charlton Heston.
En 1978 rueda su última película. Separada de su primer marido, vuelve a contraer matrimonio con el empresario Vicente Patuel y se retira de los escenarios para llevar una vida alejada de los focos en una finca rural dedicada a la cría de ovejas.
Sin embargo, en 1991 Valerio Lazarov, entonces director de la recién creada cadena de TV, Telecinco, la convence para ponerse de nuevo ante una cámara, en esta ocasión como presentadora. Se inicia, de este modo, una nueva etapa en su carrera, cuando durante seis años presenta el programa diario Telecupón en la mencionda cadena de TV. Sus continuos despistes y errores ante la cámara en un espacio que se emite en directo, la hacen ser pronto objeto de imitaciones por humoristas como Martes y 13. En su etapa en Telecinco, Carmen Sevilla presentó Galas, Espectáculos y distintos programas de variedades, como Se acabó la siesta (1992), con Laura Valenzuela y Agustín Bravo, Date un respiro (1993), Mañana serán estrellas (1993), con Manolo Escobar, ¿Se puede? (1993-1994) y En directo contigo (1995), junto a Belén Rueda.
A finales de 2004, cuando Televisión Española decide rescindir el contrato que mantiene con José Manuel Parada, presentador del programa sobre cine español, Cine de barrio, Carmen Sevilla es reclamada para sustituirlo, y desde entonces se asoma todas las semanas a la pantalla al frente de este espacio de evocación y nostalgia en el que se emiten viejas películas del cine español.
CONCHITA VELASCO Concepción Velasco Varona, conocida como Concha o Conchita Velasco es una actriz, cantante y presentadora de televisión española nacida en Valladolid el 29 de noviembre de 1939. Estudió Danza Clásica y Española en Madrid y en el Conservatorio Nacional entre los 10 y 20 años. Se estrena como bailarina en el Cuerpo de Baile de la Ópera de La Coruña y en la compañía de Manolo Caracol como bailaora flamenca. Posteriormente debuta como vicetiple en la de Celia Gámez. Es tía de la también actriz, Manuela Velasco. Concha Velasco está considerada como una de las artistas más respetadas y queridas de España, además de poseer una de las carreras más prolíficas y brillantes de su país.Inicia su carrera en el cine a los quince años en La reina mora (1954), a la que siguen numerosos títulos también como actriz de reparto entre los que destacan La fierecilla domada (1956). Rueda luego como coprotagonista Muchachas en vacaciones (1957) y Las chicas de la Cruz Roja (1958), su consagración profesional, junto a Tony Leblanc, con el que rodaría seis películas. A esta época de actriz juvenil pertenecen éxitos como Los tramposos (1959), El día de los enamorados (1959), Julia y el celacanto (1959), Amor bajo cero (1960), La verbena de la paloma (1963)..., entre muchos otros, destacando Historias de la televisión (1965), donde, por exigencias del guión, Conchita interpreta en una escena de la película una canción compuesta por Augusto Algueró y el músico-letrista cartagenero Maestro Antonio Guijarro titulada La chica yé-yé. Conchita es bautizada para siempre con ese título. Se encuentra de improviso con un éxito como cantante, algo que reconoce no haberlo sido nunca, pero aún así graba ochos discos con Belter. Más adelante, hace grabaciones de sus espectáculos Mata Hari, Mamá, quiero ser artista, Carmen Carmen, La truhana... En 1990, hace una nueva versión de la popular Chica ye-ye, conmemorando los 25 años de su lanzamiento.
A finales de los 60, Conchita va realizando ya «papeles de esposa» en filmes con directores como Mariano Ozores, José Luis Sáenz de Heredia o Pedro Lazaga como Las que tienen que servir (1967), Cuatro noches de boda (1969), El taxi de los conflictos (1969), La decente (1970), Préstame quince días (1971), Venta por pisos (1971), Yo soy fulana de tal (1975), etcétera... y comienza una serie de colaboraciones con el popular cantante Manolo Escobar en títulos como Pero, ¿en qué país vivimos? (1967), Relaciones casi públicas (1968), Juicio de faldas (1969), En un lugar de la Manga (1970), Me debes un muerto (1971)... En todas ellas aparece junto a las principales figuras del cine español del momento, como Alfredo Landa, José Luis López Vázquez, Antonio Ozores, el mencionado Tony Leblanc..., y comparten el género de comedia ligera tan frecuente en el cine español de la época.
En la época de la Transición, realiza papeles de corte más serio en películas como Tormento (1974) Pim, pam, pum... fuego (1975) de Pedro Olea, Las largas vacaciones del 36 (1976), Esposa y amante (1977), La colmena (1982) de Mario Camus, Esquilache (1989) de Josefina Molina, por la que fue nominada al Goya a mejor actriz de reparto, y Yo me bajo en la próxima, ¿y usted? (1992).
Sus últimas apariciones en cine han sido en Más allá del jardín (1996), nominada al Goya a la mejor actriz, París-Tombuctu (1999), cumpliendo su sueño de trabajar junto al director Luis García Berlanga, km. 0 (2001), El oro de Moscú (2002), Bienvenido a casa (2005), B & B (2006), Chuecatown (2007) y Enloquecidas (2008). José Sacristán (Chinchón, Madrid, 27 de septiembre de 1937) es un actor español de reconocido prestigio y amplia trayectoria en cine, teatro y televisión. Integrante del grupo de actores del llamado «landismo», su carrera da un giro importante a partir de la Transición, con películas como Un hombre llamado Flor de Otoño o Asignatura pendiente, que le permiten enriquecer su registro interpretativo.
Nacido en Chinchón, Madrid, en 1937, deja su trabajo de mecánico como tornero, para seguir su vocación teatral. Se interesó desde muy joven por el teatro independiente y comienza en el teatro Infanta Isabel de Madrid. Actuó como aficionado hasta 1962, año en que debuta como profesional. Su acceso al mundo cinematográfico se da en la década de los sesenta con papeles secundarios que poco a poco irán adquiriendo importancia.
Estuvo incluido en el grupo de actores más taquilleros del cine español de los setenta junto a Alfredo Landa y José Luis López Vázquez.
Su debut en el cine se produjo con "La familia y uno más" y luego vendrían las comedias atrevidas de la época, sin perjuicio de que José Sacristán se haya revelado como un excelente actor dramático en trabajos como Un hombre llamado Flor de otoño, de Pedro Olea, La colmena, de Mario Camus o El pájaro de la felicidad, de Pilar Miró.
Ha dirigido hasta el momento tres películas: Soldados de plomo, Cara de acelga y Yo me bajo en la próxima ¿y usted?.
Es un actor estrechamente vinculado al teatro y entre sus últimos trabajos destaca el musical El hombre de La Mancha en el que compartió protagonismo con Paloma San Basilio, y en el que sacó a relucir una faceta hasta ahora desconocida, la musical.
Resulta premiado en el Festival de Cine de San Sebastián de 1978 como mejor actor por Un hombre llamado Flor de Otoño y en 1982 consigue el primero de sus cuatro Fotogramas de Plata por su trabajo en la película La colmena. Antonio Resines Nacido el 31 de agosto de 1954 en Torrelavega, Cantabria (España), es hijo de José Ramón, abogado, y Amalia, ama de casa. Es el segundo de cinco hermanos. Se trasladó a Madrid donde comenzó la carrera de Derecho, dejándola más tarde por la de Ciencias de la Información en la Universidad Complutense, donde tuvo como compañeros de clase a Carlos Boyero y a Fernando Trueba. Juntos decidiron rodar una película que supuso el debut del segundo: Ópera prima.
Aprovechando su aspecto de hombre corriente, decidió ganarse la vida trabajando para el cine y la televisión, interpretando generalmente al marido o al ex de -casi siempre- Verónica Forqué y Carmen Maura, con fidelidad a algunos directores como Manuel Iborra o el ya mencionado Trueba. Películas como El baile del pato (1989), Cómo ser mujer y no morir en el intento (Ana Belén, 1991) o Todos los hombres sois iguales (1994) son sintomáticas al respecto. También interviene en thrillers como Todo por la pasta (Enrique Urbizu, 1991).
En 1991 ganó su primer Fotogramas de Plata gracias a Eva y Adán, agencia matrimonial. Poco después presentó el programa Objetivo indiscreto al lado de Anabel Alonso, con la que volvió a coincidir en Los ladrones van a la oficina, en la que encarnó a un tabernero sordomudo en cuya cantera se reunían los ladrones más veteranos de Madrid.
En 1997 rodó tres películas con las cuales su carrera experimentó un giro. En La buena estrella (Ricardo Franco) el actor se puso en la piel de un cuarentón castrado que acogía a una mujer tuerta (Maribel Verdú) y embarazada, con la que llegaba a casarse y que años más tarde daba cobijo también a su ex-novio enfermo (Jordi Mollà). En Carreteras secundarias (Emilio Martínez Lázaro), basada en la novela de Ignacio Martínez de Pisón, era un viudo cuyo hijo (Fernando Ramallo) no lograba aceptarlo. En El tiempo de la felicidad se convirtió en un cincuentón cuyo matrimonio se deshace en un verano en el que sus hijos (María Adánez, Silvia Abascal, Pepón Nieto y Carlos Fuentes) alcanzaron su llegada a la madurez.
Al año siguiente Antonio Resines ganó el Premio Goya a la mejor interpretación masculina protagonista. Participó en La niña de tus ojos (1998), donde interpretó a un director de cine que al final del metraje lo perdía todo. Finalizó el año con la grabación de la serie A las once en casa, en compañía de Carmen Maura, Ana Obregón, Liberto Rabal, Beatriz Rico, Mary Carmen Ramírez, Unax Ugalde, Jorge Sanz y Alejo Sauras.
En 2001 Enrique Urbizu le llamó para encabezar el reparto de La caja 507, en la que Resines se transformó en un hombre cuya hija era asesinada. Por esa época tuvo lugar la filmación de Marujas asesinas -donde era un hombre machista inaguantable- y Dos tipos duros, junto a Jordi Vilches.
En 2002 empezó a emitirse Los Serrano, en la que Antonio Resines se llevaba las manos literalmente a la cabeza al no entender en este orden de factores a su mujer más culta que él, a sus hijos adolescentes, y en último término a un mundo que se le venía demasiado ancho.
En 2005 regresó al drama con Otros días vendrán, en la que Antonio Resines interpretó a un viudo cuyo hijo (Nacho Aldeguer) se había suicididado; a un ser sucumbido por el naufragio que opta por salir a flote aún a costa de fingir desconocer una terrible realidad, compartiendo reparto con Cecilia Roth y Fernando Guillén.
Poco después el actor se fracturó la pierna como consecuencia de un accidente de moto, que le impidió participar en Alatriste. No obstante a finales de año tuvo la oprtunidad de trabajar en otra cinta de época: La dama boba.
En 2009 se produjo su regreso al cine con Celda 211, de Daniel Monzón, en la que Antonio Resines dio vida a Utrilla, un policía de la prisión donde se desencadene un motín en el sector de los FIES, y que le valió su tercera nominación a los premios Goya.
Alfredo Landa Areta (Pamplona, Navarra, 3 de marzo de 1933) es un actor español.
Hijo de un capitán de la Guardia Civil, pasó su primera infancia en el pueblo de Arive.A los seis años su familia se trasladó a Figueras, donde fue alumno del Instituto Ramón Muntaner. Se trasladó a los doce años a San Sebastián donde años más tarde iniciaría estudios de Derecho; y fue precisamente en la Universidad donde tuvo su primera experiencia teatral, representando más de cuarenta obras en la Fundación del Teatro Español Universitario.
Se traslada en 1958 a Madrid. Su primera relación con el cine se produce como actor de doblaje, aunque en 1962 debuta profesionalmente en el cine, de la mano de José María Forqué, en la exitosa película Atraco a las 3. El propio Alfredo Landa ha explicado en alguna ocasión que Forqué le citó en la Casa de Campo de Madrid y le dijo: "siéntate y pon cara de susto y después vete a casa". Después de esta desastrosa experiencia el actor ya no quería hacer cine.
En cuarenta años de profesión ha hecho más de ciento veinte películas. Su trayectoria puede dividirse en tres etapas fundamentales. En la primera etapa alterna papeles cómicos con trabajos teatrales, y abarca una producción de más de cuarenta películas, entre las que destacan Nobleza baturra, de Juan de Orduña o Ninette y un señor de Murcia, de Fernando Fernán Gómez.
La segunda etapa comprende treinta y cinco películas de lo que se ha dado en llamar el Landismo, que se inicia en 1970 con No desearás al vecino del quinto, de Ramón "Tito" Fernández, y en las que llegó a simbolizar un determinado tipo de español, machista, fanfarrón en el terreno sexual y reprimido. Estas películas fueron dirigidas en su mayoría por directores como Mariano Ozores, Pedro Lazaga, Tito Fernández o Luis M. Delgado.La tercera etapa se inicia en 1976 con El puente, de Juan Antonio Bardem, y es, sin duda, la más interesante dentro de su trayectoria, al menos en el terreno artístico. Colaborará con los principales directores españoles: Luis García Berlanga (La vaquilla), Mario Camus (Los santos inocentes), Basilio Martín Patino (Los paraísos perdidos), José Luis Garci (Las verdes praderas, El crack), José Luis Borau (Tata mía), José Luis Cuerda (El bosque animado), Antonio Mercero (La próxima estación) o Manuel Gutiérrez Aragón (El rey del río).
En 1984 comparte con Francisco Rabal el premio de interpretación masculina en el Festival de Cine de Cannes por sus respectivos papeles en Los santos inocentes. Candidato en siete ocasiones al Premio Goya, resulta premiado en 1987 y 1992. En 2003 recibió un homenaje en la Mostra de Valencia. En marzo de 2007, en el Festival de Cine Español de Málaga, anuncia su retirada profesional a los 74 años de edad. Mari Carrillo
Considerada una de las grandes actrices de la escena española del siglo XX, debutó en 1936 en la Compañía de Hortensia Gelabert,con la obra El juramento de la primorosa y posteriormente en la de Pepita Díaz (con quien interpreta Nuestra Natacha). Al inicio de la Guerra Civil Española marcha a México, y se casó, con apenas diecisiete años, en el Teatro Nacional de La Habana apadrinada por Alejandro Casona, con el actor Diego Hurtado.
De regreso a España, retoma su carrera teatral y realiza la película Marianela (1940), de Benito Perojo, inspirada en la novela homónima de Benito Pérez Galdós. Tras rodar otros tres largometrajes, se aparta de la gran pantalla hasta 1958.
En teatro, se incorpora primero a la Compañía de María Bassó y Nicolás Navarro y en los primeros cincuenta entró en la Compañía Lope de Vega, dirigida por José Tamayo, donde interpreta lo más importante del teatro español del Siglo de Oro y otros títulos del teatro universal. Con La vida es sueño, viaja a París y participa en el I Festival del Teatro de las Naciones, en 1954, y consiguió el Premio a la Mejor Interpretación. Ese mismo año propone un texto a Tamayo que había localizado Diego Hurtado, La Alondra, de Jean Anouilh. También interpretó La florista de la reina, La santa hermandad y La santa virreina. En 1948, finalmente, forma su propia Compañía. Fue la actriz fetiche del director teatral José Tamayo y del autor Antonio Gala. Una anécdota revela su tremenda calidad sobre las tablas. Edward Albee, autor del texto original de Quién teme a Virginia Woolf, la vio en España junto a Enrique Diosdado y dirigida por José Osuna y se quedó tan admirado que trató de convencer a la Metro para que la contratara para la película, pero al final se lo quedó Elizabeth Taylor.
En 1958 vuelve al cine, con El pisito, de Marco Ferreri. En los años siguientes se suceden una serie de títulos notables, en los que Mari Carrillo despliega su gran capacidad artística especialmente en registros dramáticos (El crimen de Cuenca, dirigida por Pilar Miró, La Colmena y Los santos inocentes (1984), de Mario Camus), pero también en títulos de comedia (Entre tinieblas, de Pedro Almodóvar.
En 1982 triunfó con La enemiga, de Dario Niccodemi. Su última aparición sobre las tablas fue en una representación de Última visita, de José Luis Alonso de Santos. Retirada de las tablas desde 1995, falleció el 31 de julio de 2009.
Tuvo cuatro hijas y una adoptada, Concha Velasco, entre ellas las actrices y humoristas Paloma, Teresa y Fernanda Hurtado, conocidas artísticamente como Las Hermanas Hurtado.Escribió a los 81 años sus memorias en Sobre la vida y el escenario. Recibió, entre otros, el Premio Nacional de Teatro en dos ocasiones (1949 y 1961), la medalla del Círculo de Bellas Artes (también por dos veces, en 1948 y 1982), el premio Ondas en 1969 como mejor actriz de televisión, el premio Goya en 1995 como mejor actriz de reparto por Más allá del jardín y el premio de la Unión de Actores en 1995 por su trayectoria profesional.
Dolores Herrera Arranz nace el 30 de junio de 1935 en el Barrio de Las Delicias, en Valladolid. Sus inicios son musicales, pero a mediados de los cincuenta viaja a Madrid y comienza su andadura como actriz. Participa en El pórtico de la gloria, su primera película, en el año 1953.
Desde principios de los años sesenta interviene en multitud de obras de teatro filmadas para Televisión española: Colaboró con Ibáñez Serrador en un par de episodios de sus Historias para no dormir (1968); realiza una veintena de Estudios 1, entre los cuales destacan La importancia de llamarse Ernesto (1968) de Wilde, Puebla de las mujeres (1971) de los Hermanos Álvarez Quintero, El Avaro (1972), de Molière; participa también en piezas clásicas recuperadas para el espacio Teatro de siempre: La Celestina (1967), de Rojas, Las tres hermanas (1967), de Chejov; protagoniza la serie Las Viudas (1977) y, junto a Ismael Merlo y Amelia de la Torre, la telecomedia El Señor Villanueva y su gente (1979);finalmente interpreta el papel de Pepeta en la adaptación que TVE realiza de la obra La Barraca, de Vicente Blasco Ibáñez.
Lola Herrera durante la representación de "48 Voces" en Puerto del Rosario, Fuerteventura el 29/01/2001.A lo largo de los años 70 interviene en una serie de doblajes realizados en los estudios Cineson y Exa de Madrid, llegando a doblar a Ellen Burstyn en Alicia ya no vive aquí (por el que la actriz estadounidense ganaría el Oscar a la mejor actriz) o a Liv Ullmann en Gritos y susurros, entre otras.
En 1978 realiza Arriba Hazaña, donde comparte protagonismo con Fernando Fernán Gómez y Héctor Alterio entre otros. En 1981 protagoniza Función de noche, una innovadora propuesta de la directora Josefina Molina que narra las desventuras de un matrimonio de actores en la vida real, Herrera y Daniel Dicenta, y las relaciones con sus hijos. Lola Herrera siempre se ha sentido orgullosa de este papel y se refiere al film como "una terapia". En 1982 co-protagoniza junto a Alfredo Landa La próxima estación de Antonio Mercero y que narra la problemática juvenil. En 1996 participa en El amor perjudica seriamente la salud, donde da vida a la suegra de Juanjo Puigcorbé.
En estos últimos años ha protagonizado numerosas series de televisión, entre las que destacan La casa de los líos junto a Arturo Fernández, El grupo en la que interpretaba a la madre de una de las pacientes del grupo llevado por el psicólogo encarnado por Héctor Alterio y Un paso adelante, en la que daba vida a la directora de la academia de baile e interpretación donde transcurría la acción y Fuera de lugar, junto a su hija Natalia.
Mucho más vinculada al teatro que al cine, está considerada una de las grandes damas de la escena española por crítica y público así como una de las más grandes actrices de teatro de la última mitad del siglo XX. Entre sus interpretaciones teatrales más recordadas están las de Las amargas lágrimas de Petra von Kant o Cinco horas con Mario, monólogo obra de Miguel Delibes y que lleva representando más de 25 años. Entre sus últimos éxitos está Solas adaptación teatral de la película del mismo nombre. En el 2008 trabaja en la Obra de teatro "6 Clases de Baile en 6 Semanas" obra exitosa en todo el mundo, con su compañero de Reparto Juanjo Artero (Verano Azul).Lola Herrera ha recibido entre otros premios, el Premio Max de las artes escénicas por Solas en 2006,Fotogramas de Plata en 2005 y 2006 por Cinco horas con Mario y Solas respectivamente y el Premio Ercilla de Teatro a toda una vida dedicada al teatro.Casada en 1967 con el actor Daniel Dicenta (hijo de Manuel Dicenta) se divorcia, teniendo dos hijos en común, Natalia y Daniel. Natalia Dicenta ha compartido cartel con su madre en varias ocasiones, entre ellas, en "Eva al desnudo", y la última ocasión en Solas, donde interpretaba a su hija en la ficción. Por este papel fue nominada a los Fotogramas de Plata y a los Premios Max.
Francisco Rabal Nacido en la localidad murciana de Águilas, sus padres fueron Benito Rabal y Teresa Valera. Al iniciarse la Guerra civil española en 1936, su familia se trasladó a Madrid, donde tuvo que realizar oficios modestos para ayudar a la mantención de su familia, mientras realizaba estudios nocturnos en el Colegio Nuestra Señora del Recuerdo. Trabajó más tarde como ayudante de electricista en los Estudios Chamartín. Debutó en el cine realizando papeles como extra; más tarde realizó pequeños papeles en compañías de teatro, debutando en 1942, en la película La rueda de la vida. Gradualmente va obteniendo mayores papeles, logrando un gran éxito en 1952, en la obra La muerte de un viajante de Arthur Miller. Simultáneamente actúa en cine, debutando como estrella secundaria en 1946 en La pródiga de Rafael Gil.
En 1947 actuando en teatro conoció a la que más tarde fue su esposa, la actriz Asunción Balaguer, con quien tuvo dos hijos, Benito y Teresa Rabal, que también se han dedicado al cine y la escena.
Fue decantando su carrera hacia el cine, recibiendo sus primeros premios en 1953 por La guerra de Dios de Rafael Gil (León de Plata en el Festival de Venecia) y Un camino a la derecha (Premio de interpretación en el Festival de San Sebastián) de Francisco Rovira Beleta, participando en los siguientes años en varias películas de éxito.
En 1958 rodó en México, Nazarín, de Luis Buñuel. Con Buñuel vivió una auténtica amistad, lo que le llevó a decir: «Leo todos los días sus memorias como si fueran una Biblia, fue un gran creador, por su físico parecía un hombre duro; pero era la persona más tierna que he conocido, era fiel a la amistad, a sus amigos, era muy puntual y con un gran sentido del humor, infantil y muy severo con sus hijos, parecía chapado a la antigua; desde el primer día que nos conocimos fuimos muy buenos amigos y nos llamamos tío y sobrino hasta su muerte». Actuó también en los filmes Viridiana (1961) y Belle de jour (1966).
También trabajó con directores europeos, como Michelangelo Antonioni, Claude Chabrol o Luchino Visconti. Con Carlos Saura trabajó en Goya en Burdeos (1999).
En 1968 encarnó al revolucionario Che Guevara en el filme de Paolo Heuchs, El 'Che' Guevara.
En 1974 abandonó Madrid precipitadamente para organizar la oposición frente a la instalación de una central nuclear en la Marina de Cope (Murcia), junto con Mario Gaviria,logrando finalmente que fuese retirado el proyecto.
En su madurez trabajó con Miguel Hermoso en Truhanes (1984), y encarnó a Azarías en Los santos inocentes (1984), adaptación de Mario Camus de la obra literaria de Miguel Delibes que le valió el premio de interpretación del Festival de Cannes en 1984, compartido con Alfredo Landa.
Para televisión, encarnó a Mateo Alemán en Cervantes (1981), a Francisco de Goya en Los desastres de la guerra (1983), a San Pedro de Alcántara en la miniserie Teresa de Jesús (1985) y al torero retirado Juncal en la exitosa serie dirigida por Jaime de Armiñán en 1989.
El 12 de noviembre de 1993 recibió la medalla de oro de la Academia de Cine española y en 1999 obtuvo el premio Goya al mejor actor por su papel en Goya en Burdeos.
En 1995 fue investido Doctor Honoris Causa por la Universidad de Murcia.
En 1996 puso voz al dragón Draco en la película Dragonheart. Ese mismo año fue nombrado como catador de vino oficial de Bullas (Murcia), en recuerdo un paseo del mismo pueblo lleva el nombre del "Paseo Paco Rabal"; acción que gustó a Paco Rabal, ya que desde entonces, en la serie Truhanes siempre decía ¡¡viva Bullas!! y lo bueno que estaba el vino de Bullas, sin olvidar que siempre daba saludos a ¡Zorch!
Falleció inesperadamente el 29 de agosto de 2001, cuando regresaba a España en avión desde Montréal, a causa de una insuficiencia respiratoria que le produjo el enfisema pulmonar que padecía. Unas semanas más tarde iba a recibir el honorífico Premio Donostia en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Fue su nieto, el también actor Liberto Rabal, quien lo recogió en su nombre, rindiéndole tributo en un emotivo homenaje que reunió en el escenario del Kursaal a su amigo Carlos Saura y a sus compañeras de algún reparto Carmen Sevilla, Julia Martínez, Terele Pávez, Ana Belén, Emma Suárez y María Barranco.
Fue incinerado y enterrado bajo un almendro en su pueblo natal. Posteriormente, su esposa decidió junto con sus hijos, trasladar la urna fúnebre al cementerio de Águilas. Dolores Gaos González-Pola, conocida artísticamente como Lola Gaos (Valencia, 2 de diciembre de 1921 - † Madrid, 4 de julio de 1993) fue una actriz española.
Exiliada en Latinoamérica al finalizar la Guerra Civil española, es allí donde inicia su carrera artística en teatro.
Inicia así una brillante carrera artística en su país natal, que desarrolla tanto en teatro como en cine y televisión y que la sitúa como una de las mejores actrices españolas del siglo XX.
El tipo de personajes que interpretó fue, en cualquier caso, deudor de su peculiar físico: enjuta y no excesivamente agraciada, con un tono de voz ronco, es habitual encontrarla en papeles desgarrados de aldeana, bruja o criada.
De regreso a España en 1945, se incorpora sucesivamente a las compañías teatrales de Mercedes Prendes, Mary Carrillo y Guillermo Marín. Entre sus creaciones destacan los papeles en Espectros, La casa de Bernarda Alba y Woyzech.
Sus apariciones en televisión se remontan a los primeros momentos del medio en España, y ya en 1957, cuando TVE sólo llevaba un año emitiendo, protagonizó la serie Los Tele-Rodríguez, de Arturo Ruiz Castillo. Participaría luego en espacios y series emblemáticas de la Televisión española, como Historias para no dormir, Estudio 1, Teatro de siempre, Novela, El Irreal Madrid (1969), Tres eran tres (1972-1973) o Lorca, muerte de un poeta (1987). Emma Penella nació en Madrid en 1930 en el seno de una familia conservadora y con antecedentes artísticos. Su padre fue diputado por Granada entre 1933 y 1935 en las filas del partido conservador católico Acción Popular. Su madre era hermana de la tiple cómica Teresita Silva e hija del compositor Manuel Penella, que había tenido un gran éxito con la ópera El gato montés (su hermana Elisa adopta "Montés" como apellido artístico).
En un principio la familia se opuso a que Emma se dedicase a la interpretación aunque al final lo consintió y, tras abandonar sus estudios de Bachillerato, se incorporó al Teatro María Guerrero como meritoria. En 1949 participó en la película La duquesa de Benamejí, de Luis Lucia, como doble de luces de Amparo Rivelles. Durante los primeros años cincuenta compaginó su trabajo en algunas funciones de teatro con varias películas en las que fue doblada, ya que los nódulos que tenía en la garganta le hacían tener una voz no acorde con los gustos de la época, razón por la cual sería operada varias veces a lo largo de su vida, aunque sin llegar a solucionar el problema, que por otro lado se convertiría en una de sus señas de identidad.
Con Los ojos dejan huellas (1952), de José Luis Sáenz de Heredia, le llega su primera gran oportunidad en el cine, a la que seguirían películas como Carne de horca, Cómicos (donde Juan Antonio Bardem utiliza por primera vez su voz real), Los peces rojos o Fedra, de Manuel Mur Oti, que fue un escándalo en la época por el erotismo mostrado por Penella, algo común a otras películas de esa primera etapa, como La cuarta ventana (1963), única que protagoniza junto a sus dos hermanas.
Ese mismo año Luis García Berlanga le brindó la oportunidad de aparecer en El verdugo, su papel cinematográfico más celebrado. La cinta se proyectó en el Festival de Cine de Venecia y los organizadores ordenaron que la actriz entrara al Lido por la puerta trasera debido a la desaprobación de la comunidad internacional hacia el Franquismo. Penella se negó y apareció por la puerta principal del recinto.
En 1967 participa en la película La busca, de Angelino Fons. Por esos años se casó con el productor Emiliano Piedra, lo que le permitió ofrecer papeles a actores sin empleo como Pilar Bardem. El matrimonio tendría tres hijas: Emma, Lola y Emiliana.
Desde 1969 Emma espació más sus intervenciones, participando en películas producidas por su marido, como Fortunata y Jacinta y La primera entrega, de Fons, y La Regenta, de Gonzalo Suárez, sus personajes más relevantes de esa época. Tras esta película se apartaría del mundo del cine durante más de una década.
Finalizada la Transición, apareció en varios papeles de reparto a las órdenes de Francisco Regueiro (Padre Nuestro) y Carlos Saura (El amor brujo) y protagonizó la película de Eloy de la Iglesia La estanquera de Vallecas, convirtiéndose en actriz fetiche de este director y quedando asociada a un cine de temática transgresora. También en la década de 1980 regresó al teatro para desarrollar una intensa actividad. En 1991 falleció su marido, Emiliano Piedra, para quien recogió un Goya de Honor póstumo en 1992. En 1993 se despidió de las tablas con El enfermo imaginario, de Molière.
Cuando disfrutaba de un retiro sólo interrumpido esporádicamente, como en la película Pídele cuentas al Rey, la directora de casting Elena Arnao la visitó en 2003 en su casa para interesarse por su estado de salud. En respuesta, Emma bailó una jota para ella y aceptó un papel en la serie de televisión Aquí no hay quien viva (Antena 3), obteniendo una gran popularidad interpretando a Concha, una pensionista malhumorada, rácana y cotilla. El personaje, que formaba el trío apodado como "Las Supernenas" junto a los de Mariví Bilbao y Gemma Cuervo, se hizo famoso por su frase "Váyase, señor Cuesta", que repetía constantemente al personaje interpretado por José Luis Gil y que parodiaba la frase "Váyase, señor González", que el expresidente del gobierno José María Aznar solía dirigir a su antecesor en el cargo Felipe González.
Descubierta así por el público más joven, en 2004 participa en el doblaje al español de la película de animación Los increíbles y al año siguiente, animada por su compañero José Luis Gil, lo hace en la española El sueño de una noche de San Juan.
En 2007 comenzó a trabajar en una nueva serie, La que se avecina (Telecinco), heredera directa de Aquí no hay quien viva. En ella interpretaba a Doña Charo de la Vega, una pensionista, farmacéutica aficionada, que guarda toda clase de medicamentos y que se muestra constantemente descontenta con la nueva vivienda que su yerno Enrique ha adquirido. Durante los últimos meses de rodaje la salud de la actriz se resintió, por lo que la productora decidió darle un descanso utilizando, para justificar la ausencia del personaje, el habitual recurso de "irse de vacaciones al pueblo".
La actriz falleció el 27 de agosto de 2007,a la edad de 77 años, después de una insuficiencia renal y cardíaca, producida por una septicemia ocasionada por la diabetes que padecía desde años atrás. Fue enterrada en el Cementerio de la Almudena de Madrid al día siguiente, aniversario de la muerte de su marido. Ese mismo año, a título póstumo, recibió, en el marco del Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, el premio Ciudad de Huelva, que reunió en recuerdo suyo a su hermana Terele Pávez y a su hija Emiliana, además de amigos y compañeros de profesión. María Teresa Ruiz Penella (Bilbao, 29 de julio de 1939), conocida artísticamente como Terele Pávez, es una actriz española.
Hija del político Ramón Ruiz Alonso y de Magdalena Penella Silva; nieta del compositor Manuel Penella y bisnieta del también músico Manuel Penella Raga, es hermana de las también actrices Emma Penella y Elisa Montés. Además, es tía de la actriz Emma Ozores (hija de su hermana Elisa y del actor Antonio Ozores).
Especializada en personajes temperamentales, su amplia trayectoria en cine, teatro y televisión se nutre de trabajos sonados y períodos de ausencia que le confieren un prestigio creciente y una personalidad artística excepcional e imprevisible.
Nació en Bilbao, pero creció y siempre ha vivido en Madrid, de donde se considera.
Sigue el camino emprendido por sus hermanas y pronto quiere dedicarse al mundo de la interpretación. Su voz desgarrada y cierta fama de actriz trágica la llevan a encarnar en múltiples ocasiones a la mujer que vive al borde de la miseria, resentida por la rabia y la desesperación.
Cumple doce años rodando su primera película, Novio a la vista de Luis García Berlanga, un papel que le consigue Jesús Franco, buen amigo de la familia que la dirige en Tenemos 18 años (1959). Siendo Emma y Elisa ya reputadas intérpretes, Terele toma el apellido de su abuela materna, de origen chileno, para distinguirse artísticamente. Ruedan una sola película juntas, La cuarta ventana (Julio Coll, 1963).
Destaca a la vez en teatro, a las órdenes de Miguel Narros o Adolfo Marsillach; protagoniza con éxito La casa de las Chivas y da vida a Elicia en un montaje de La Celestina. Su presencia en cine a partir de 1970 se reduce a pequeños papeles como el de Mauricia en Fortunata y Jacinta, interviniendo en series clásicas de TVE como Cañas y barro y La barraca. Trabaja también en Tatuaje, de Bigas Luna. En esa época nace su único hijo.
Tras un tiempo de menor actividad, en 1983 Mario Camus le ofrece el personaje de Régula en la película basada en la novela de Miguel Delibes Los santos inocentes, trabajo cumbre en su carrera que le reporta un reconocimiento unánime. Poco después encarna a la última mujer ajusticiada por garrote vil en El caso de las envenenadas de Valencia, capítulo de la serie La huella del crimen que dirige Pedro Olea y con el que ahonda en su potencial dramático.Hasta 1989 interviene en varias películas, entre ellas Réquiem por un campesino español, donde coincide con Antonio Banderas, y Diario de invierno, junto a Fernando Rey, que le vale una segunda candidatura a los Premios Goya.Sin embargo, vivirá unos años de cierto ostracismo a comienzos de la década de 1990. En 1995 Álex de la Iglesia recupera a Terele para el gran público en El día de la Bestia, desoyendo a los productores que la consideraban «una mujer difícil». Interpreta a una viuda «prototipo» de la España más retrógrada, que con orgullo conserva la memoria de otros tiempos en una fotografía de Tejero. En varias de sus películas, De la Iglesia logrará extraer de la actriz una vis cómica desconocida.
Gerardo Vera la llama al año siguiente para encabezar el reparto de una versión en cine de La Celestina, donde esta vez se encarga de dar vida a la alcahueta cuyas malas artes desencadenan la tragedia. La crítica se rinde a sus pies, pero curiosamente su trabajo no opta a los Premios Goya. La academia de cine español decide entonces ampliar el número de intérpretes candidatos a cuatro. Regresa al teatro en 1998 con Madre Caballo, obra de Antonio Onetti con música de Tomatito.
En 2000 consolida su creciente reaceptación en la industria con su interpretación en La comunidad (Álex de la Iglesia), en la que se dedica a perseguir por los tejados de Madrid a una Carmen Maura que se apodera de todo el dinero de un vecino fallecido. Esta vez logra entrar en la terna de los premios Goya, perdiendo frente a Julia Gutiérrez Caba.
Dos años después, se incorpora al elenco de la serie Cuéntame cómo pasó, donde encarna a una mujer de pueblo, Pura, madre de cuatro hijos y una hija muerta y viuda de un hombre fusilado por el bando nacional, resentida por el abandono de su hijo pequeño, Antonio Alcántara. Durante su estancia en Madrid, Pura consigue recordar su pasado a su propia familia a la vez que se adapta a los cambios de los nuevos tiempos. Terele es recompensada con su tercer premio de la Unión de Actores -en cuya entrega abrazó a Pilar Bardem- así como una sexta candidatura a los Fotogramas de Plata.
Posteriormente, interpreta personajes más próximos a la comedia tanto en cine como en televisión y es homenajeada por su trayectoria en los festivales cinematográficos de Fuentes de Ebro (2005), Alicante (2006) y Valencia (2008). Además, por su vinculación con la obra cumbre de Fernando de Rojas, el Ayuntamiento toledano de La Puebla de Montalbán le concede en 2008 el primer Premio Celestina.
En 2009 vuelve al teatro encabezando una comedia actual inspirada en los últimos días de la conocida como Duquesa Roja. Carmen Maura nació el 15 de septiembre de 1945 en el barrio de Chamberí en Madrid, hija de Salvador García Santa Cruz, médico oftalmólogo, y Carmen Maura Arenzana, su madre es nieta de los condes de Fuente Nueva de Arenzana y nieta de Bartolome Maura Montaner. En su niñez, tenía por vecinos en su casa de la calle Rafael Calvo al dramaturgo y escritor Edgar Neville y la actriz Conchita Montes. Acostumbraba a veranear en la zona de El Escorial desde pequeña se vio interesada por el mundo de la interpretación. Comenzó sus primeros estudios en el madrileño colegio San José de Cluny, para estudiar después Filosofía y letras, idiomas y Bellas Artes en París. Se casó con un abogado y tuvo dos hijos: Carmen y Pablo. Comenzó a trabajar en el teatro universitario como aficionada hasta el momento en el que el crítico teatral Alfredo Marquerie la vio en una obra y le aconsejó dedicarse por entero a sus dotes como actriz. En ese instante, Carmen decidió que quería ser actriz y a pesar de que tuvo muchísimos problemas personales por ello, salió adelante y comenzó a trabajar.
Eran los años sesenta y Carmen se las apañaba con trabajos en cafés, teatro, pequeños espacios televisivos y en compañías independientes de poca resonancia. Poco a poco fue progresando y le comenzaron a ofrecer pequeños papeles en el cine con películas de poca fama en los años setenta, hasta que pudo trabajar en la compañía de teatro Los goliardos, la cual tenía ya un cierto nombre y un cierto prestigio en la capital madrileña. Se empezó a relacionar con artistas cercanos a la comedia urbana de la época y a la movida madrileña como el cineasta Fernando Colomo o el fallecido actor Félix Rotaeta. Con ello vio sus primeros papeles protagonistas en el cine con películas como Tigres de papel o ¿Qué hace una chica como tú en un sitio como éste?, ambas de Colomo.
A través de "Los Goliardos" conoció al entonces aficionado al cine Pedro Almodóvar, un joven metido en la movida madrileña que trabajaba en Telefónica para realizar sus primeros pasos en el mundo del Súper 8. Entre ellos surgió una química especial que dio sus frutos con posterioridad. Realizaron juntos cortometrajes, mediometrajes y pequeñas colaboraciones de poca índole como Folle, folle, folleme Tim, hasta que Carmen, con la ayuda de Félix Rotaeta consiguieron financiar el primer largometraje de Almodóvar: Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón. Su rodaje duró más de un año por las dificultades técnicas y económicas, pero finalmente se pudo estrenar en salas comerciales y fue un verdadero éxito. El público de la movida madrileña se sintió identificado y convirtió la película en el estandarte del movimiento social de los años ochenta y se presentó en el festival de cine de San Sebastián. A pesar de que el gran público miraba a Pedro Almodóvar como un moderno desbocado y gran parte de la crítica lo observaba con cierto recelo, Pedro tuvo su primer éxito con su gente, los que habían participado en la película, algunos de ellos muy próximos a "la movida", como por ejemplo la cantante Alaska. Sus libertades a la hora de mostrar temas comprometidos como las drogas o el sexo hicieron que tuviera grandes dificultades para que se le empezara a tomar en serio dentro del cine.
Carmen Maura siguió trabajando como secundaria en películas de directores de cine poco conocidos a nivel nacional y con otros más sonados y reconocidos como Pilar Miró en La petición o en Gary Cooper, que estás en los cielos junto a la actriz Mercedes Sampietro.
A raíz de sus colaboraciones televisivas como actriz tuvo la oportunidad de conocer al fallecido periodista Fernando García Tola, el cual la contrató para que trabajara en el programa de entrevistas Esta noche. Con este programa se dio a conocer entre el público español en la década de los años ochenta y protagonizó la famosa frase que le dirigía Tola a Maura: "Nena, tu vales mucho". En el cine y en la televisión siguió desempeñando su labor como actriz, tanto dramática en El crimen de la calle Fuencarral de la serie La huella del crimen o como cómica en El Cid cabreador, ambas del fallecido cineasta Angelino Fons.
A mediados de los ochenta, Pedro Almodóvar volvió a confiar en Carmen para su película Entre tinieblas, una película arriesgada y controvertida en aspectos religiosos en la que trabajo con actrices como Julieta Serrano, Marisa Paredes, Berta Riaza o Chus Lampreave. Y unos años más tarde, Carmen y Pedro estrenaron ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, película que contó con la también colaboración de actores como Ángel de Andrés López, Chus Lampreave, Gonzálo Suárez, Amparo Soler Leal y Verónica Forqué, entre otros. En ella, Carmen Maura pudo realizar una de sus interpretaciones más logradas en el cine y a partir de ese momento, Carmen y Pedro se convirtieron por excelencia en la pareja director - actriz más prolífica del cine español. El éxito de Pedro alcanzó al público convencional y se le empezó a mirar con otros ojos y el éxito internacional empezaba a asomar la cabeza. Carmen recibió diferentes premios nacionales por su interpretación, entre los cuales destaca el Fotogramas de Plata a la mejor actriz de cine por votación de los lectores.
Carmen y Pedro realizaron otras tres películas más hasta finales de los años ochenta: Matador, rara película de suspense en la que realizó un personaje secundario junto a Nacho Martínez, Assumpta Serna y Antonio Banderas; La ley del deseo, arriesgada, libre y transgresora película que mostró por primera vez con claridad y sin prejuicios la homosexualidad, donde Carmen intrepretaba el papel de un transexual, al lado de Eusebio Poncela y Antonio Banderas como protagonistas; y finalmente, la película cumbre del tándem Almodóvar - Maura, la disparatada comedia Mujeres al borde de un ataque de nervios, en la cual Carmen volvió a deslumbrar al público y a la crítica con su interpretación. La película fue un verdadero triunfo y su éxito se disparó tanto en España como en el extranjero, llegando incluso a ser candidata al Oscar de la academia de Hollywood como mejor película de habla no inglesa. La película dio la vuelta al mundo ganando premios allá por donde iba y las carreras cinematográficas de sus actores se vieron lanzadas al éxito rotundo. Carmen logró el Premio Goya de la academia como mejor actriz protagonista y Félix como mejor actriz europea.
Pero a pesar de su éxito al lado de Pedro Almodóvar, Carmen Maura también hizo otras muchas películas durante los ochenta como por ejemplo Batón rouge de Rafael Monleón, junto a Victoria Abril y Antonio Banderas; Tata mía de José Luis Borau, con Imperio Argentina, Alfredo Landa y Miguel Rellán; o Sé infiel y no mires con quién de Fernando Trueba, junto a Ana Belén, Antonio Resines, Santiago Ramos, Verónica Forqué o Chus Lampreave. También tuvo la oportunidad de protagonizar la ópera prima de la actriz y cantante Ana Belén con la película Cómo ser mujer y no morir en el intento, basada en la novela de Carmen Rico Godoy.
Desgraciadamente, la fantástica relación profesional entre Almodóvar y la Maura se desintegró y se rompió por motivos no demasiado claros y hasta la reciente Volver no volvieron a trabajar juntos.
Carmen siguió demostrando su talento en la década de los 90, y su trabajo en otros muchos trabajos cinematográficos le valió muchísimos más éxitos. Para empezar, en el año 1990, tras la reciente ruptura con Almodóvar protagonizó la película ¡Ay, Carmela! de Carlos Saura, junto a Andrés Pajares y Gabino Diego. Ambientada durante la Guerra Civil Española, esta película fue el otro gran triunfo de Carmen junto con Mujeres al borde.... Volvió a recibir premios aquí y allá, entre ellos de nuevo el premio Goya y el Félix. La película estuvo considerada como la mejor del cine de Saura y batió un record en la historia de los premios Goya que duraría hasta el año 2004 con Mar adentro.
Durante toda la década de los años noventa, Carmen no paró de realizar largometrajes tanto en España como en el extranjero, donde su prestigio había llegado con gran fortuna, especialmente en Francia, donde sus trabajos fueron muy reconocidos. Llegó incluso a ser candidata en los Premios César (los "Goya" franceses), como mejor actriz de reparto por la película La alegría está en el campo y fue condecorada con el título de caballero de honor de las artes y las letras de Francia. Su éxito se trasladó a otros países como Italia, Inglaterra y a la zona de Hispanoamérica, pasando por Chile y Argentina. Pero aun así, ella siempre dio prioridad a los trabajos que venían de España.
A pesar de tener una mayor predilección a las comedias, sus papeles dramáticos fueron los que más logros le dieron. Papeles como los de Sombras en una batalla de Mario Camus (1993) o Lisboa de Antonio Hernández (1999), películas por las que fue nominada al Goya como actriz protagonista. Pero sin duda alguna, su tercer gran triunfo en su carrera fue su papel en La comunidad de Álex de la Iglesia en el año 2000. En esta película compartió reparto con Emilio Gutiérrez Caba, Terele Pávez y Sancho Gracia pero sobre todo le hizo frente a un difícil protagonismo que le dio más que satisfacciones: su tercer Goya, la Concha de Plata a la mejor actriz en San Sebastián, el fotogramas de plata, el premio de la Unión de actores,...
Durante la década de los años noventa también experimentó otros registros en otros ámbitos como el teatro, del cual se había apartado desde sus comienzos. En este ámbito trabajó en Francia, y aunque también trabajó en televisión en la serie A las once en casa, con Antonio Resines y Ana Obregón, ella siempre prefirió el cine. En este ámbito siguió trabajando en la comedia, su género preferido, en películas como Reinas de Manuel Gómez Pereira, junto a actrices como Verónica Forqué, Mercedes Sampietro y Marisa Paredes o Carretera y manta, con Eduardo Noriega y Natalia Verbeke. Pero no dejo a un lado el drama, género en el que hizo películas como Clara y Elena, con Verónica Forqué y Jorge Sanz; La promesa, de Héctor Carré junto a Ana Fernández; o 25 grados en invierno, una producción belga que triunfo en Berlín. También realizó una miniserie de épocas para TVE basada en la obra de Vicente Blasco Ibáñez Arroz y tartana, desarrollada en la Valencia del siglo XIX y en la que pudo trabajar con José Sancho y Eloy Azorín.
Como actriz activa en el cine francés, Carmen Maura también tuvo el honor de trabajar al lado de Gérard Depardieu en la película de suspense Silencio pactado. Entre sus trabajos en el extranjero, se podrían destacar la sentimental película de Alejandro Agresti El sueño de Valentín, la chilena El entusiasmo junto a Maribel Verdú, Zona libre, película en la que trabajo con la prometedora actriz norteamericana Natalie Portman, o El harén de madame Osmane, una producción israelí.
En 2006 protagonizó el reencuentro más esperado del cine español: Pedro Almodóvar y ella se volvieron a unir en el rodaje de Volver, película en la que ha trabajado con Penélope Cruz, Blanca Portillo, Lola Dueñas, Yohana Cobo y Chus Lampreave, actrices con las que compartió el premio a la mejor interpretación femenina en el Festival de Cannes.
Posteriormente rodó la serie Círculo rojo, junto con María Adánez, Emilio Gutiérrez Caba y María Botto entre otros, emitiéndose en Antena 3.
Fue la madrina de la edición del año 2007 del 'Madrid de Cine – Spanish Film Screenings', inaugurado por ella el día 4 de junio del mismo año.
En abril de 2008, fue convocada por Francis Ford Coppola para participar en su próximo proyecto, Tetro, en sustitución de Javier Bardem, quien tuvo que renunciar a su papel por problemas de agenda. Para hacer posible esta sustitución, Coppola modificó el papel pensado para Bardem en un personaje femenino apto para Maura. Además, durante los cambios que él hace siempre en el guión en el periodo de filmación, se dio cuenta de que el personaje aportaría más a la película si fuera una mujer, en vez de un hombre.
Carmen Maura forma parte de la Dinastía Maura. Es bisnieta de Bartolomé Maura Montaner, que fue uno de los más exquisitos grabadores de su época y hermano de Antonio Maura. María Luisa Merlo Colomina (Valencia, 6 de septiembre de 1941) es una actriz española.
Hija de los actores Ismael Merlo y María Luisa Colomina, continuó la tradición artística familiar desde muy joven, debutando como bailarina en el espectáculo Te espero en Eslava, de Luis Escobar. Estuvo casada con Carlos Larrañaga durante 16 años, se divorciaron en 1975. Con él ha tenido 3 hijos: Amparo, Luis y Pedro. Más tarde se casó con Michael Kenton.
Debuta en el cine en 1959, de la mano de José María Forqué en la película De espaldas a la puerta. Seguirían otros títulos durante la primera mitad de los años sesenta, como Siempre es domingo (1961), de Fernando Palacios, Cuidado con las personas formales (1961), de Agustín Palacios o Más bonita que ninguna (1965), de Luis César Amadori, con Rocío Dúrcal.
Sin embargo, a partir de 1965 se centra en su carreras teatral y televisiva.
En 2009 participará en la serie de Antena 3, Cómplices.
Desde mediados de los años sesenta se convierte en un rostro habitual de Televisión española, interpretando decenas de papeles en Primera fila, Novela o Estudio 1
Además, en 1973 protagonizó junto al que entonces era su marido Carlos Larrañaga la comedia Compañera te doy, también para TVE; 13 años más tarde encarnó a Rosa, la madre de Julia, interpretada por su hija en la vida real Amparo Larrañaga en la serie Media Naranja; y en 2006 hizo lo propio con su otro hijo Luis Merlo dando vida a Leonor, la madre de Mauri, en Aquí no hay quien viva.
También ha intervenido en las series Aquí hay negocio (1995), Luna negra (2003), Mis adorables vecinos (2004), Supervillanos (2006) y Los Serrano (2008).
A finales de 2007 participó en la sexta edición del concurso de televisión ¡Mira quién baila!. Carlos Larrañaga Nació en Barcelona, España, en 1937. Hijo de la actriz María Fernanda Ladrón de Guevara y hermano de la actriz Amparo Rivelles.
Proviene de familia de actores, por eso con tan sólo cuatro años debuta en la película Alma de Dios, de Ignacio Iquino.
Aparece desde muy joven en el teatro y en apariciones televisivas en Cuba, donde se instala con su familia. A su regreso a España se incorpora en el cine, siempre haciendo papeles de galán.
Además de tener una filmografía muy extensa a sus espaldas, su actividad se ha centrado en otros campos como el teatro y la televisión.
En 1950 participa en la película Pequeñeces, de Juan de Orduña. Entre las cintas en las que aparece están: Ha llegado un ángel (1961), de Luis Lucía, y Las verdes praderas (1979), de José Luis Garci, película por la que ganó su primera Medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos, en 1979. La segunda la ganó de nuevo con Garci, con la película Luz de Domingo (2007), además de una nominación a los Premios Goya.Como director teatral ha dirigido, entre otras obras, La tercera palabra, Pato a la naranja, Casado de día... soltero de noche, ¿Qué tal cariño?, Y ahora ¿qué?, de Santiago Moncada.
En televisión, destacan su papel principal en Los gozos y las sombras y el que tuvo en la serie Farmacia de guardia, dirigida por Antonio Mercero, con Concha Cuetos.
En 2009 y tras 18 años, vuelve a interpretar el personaje de Adolfo Segura, protagonista de la serie de mayor éxito en España, Farmacia de guardia para la cadena Antena 3, que celebra su 20 años de emisión.Se casó con la actriz María Luisa Merlo con quien tuvo cuatro hijos: Luis, Amparo, Juan Carlos Kako y Pedro, casado con la actriz Maribel Verdú.
En 1999 se separa de Ana Diosdado. Posteriormente mantuvo una relación con María Teresa Ortiz, con quien se casó en 2000. Tras separarse de nuevo en 2007 se vuelve a casar, esta vez con la actriz Ana Escribano y nace su primera hija en común, Paula. Tras dos años de matrimonio, la pareja se separa. Ismael Merlo Piquer (Valencia, 1 de septiembre de 1918 - † Madrid, 10 de septiembre de 1984) fue un actor español.
Nació en el seno de una familia de artistas, siendo sus padres los actores Abelardo Merlo y Amparo Piquer. Su primera actuación sobre las tablas fue en 1934 en el Teatro Ruzafa de Valencia, con la obra La vuelta al mundo en ochenta días, de Julio Verne, que puso en escena la Compañía de Teatro de Enrique Rambal padre. Durante los siguientes años continuó actuando en teatro, y finalizada la Guerra Civil, se incorpora a la Compañía de Isabel Garcés.
Debuta en el cine en 1941, con la película Polizón a bordo, de Florián Rey. Tras intervenir en otros seis títulos, en 1943 regresa al teatro, formando su propia compañía, junto a Milagros Pérez de León. Durante esos años, interpreta obras como La vida en un bloc, Usted puede ser un asesino, Cuatro y Ernesto, Estado civil, Marta y Ninette y un señor de Murcia.
Con la llegada de la televisión a España, en 1956, se integra en la plantilla de actores de Televisión española, y durante casi tres décadas llega a interpretar más de cincuenta personajes en espacios dramáticos como Estudio 1, además de protagonizar la serie El señor Villanueva y su gente (1979), junto a Lola Herrera y Amelia de la Torre.
Su carrera cinematográfica fue menos prolífica que la televisiva o la teatral, y trabajó en películas de Carlos Saura, Pedro Lazaga, Adolfo Marsillach, Pedro Masó, José Luis Borau y José María Forqué.En teatro continuó trabajando casi hasta el momento de su muerte, destacando en obras como Petra Regalada, de Antonio Gala, El Grito o Diálogo Secreto, de Antonio Buero Vallejo (que interpretaba en Madrid, hasta pocos días antes de su fallecimiento junto a su segunda esposa Vicky Lagos).Transmitió la tradición artística familiar, con su hija María Luisa Merlo (de su matrimonio con María Luisa Colomina, con la que se casó en 1940) y sus nietos Amparo Larrañaga y Luis Merlo. Victoria Vera (n. 19 de febrero de 1956) Actriz española. Su verdadero nombre es Victoria Pérez Díaz. Comenzó su carrera artística a finales de la dictadura siendo considerada la musa de la transición. Durante los años 80 protagonizó algunas de las películas más significativas del cine español como Asignatura aprobada (Nominada al Oscar a la Mejor Película Extranjera en 1988), y a partir de la década de los 90 su trabajo se ha centrado más en el mundo de la televisión y del teatro.A los cinco años comienza a estudiar ballet clásico, y a los doce inicia sus estudios de interpretación en la Escuela Oficial de Cinematografía y el Teatro Estudio de Madrid, debutando a principios de los 70 en los escenarios y trabajando más tarde con el Teatro Experimental Independiente.
En el teatro, como actriz profesional, debutó interpretando a Ana en el papel protagonista del Diario de Ana Frank. En 1972 tiene lugar su primera aparición en el cine en la película El mundo dentro de tres días.
Fue la primera actriz en rebelarse contra la censura, protagonizando el primer desnudo integral sobre las tablas de un escenario al desprenderse del imperdible que sujetaba la túnica sobre su escote en la obra ¿Por qué corres Ulises?.
Toda una carrera llena de interpretaciones inolvidables, ha sido siempre una referencia de libertad, por lo que se la considera la musa de la transición.
Hablar de Victoria Vera es hablar de profesionalidad, talento,elegancia y belleza unidos.
Esta extraordinaria actriz deleita con su excelente interpretacióny demuestra lo que es actuar en mayúsculas.Su fama es bien conocida y poco es lo que se puede añadir a su extenso y variado currículum que público y profesionales no conozcan.
Credibilidad, sensualidad y capacidad camaleónica, sonalgunas de las cualidades que definen fielmente a estaexcelente artista.Sus dotes interpretativas dan autenticidad y verosímiltud a suspersonajes, llenando al publico de emociones inolvidables consus brillantes, personales e innovadoras actuaciones.Las criticas avalan a Victoria Vera como uno de esos fenómenosque aparecen una vez en el tiempo, unica por su singularpersonalidad e independencia.
Victoria Vera se convierte en una diosa en los escenarios y es una mujer encantadora y sincera cuando cae el telon.

Victoria Mérida Rojas (Madrid, 4 de julio de 1959), conocida artísticamente como Victoria Abril, es una actriz y cantante española.
Nacio en 1959 y crecio entre Málaga y Madrid. Desde pequeña se interesa por la danza y estudia ballet clásico. Con quince años encamina sus pasos hacia el cine, debutando como actriz en la película Obsesión, de Francisco Lara Polop.
En 1975 aparece brevemente en Robin y Marian, protagonizada por Sean Connery y Audrey Hepburn. Le siguen El puente, de Juan Antonio Bardem y El hombre que supo amar, de Miguel Picazo.
Sin embargo, conoce la popularidad al convertirse en secretaria del concurso Un, dos, tres... responda otra vez, diseñado por Narciso Ibáñez Serrador para Televisión Española.
En 1977 interpreta el papel principal de Cambio de sexo, rechazado previamente por Ángela Molina. Inicia así una fructífera colaboración con Vicente Aranda, para quien protagonizará algunas de sus películas más relevantes, entre ellas La muchacha de las bragas de oro (1980), Tiempo de silencio (1986), El Lute: camina o revienta (1987), Amantes (1991) y Libertarias (1996). En algunos repartos coincide con Imanol Arias, Jorge Sanz o Antonio Banderas.
Además, trabaja con asiduidad en Italia y especialmente en Francia, siendo candidata al Premio César en dos ocasiones y estableciendo allí su residencia. Cimenta así una de las carreras interpretativas más brillantes del cine español, en la que tienen cabida directores como Mario Camus (La colmena), Jaime Chávarri (Las bicicletas son para el verano), Manuel Gutiérrez Aragón (La noche más hermosa), Pedro Almodóvar (¡Átame!, Tacones lejanos, Kika) o Carlos Saura (El séptimo día).
Victoria Abril y Pedro Almodóvar en 1993.Con El Lute consigue su primera Concha de Plata a la mejor actriz en el Festival de San Sebastián y por su trabajo en Amantes recibe el equivalente Oso de Plata en el Festival de Berlín. Candidata en nueve ocasiones (seis consecutivas) al Premio Goya, sólo se impone en 1995 por Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto, de Agustín Díaz Yanes, con quien vuelve a colaborar en Sin noticias de Dios (2001) y Sólo quiero caminar (2008).
Su incursión en Hollywood, con la película Jimmy Hollywood de Barry Levinson, no resulta demasiado productiva. Rechaza entonces el papel protagonista de La pasión turca, que luego recae en Ana Belén.
En televisión aparece en series como La barraca (1979) o Los pazos de Ulloa (1985), así como a las órdenes de Vicente Aranda en un capítulo de La huella del crimen (El crimen del Capitán Sánchez, 1985) y en Los jinetes del alba (1991).
Desde 2005 prueba suerte en la música con la publicación de un disco de clásicos de la bossa nova (Putcheros do Brasil) y realizando giras de conciertos con canciones en portugués, francés y castellano.
Victoria Abril tiene dos hijos de su unión con el cineasta francés Gérard de Battista.
Penélope Cruz Sánchez (Alcobendas, 28 de abril de 1974) es una actriz española dedicada a papeles de cine. Su filmografía incluye múltiples películas en lengua española y un número creciente en otros idiomas: inglés, italiano y francés. Varias de estas producciones han alcanzado un éxito considerable en Europa y América, y han proporcionado a la actriz grandes premios de carácter nacional e internacional: tres Premios Goya, un Premio BAFTA británico, el Premio David de Donatello italiano y el Óscar.
Penélope Cruz es la única actriz española que ha conseguido estabilizarse y trabajar con continuidad en Hollywood. En 2006 fue la primera actriz española candidata a los Premios Óscar de la Academia de Hollywood y a los Globos de Oro en la categoría de mejor intérprete femenina protagonista, por su papel en la película española Volver, dirigida por el cineasta español Pedro Almodóvar. En esa ocasión no obtuvo el Óscar, pero en 2008 repitió candidatura y esta vez con éxito: se convirtió en la primera actriz española en conseguir un Óscar gracias a la película Vicky Cristina Barcelona dirigida por Woody Allen.Con esta película ganó además el premio BAFTA y su tercer Goya, y fue nominada a los Globos de Oro y al Screen Actors Guild. Penélope volvió a ser nominada al Oscar como Mejor Actriz Secundaria en 2010 por su papel en "Nine".Penélope Cruz nació en una familia de Alcobendas (Madrid), formada por Eduardo Cruz, un comerciante que trabajaba en un concesionario de automóviles y proveniente de Alconchel (Extremadura), y Encarna Sánchez, una andaluza que regentaba una peluquería. Es mayor que sus dos hermanos: Mónica Cruz, también actriz (de televisión) y Eduardo Cruz, cantante y músico de éxito en Latinoamérica.
De pequeña asistió al colegio Juan XXIII. Pronto se sintió atraída por el mundo del arte y la interpretación y, especialmente desde el momento en el que vio la película ¡Átame! de Pedro Almodóvar protagonizada por Victoria Abril, cuando solo tenia dieciseis años. A partir de ese momento decidió ser actriz para poder llegar a cumplir un sueño: trabajar algún día con Pedro Almodóvar. Recibió nueve años de aprendizaje de ballet clásico en el Conservatorio Nacional de Madrid, cuatro años de mejora de la danza en diversos cursos en la Escuela Cristina Rota en Nueva York y tres años de ballet español con Ángela Garrido. También realizó cursos de baile de jazz con Raúl Caballero. Paralelamente estudió interpretación y se presentó a multitud de pruebas y castings para poder comenzar a trabajar en el cine como actriz.
La primera aparición interpretativa de Penélope Cruz fue en el videoclip de la canción La fuerza del destino del grupo pop por excelencia de la época: Mecano.[2] Tras una exhaustiva búsqueda entre más de 200 muchachas, Penélope quedó seleccionada para ser la protagonista de la canción del mítico grupo musical. Posteriormente inició una larga relación con el integrante del grupo Nacho Cano.
Tras ello le surgió la oportunidad de presentar La quinta marcha en Tele 5, un programa de televisión orientado a adolescentes donde coincidió con Jesús Vázquez. Dicha participación le sirvió para acercarse al medio televisivo y posteriormente trabajó en un episodio de la serie de TVE "Serie Rosa" dirigida por Jaime Chavarri y otros componentes.
La primera película de Penélope Cruz fue El laberinto griego en 1990 pero su debut cinematográfico oficial se considera que fue con Jamón, jamón del director Bigas Luna en 1992, después de ser elegida por dicho director entre multitud de actrices. De esta película, rodada gran parte en Los Monegros (Zaragoza, Aragón), la actriz salió potenciada como una sex-symbol atractiva y sensual debido al contenido erótico que tienen las películas de Bigas Luna. En ella compartió protagonismo con los también por entonces principiantes Javier Bardem y Jordi Mollá. Con esta película fue nominada en la VII edición de los Premios Goya de la academia del cine español como actriz protagonista y al Fotogramas de Plata a la mejor actriz de cine.
En 1992 también trabaja en un episodio de la serie "FRAMED" protagonizada por Timothy Dalton, en la que interpreta el papel de Lola Del Moreno y en Belle Époque de Fernando Trueba, película rodada gran parte en Portugal, que ganó el Premio Óscar a la mejor película de habla no inglesa en 1993, segunda producción española en obtenerlo después de Volver a empezar de José Luis Garci en 1983. En ella compartió reparto con actores como Ariadna Gil, Jorge Sanz, Agustín González, Chus Lampreave o Fernando Fernán Gómez entre muchos otros. Esta película, ganadora de nueve galardones en la VII edición de los Premios Goya de la academia española, se desarrolla durante la Segunda República en los años treinta. En ella Penélope interpretó a una cándida e ingenua muchacha, personaje que le sirvió para huir de su imagen erótica de Jamón, jamón y con el que estuvo nominada al Fotogramas de Plata como mejor actriz de cine.
Tras estas dos películas, con Penélope Cruz nació una nueva promesa del cine español que durante la primera parte de la década de los noventa no paró de trabajar en películas como Por amor, sólo por amor, La rebelde, Todo es mentira, Entre rojas, Allegro ma non troppo, Hablando con los ángeles o El efecto mariposa entre otras. Con todas ellas tuvo contacto con diversos profesionales de nuestro cine y poco a poco su carrera como actriz cinematográfica en España se consolidaba cada vez más.
En 1996 le surgieron dos grandes oportunidades: protagonizar La Celestina, dirigida por Gerardo Vera, en la que trabajó con Terele Pávez, Juan Diego Botto y Maribel Verdú entre otros actores y la comedia romántica El amor perjudica seriamente la salud, de Manuel Gómez Pereira. Con esta película, se consagró definitivamente en el cine español. Esta tuvo mucho éxito de público y crítica, y levantó además mucha expectación ya que fue pionera en el cine español incluyendo a los actores entre imágenes históricas antiguas (siguiendo el ejemplo de Forrest Gump) y debido también a que se utilizaron cuatro intérpretes para los dos personajes principales. Juanjo Puigcorbé y Gabino Diego hicieron el papel masculino de adulto y de joven y Penélope Cruz hizo de joven el papel que de adulta interpretó la cantante y actriz Ana Belén.
Durante muchos años se negó a rodar escenas desnuda, motivo por el cual rechazó los papeles de Días contados, Un paseo por las nubes y Tierra, entre otros. Desde Jamón, jamón no volvimos a verla desnuda hasta Abre los ojos.
Maribel Verdù Nació el 2 de octubre de 1970 en Madrid. Comenzó su carrera a los trece años de edad apareciendo en varios anuncios de publicidad. Ha actuado en más de 60 películas, la mayoría de ellas españolas, así como en varias series de televisión.
Dejó los estudios a los quince años para poder dedicarse de pleno a su carrera.
Su primera experiencia la tuvo como modelo en spots y catálogos de moda de conocidas firmas comerciales. Su primera oportunidad en televisión se la dio Vicente Aranda con "El crimen del capitán Sánchez" con tan solo 13 años.
Fue con 27 horas de Montxo Armendáriz, donde interpretaba a una chica drogadicta, una de las experiencias más fuertes que le ha tocado vivir, con la que se empezó a hacer notar. Poco después, vinieron películas tan importantes como La estanquera de Vallecas de Eloy de la Iglesia y El año de las luces de Fernando Trueba.
Según dijo ella misma su papel en Amantes de Vicente Aranda, marca un antes y un después en su carrera cinematográfica y ha supuesto su madurez como intérprete. A partir de entonces, ha trabajado con los mejores directores españoles: José Luis Garci en Canción de cuna, Bigas Luna en Huevos de oro, de nuevo Trueba en la oscarizada Belle Époque, Emilio Martínez-Lázaro en Carreteras secundarias, Carlos Saura en Goya en Burdeos, Gonzalo Suárez en El portero y Oviedo Express, entre otros. En el ámbito internacional, destaca su papel protagonista en Y tu mamá también de Alfonso Cuarón, a la que seguiría El laberinto del fauno de Guillermo del Toro. Tras esta película, Maribel ha sido invitada a formar parte de la Academia de Hollywood.
En el teatro debutó en 1986 con el personaje de Julieta y desde entonces ha simultaneado cine y teatro. También ha intervenido en diversas series de televisión como Turno de oficio, Segunda enseñanza, etc.
Maribel Verdú ha estado nominada al Goya en seis ocasiones. Su primera nominación vino de la mano de Vicente Aranda con Amantes, perdiendo el premio frente a Sílvia Munt por su interpretación en Alas de mariposa. Su siguiente nominación fue como actriz de reparto por La celestina de Gerardo Vera, perdiendo frente a la veterana Mari Carrillo por Más allá del jardín. Con La buena estrella, de Ricardo Franco, logró su tercera diana, de nuevo perdiendo frente a Cecilia Roth en Martín Hache. En 2006 logró la cuarta, con El laberinto del fauno de Guillermo del Toro, perdiendo en esta ocasión frente a Penélope Cruz. Finalmente, y en su quinta nominación, Maribel ha logrado el premio por Siete mesas de billar francés de Gracia Querejeta. Además del Goya, Maribel posee dos premios Ondas y dos Fotogramas de Plata (de entre siete nominaciones) como mejor actriz de televisión por la serie Canguros y como mejor actriz por Los girasoles ciegos de José Luis Cuerda, por la que obtuvo su sexta y última nominación al Goya hasta la fecha. El círculo de escritores cinematográficos españoles también la ha premiado como mejor actriz en 1998 por La buena estrella y en 2008 por Siete mesas de billar francés.
Es además la única actriz española que ha ganado el premio Ariel a la mejor actriz en México por El laberinto del fauno.
Maribel Verdú también ha estado cerca de grandes premios en Festivales de cine categoría A, como Berlín, cuando en 1991, su compáñera de reparto Victoria Abril, se alzaba con el Oso de Plata a la mejor actriz por Amantes. En 2007, y en San Sebastián, también vio como otra compañera protagonista de reparto Blanca Portillo se llevaba la Concha de Plata a mejor actriz por Siete mesas de billar francés, quedando ella, de nuevo, sin premio.
En junio de 2009 ha estrenado la nueva película del director Francis Ford Coppola, Tetro, junto a Vincent Gallo y a Carmen Maura.
En octubre de 2008 empezó a representar la obra de teatro de Yasmina Reza, Un dios salvaje, junto a Aitana Sánchez-Gijón, Pere Ponce y Antonio Molero, y que ha sido todo un éxito de público y crítica.
Su carrera cinematográfica se ha visto recompensada además con la Medalla de Oro de la Academia Española de Cine y con el Premio Nacional de Cinematografía, convirtiéndose en la sexta actriz que lo logra tras Carmen Maura, Rafaela Aparicio, María Luisa Ponte, Marisa Paredes y Mercedes Sampietro.
A mediados de noviembre de 2009 se anuncia que recibirá el Premio Luis Buñuel junto a Daniel Giménez Cacho en reconocimiento a su trayectoria, durante la segunda edición de la Muestra de Cine Español en México, a celebrarse del 26 de noviembre al 3 de diciembre.Está casada desde 1999 con Pedro Larrañaga, hijo de los actores Carlos Larrañaga y María Luisa Merlo y hermano de los también actores Luis Merlo y Amparo Larrañaga.
Su comida preferida es el arroz blanco con ajo y su bebida el cava. Confiesa que Vicente Aranda es el director nacional que más le gusta y en el plano internacional destaca a Sydney Pollack. Entre sus aficiones se encuentra la lectura y escuchar música.
Aitana Sánchez-Gijón Nació en Roma el 5 de noviembre de 1968. Su nombre fue tomado de Aitana, la hija de Rafael Alberti, siendo dicha hija su madrina de bautismo (y el cual le dedicó un poema, Aitana, niña nueva). También es prima de Pablo Carbonell.
Debutó en televisión en la serie Segunda enseñanza, de Pedro Masó, con tan sólo 16 años. Luego hizo pequeños papeles el cine, hasta que llegó la película que la dio a conocer, Bajarse al moro, de Fernando Colomo (1988).
Su primer papel protagonista fue en Vientos de cólera de Pedro de la Sota que le valió el Premio Paco Rabal a la mejor actriz en la Semana del cine español de Murcia.
En 1999 fue nombrada presidenta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España sustituyendo a José Luis Borau.
1995 es sin duda su año más prolífico, al tener en cartelera cuatro películas y una serie de televisión: Baltasar el castrado, Boca a boca, La ley de la frontera, Un paseo por las nubes (A walk in the clouds) junto a Keanu Reeves y La regenta, además de estrenar la obra de teatro La gata sobre el tejado de zinc, de Tennessee Williams, junto a Carmelo Gómez, que sería sustituido más tarde por Toni Cantó. Ha repetido con Carmelo Gómez, en La carta esférica, filme de Imanol Uribe según una novela de Arturo Pérez-Reverte.
María Luisa Ponte Mancini (Medina de Rioseco, Valladolid, 21 de junio de 1918 - Aranjuez, Madrid, 2 de mayo de 1996) fue una actriz española de reconocido prestigio que participó en numerosas películas, obras de teatro y series de televisión.
Hija de los actores Enrique Ponte y Haydée Mancini Puggi, nació en plena gira teatral y con tan sólo seis meses de edad subió por primera vez a un escenario. Se dedicó profesionalmente a la interpretación desde los catorce años y en lo sucesivo centró su actividad en el teatro, incorporándose a la compañía de su padre e interviniendo en montajes de La malquerida, Casa de muñecas o Ni el amor ni el mar. La Guerra Civil sobrevino a la joven actriz mientras trabajaba en Pola de Siero (Asturias), donde pereció su equipaje.
Otras obras que interpretó fueron Panorama desde el puente, de Arthur Miller; Numancia, de Cervantes, dirigida por Miguel Narros; El rufián Castrucho, de Lope de Vega, también dirigida por Narros, así como Un enemigo del pueblo, de Henrik Ibsen.
En 1961 estrenó en el Teatro María Guerrero la obra El anzuelo de Fenisa, de Lope de Vega. Desde entonces y entre otras: Ocho mujeres, de Robert Thomas; Calígula, de Albert Camus; Luces de bohemia, de Valle Inclán; Maribel y la extraña familia, de Miguel Mihura; Las bicicletas son para el verano, de Fernando Fernán Gómez y Bajarse al moro, de José Luis Alonso de Santos.
Su voz potente, su fuerza y carácter, hacen de ella una intérprete popular y reconocible. Su primera película data de 1952 y a lo largo de las siguientes tres décadas se consolidó como una de las actrices más destacadas de los repartos cinematográficos. A menudo sus personajes responden a un estereotipo de mujer amargada, hipócrita o antipática. En su amplísima trayectoria caben grandes títulos del cine español como El pisito y El cochecito, de Marco Ferreri; El verdugo, de Luis García Berlanga; El extraño viaje y El viaje a ninguna parte, de Fernando Fernán Gómez; Camada negra, de Manuel Gutiérrez Aragón o La colmena, de Mario Camus.
También en televisión desarrolló una carrera notable, destacando su participación en Fortunata y Jacinta, Farmacia de guardia y La Regenta.
Mantuvo su actividad profesional hasta poco antes de su muerte en 1996, recibiendo el premio Goya por su última película en enero de 1995.
Tuvo una hija antes de enviudar del actor José Luis López de Rueda. Se unió sentimentalmente al también actor Agustín González entre 1954 y 1986.
Laly Soldevila (Barcelona; 25 de julio de 1933 - Madrid; 12 de septiembre de 1979); actriz española.
Eulalia Soldevila nació el 25 de julio de 1933 en Barcelona. Su primera formación artística la adquirió en el Teatro Español Universitario. En su carrera en el teatro obtuvo grandes triunfos en obras como "La Celestina", "La carroza de plomo candente", "El realquilado", "Te espero en el Eslava", "Las criadas" y "Sabor a miel". Con una voz muy característica, se hizo muy popular por sus papeles cinematográficos, poniendo de relieve su gran vis cómica, aunque también interpretó con igual profundidad papeles dramáticos. Entre otras películas, trabajó en "La gran familia", "¡Vivan los novios!" —uno de sus papeles más recordados junto a José Luis López Vázquez—, "El espíritu de la colmena" y "La escopeta nacional".
En televisión, trabajó junto a Julia Martínez en la serie La casa de los Martínez y apareció en un anuncio muy popular de detergentes como la Tía Felisa.
Falleció de cáncer en Madrid, el 12 de septiembre de 1979, con apenas 46 años de edad. Fue enterrada en el Cementerio Sur de Madrid.
Sus peliculas fueron:Tres de la Cruz Roja (1961) La gran familia (1962) La tía Tula (1964) No somos de piedra (1967) Los chicos con las chicas (1962) ¡Vivan los novios! (1969) Guapo Heredero Busca Esposa (1972) Ligue Story (1972) Don Quijote Cabalga de Nuevo (1973) El espíritu de la colmena (1973) Tocata y fuga de Lolita (1974) La escopeta nacional (1977) Sonámbulos (1977).
Concha Cuetos Se inicia en el mundo del espectáculos a principios de los años sesenta participando en el programa Escala en hi-fi que se emitía por Televisión española con dirección de Fernando García de la Vega y en el que, mediante la técnica de play-back, actores desconocidos ponían su imagen a las voces de cantantes consagrados.
Bajo el nombre artístico de Conchita Cuetos, sus primeros años profesionales estuvieron estrechamente vinculados a televisión y, salvo un pequeño papel en una película de 1962, no trabaja en cine hasta 1974 con la cinta Los cazadores de Peter Collison. Hasta entonces, y durante toda la década anterior, interpreta decenas de papeles en los múltiples espacios dramáticos que la televisión del momento emite a diario: Coincide con Ibáñez Serrador en algunos episodios de Tras la puerta cerrada (1965) e Historias para no dormir (1966-1967); participa en series como Tengo un libro en las manos (1966), Hermenegildo Pérez, para servirle (1966), - donde coincide por primera vez con Carlos Larrañaga -, Hora Once (1971) o Historias de Juan Español (1973). Además, en Estudio 1, realiza entre otras, las obras El perro del hortelano (1966), La herida del tiempo (1967) o La herida luminosa (1968).
A partir de la segunda mitad de los años setenta disminuye su presencia en los platós de TVE, y su carrera cinematográfica no termina de despegar: entre 1975 y 1985 rueda tan sólo cinco películas, entre las cuales Los pájaros de Baden-Baden (1975), de Mario Camus y Largo retorno (1975), de Pedro Lazaga. En esa época centra su actividad artística en el teatro.
Su carrera, en los años ochenta se mantiene en un plano discreto y participa como secundaria en las series Verano Azul (1981) - en la que interpreta a Pilar, la madre de Desi (Cristina Torres) y, en uno de los episodios, esposa de Carlos Larrañaga - y Don Baldomero y su gente (1982), vehículo para el lucimiento de Luis Escobar.
Sin embargo, a partir de 1986 recupera popularidad al protagonizar la serie de enorme éxito Tristeza de amor, de su marido Manuel Ripoll, junto a Alfredo Landa.
En los siguientes años, interviene en algunas películas de escaso relieve, hasta que en 1991 Antonio Mercero, a la vista de la imposibilidad de Concha Velasco de asumir el personaje, le atribuye el papel protagonista en la serie de mayor éxito de la televisión de España en los años noventa: Farmacia de guardia en Antena 3. Así, durante cuatro años, Concha Cuetos se transforma en la boticaria Lourdes Cano y se gana de nuevo el respeto de la crítica y el cariño del público. Por segunda vez interpretaba a la esposa de Carlos Larrañaga.
Tras la popularidad y el reconocimiento que le supone la serie, sus siguientes papeles no han destacado especialmente en el panorama artístico. Ha rodado algunas películas menores y ha interpretado personajes secundarios en series como En plena forma (1997), con Alfredo Landa, Jacinto Durante, representante (2000) o Divinos (2006).
En 2007 interpreta en teatro la obra Llama un inspector, de J.B. Priestley.
En 2009 y tras 18 años, vuelve a interpretar el personaje de Lourdes Cano, protagonista de la serie de mayor éxito en España, Farmacia de guardia para la tv movie del mismo nombre que graba Antena3 para celebrar los 20 años de la cadena.
Agustín González Martínez (Madrid, 24 de marzo de 1930 - ibid., 16 de enero de 2005) fue un actor español.
Nació en Madrid en 1930. Comenzó las carreras de aparejador, perito industrial y Filosofía y Letras, aunque su afición a la interpretación hizo que abandonara los estudios para integrarse en el Teatro Español Universitario, donde permaneció varios años durante su etapa de estudiante.
En 1953 debutó en el teatro con un pequeño papel en Escuadra hacia la muerte. Al año siguiente apareció en su primera película, Felices pascuas, de Juan Antonio Bardem, llegando a convertirse en secundario de lujo en más de ciento cincuenta películas a lo largo de una brillante trayectoria cinematográfica que en la década de 1980 le reportó importantes éxitos.
Entre sus principales títulos: Plácido y la trilogía La escopeta nacional, Patrimonio nacional y Nacional III, de Luis García Berlanga; La colmena y Los santos inocentes, de Mario Camus; Belle Époque, de Fernando Trueba y Volver a empezar, El abuelo, Historia de un beso y Tiovivo c.1950 (su última película), de José Luis Garci. Adquirió mayor protagonismo en Las bicicletas son para el verano (1984), adaptación de Jaime Chávarri de la obra homónima de Fernando Fernán Gómez que ya interpretara en escena. Tal era su ritmo de trabajo que hubo años en los que apareció hasta en doce películas y fue candidato al Premio Goya al mejor actor de reparto en cuatro ocasiones.
Su participación en series de televisión como Cervantes, Cuentos imposibles, Los ladrones van a la oficina y Éste es mi barrio, entre otras, acercó su figura, más si cabe, al público.
En teatro trabajó como protagonista junto a Berta Riaza en Todos eran mis hijos, de Arthur Miller, que fue llevada a Buenos Aires en agosto de 1988. En 1990 protagonizó junto a María Asquerino El león en invierno, de James Goldman, obra que refleja las luchas entre Enrique II y Leonor de Aquitania. Otros dramas que representó fueron Luces de bohemia, de Valle Inclán; Irene o el tesoro, de Antonio Buero Vallejo; El rufián castrucho, de Lope de Vega; Las mocedades del Cid, de Guillén de Castro; El burlador de Sevilla, de Tirso de Molina o En la red, de Alfonso Sastre. También obras de autores extranjeros como Los emigrados, de Sławomir Mrożek, que interpretó con José María Rodero, o Trampa para un hombre solo, original de Robert Thomas.
En noviembre de 2004 estrenó el montaje Tres hombres y un destino junto a José Luis López Vázquez y Manuel Alexandre, teniendo que ser sustituido poco después y falleciendo en enero de 2005 en la Clínica La Zarzuela de Madrid a causa de las complicaciones provocadas por una neumonía.
Entre 1954 y 1986 estuvo unido a la actriz María Luisa Ponte, su compañera de numerosos repartos, aunque mantuvo relaciones temporales con María Asquerino y Pilar Bardem. Terminaría su vida junto a Maite de la Cruz, madre de la presentadora de televisión Sandra Sutherland.
Era hermano de Manuel González, uno de los componentes del grupo Los Brincos.
Pilar Bardem Muñoz (Sevilla, 14 de marzo de 1939) es una actriz española de televisión y cine. Miembro de una familia de artistas, es madre de Javier Bardem. En la actualidad es la presidenta de AISGE.
Nació el 14 de marzo de 1939 en Sevilla. Es miembro de una ilustre saga de artistas: hermana de Juan Antonio Bardem, hija de Rafael Bardem y Matilde Muñoz Sampedro, es también sobrina de la actriz cómica Guadalupe Muñoz Sampedro y prima de Luchy Soto. Su carrera artística se remonta varias décadas atrás.
En las Elecciones al Parlamento Europeo de 2004 se presentó en la lista de Izquierda Unida.
Pilar Bardem irrumpe en el cine a temprana edad, a mediados de la década de 1960. Entre sus trabajos de esa época se cuentan papeles en películas como Y el mundo sigue de Fernando Fernán Gómez (1965), Buenos días, condesita de Luis César Amadori (1967), La novicia rebelde de Luis Lucia (1971) y Las Ibéricas F. C. de Pedro Masó (1971).
En los años 1970, sigue participando en muchas películas de corte comercial propias de la Transición Española, como Las colocadas de Pedro Masó (1972), La duda de Rafael Gil (1972), Yo soy Fulana de Tal de Pedro Lazaga (1975), pero también interviene en producciones más excéntricas, como La venganza de la momia y Los ojos azules de la muñeca rota, ambas de Carlos Aured (1973).
La filmografía de Pilar Bardem incluye en esos años dos adaptaciones de obras literarias antiguas: La Regenta de Gonzalo Suárez (1974), adaptación de la novela de Leopoldo Alas «Clarín», y El libro del buen amor de Tomás Aznar y Julián Marcos (1975), basado en la obra homónima del Arcipreste de Hita.
Buena prueba de la intensa actividad de Pilar Bardem en el cine de la época son otras películas como La joven casada de Mario Camus (1975), Carne apaleada de Javier Aguirre (1978), Soldados de Alfonso Ungría (1978), Cinco tenedores de Fernando Fernán Gómez (1979) y El día del presidente de Pedro Ruiz (1979).
En televisión, la Bardem participa en la serie Cuentos y leyendas y en montajes dramáticos emitidos en el espacio Estudio 1.
En la década de 1980, Pilar Bardem realiza trabajos en televisión como Los gozos y las sombras (1982), Tristeza de amor (1986), Lorca, muerte de un poeta (1987) y Cómicos (1987). Participa también en la serie La huella del crimen, en el capítulo «El crimen de la calle Fuencarral» (1984).
En el cine participa en tres películas dirigidas por Mariano Ozores a mediados de la década.
Tras encarnar a una prostituta en Las edades de Lulú de Bigas Luna (1990), participa en Todo por la pasta de Enrique Urbizu (1991), Vacas de Julio Médem (1992), Siete mil días juntos de Fernando Fernán Gómez (1994), Hermana, pero ¿qué has hecho? de Pedro Masó (1995), Cachito de Enrique Urbizu (1995), Entre rojas de Azucena Rodríguez (1995), Boca a boca de Manuel Gómez Pereira (1995)...
En 1995, Agustín Díaz Yanes le ofreció un papel en la película Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto. Al año siguiente se alzaba con el título de «Mejor actriz de reparto» del año en los Premios Goya. En esa misma noche su sobrino, Miguel Bardem, recogía el Premio Goya al mejor cortometraje de ficción. La ceremonia finalizaba con la proclamación de Javier Bardem como «Mejor actor del año».
A partir de entonces se le acumularían las ofertas: Airbag de Juanma Bajo Ulloa (1996), Carne trémula de Pedro Almodóvar (1997) y Pantaleón y las visitadoras de Francisco Lombardi (1999). Estos trabajos los compaginó con su intervención en series como Hermanas, Kitty no para, El inquilino, o Abierto 24 horas, donde compartía títulos de crédito con Pedro Reyes, Beatriz Rico y Luis Merlo.
En teatro participó en 5 mujeres.com, donde recitaba monólogos sobre la condición de la mujer en una sociedad machista. La acompañaban Llum Barrera, Beatriz Carvajal y Toni Acosta. Las cuatro obtendrían una candidatura conjunta a los Fotogramas de Plata.
Rosa Elena García Echave (Palma de Mallorca, 16 de septiembre de 1964) conocida como Rossy de Palma, es una actriz española que se dio a conocer como chica Almodóvar en películas de dicho director como "Mujeres al borde de un ataque de nervios" o "La flor de mi secreto". Ello le ha facilitado con el tiempo poder seguir realizando colaboraciones como actriz de cine y televisión en España y en otros países como Francia ya que en España siempre ha estado muy ligada al mundo Almodóvar, suponiendo un obstáculo para colaborar con otros cineastas españoles.
A principios de los años 80 formó parte de un grupo musical llamado Peor Impossible, donde hizo sus pinitos en el cante y el baile. Realizaron pequeñas giras y se ganaban la vida como podían como cualquier otro grupo surgido durante la época de la movida madrileña, de la que Rossy fue una de sus protagonistas. También trabajó durante muchos años de camarera en un pub de ambiente nocturno de la época y fue allí donde conoció a Pedro Almodóvar, quien empezaba a ser conocido entre el público de la movida gracias a sus películas Pepi, Luci, Bom..., Laberinto de Pasiones... Era el año 1986 cuando Pedro Almodóvar la descubrió y la instó para que participase con un pequeño papel en La Ley del Deseo, en una divertida escena con el actor Eusebio Poncela.
Desde entónces realizó varios trabajos con el director manchego, títulos como Mujeres al borde de un ataque de nervios, junto a actores de la talla de Carmen Maura, Antonio Banderas y María Barranco o ¡Átame!, las cuales engordaban su currículum de actriz mientras repartía el tiempo en sus otras aficiones: cantar o posar como modelo para fotógrafos y diseñadores ya que a pesar de no contar con una gran belleza, su peculiar rostro atraía a los vanguardistas del diseño y la moda. De hecho, ha tenido el honor de trabajar con diseñadores tan respetados como Jean Paul Gaultier - diseñador por excelencia de personalidades tan importantes como Madonna -, el cual como muchos otros vieron en ella una belleza cubista, como le decía el propio Pedro Almodóvar.
Durante los años 90 se forjó como chica Almodóvar con títulos como La flor de mi secreto - en la que dio vida a la hermana de Marisa Paredes - o Kika, por las que fue nominada al Premio Goya de la academia de cine como mejor actriz de reparto. Poco después, protagonizó películas para directores franceses como Karim Dridi y también se dejó ver por la pequeña pantalla, realizando algunos spots o pequeños papeles en series televisivas. Su talento interpretativo fue reconocido minoritariamente pero al margen de todo ello desde el principio se convirtió en un personaje absolutamente popular, siendo objetivo del mundo de la prensa rosa, con la que ha mantenido siempre una tortuosa y desagradable relación.
Pedro Almodóvar Caballero (nacido en Calzada de Calatrava, Ciudad Real, 24 de septiembre de 1949) es un director de cine, guionista y productor español, el que mayor resonancia ha logrado fuera de dicho país, habiendo recibido los principales galardones cinematográficos internacionales, incluyendo dos premios Óscar, en diversas categorías. Ostenta la Orden de Caballero de la Legión de Honor francesa (1997), además de haber obtenido la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1998). Ha sido investido Doctor honoris causa por la Universidad de Harvard en junio de 2009.
Nació el 24 de septiembre de 1949 en Calzada de Calatrava, un pueblecito de la provincia de Ciudad Real, en una familia de arrieros, con gran presencia de mujeres, cuyo mundo plasmaría en películas como Volver. Emigró luego a Madrigalejo (Cáceres) y estudió el bachillerato en Cáceres capital con los padres salesianos y franciscanos, aficionándose al cine. La primera comunión la hizo en el pueblo monegrino de Pleñino.
Marchó a los 16 años a Madrid para estudiar cine, pero no pudo matricularse en la Escuela de Cine, recién cerrada. Trabajó entonces en todo tipo de empleos hasta que logró un puesto de oficinista en Telefónica, que conservó durante doce años, al mismo tiempo que se sumergía de cabeza en el mundo de la movida madrileña, y fue miembro del grupo teatral Los Goliardos, en el que conoció a Félix Rotaeta y a Carmen Maura, y del dúo de punk-glam-rock paródico Almodóvar y McNamara en el que, al lado de Fabio McNamara, generó canciones tan cómicas como Gran ganga o Quiero ser mamá.
Escribió también la novela corta Fuego en las entrañas, alguna fotonovela porno (Toda tuya) y múltiples relatos en periódicos (El País, Diario 16 y La Luna) y comics contraculturales como Star, El Víbora y Vibraciones, creando un personaje propio llamado Pathy Dhyfusa.
Dirigió su primera película Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, con unos 3000 €, que obtuvo de sus amigos y el guión de Erecciones generales, que le había encargado El Víbora.
Su reconocimiento popular comenzaría, sin embargo, con el filme ¿Qué he hecho yo para merecer esto? (1984), también protagonizado por Carmen Maura, actriz fetiche de sus primeros filmes.
En 1985 rueda el corto Tráiler para amantes de lo prohibido por encargo de TVE para el programa La Edad de Oro, rodado en vídeo y de 18 minutos de duración.
En 1985 fundó, junto a su hermano Agustín, la compañía productora El Deseo, cuyo primer producto sería La ley del deseo (1986), al que seguirían Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), ¡Átame! (1989) y Tacones lejanos (1991), que le permitirían lograr ya cierta repercusión internacional, sobre todo en Francia, y abundantes premios internacionales.
Mujeres al borde de un ataque de nervios sería el primer contacto de Almodóvar con los Óscar, al ser seleccionada por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood como candidata al Óscar a la mejor película en lengua extranjera.
A ellas seguiría, tres años después, Tacones lejanos, sin lograr alzarse con la estatuilla.
Tras el descalabro de Kika (1993), su carrera no alcanzó un éxito rotundo hasta 1999, con el éxito internacional de Todo sobre mi madre, que se alzó con numerosos premios en todo el mundo, entre ellos el primer Óscar, en la categoría de Mejor película en lengua extranjera, un éxito que había sido precedido por la candidatura en la misma categoría, en 1995, de La flor de mi secreto.
En esta época comenzó el desencuentro de Almodóvar con la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, manifestando en 2003 que la Academia se había equivocado al no seleccionar su Hable con ella (2001) como candidata española para la categoría de mejor película en lengua extranjera de los premios Óscar.
A la postre, la Academia hollywoodense descartó Los lunes al sol como finalista para la citada categoría, y por el contrario premió con el Óscar al mejor guion a Hable con ella, siendo Almodóvar candidato además en el apartado de mejor director.
Sin embargo, los premios Goya de 2004 volverían a recaer en su mayor parte a la película Mar adentro de Alejandro Amenábar, dejando sin ninguno a la La mala educación. A pesar de que Mar Adentro ganara el Oscar a Mejor Película Extranjera mientras que La Mala Educación tuvo un recibimiento mixto de el público y la crítica, un año después, Pedro Almodóvar y su hermano Agustín abandonarían la Academia española, alegando su desacuerdo con el sistema vigente de votaciones y cierta animadversión de los académicos hacia su obra.
Pedro Almodóvar y Penélope Cruz en la entrega del Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2006.Tras la muerte de su madre, rememoró su infancia en Volver (2006), película que supuso una especie de reconciliación entre Almodóvar y la Academia de cine española (le fueron concedidos cinco premios Goya). Además, esta película continuó la tendencia de éxito internacional, tanto de él como de su actriz principal (Penélope Cruz, quien junto al resto del reparto femenino del film fue galardonada en el Cannes).
Recibe también otros dos importantes galardones nacionales: el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en el 2006 y el Premio Terenci Moix en el 2007.
Roberto Carlos Braga (19 de abril de 1941) es un cantante brasileño, considerado el rey del mercado discográfico de su país y un importante cantante melódico.Nació en Cachoeiro de Itampemirim en el Estado de Espírito Santo, Brasil, y fue descubierto en 1958 por el compositor y periodista Carlos Imperial. Desde los primeros años de la década de 1960 triunfó en el mundo del pop brasileño a través de los programas musicales de televisión con sucesivos éxitos gracias a su voz suave, melancólica y romántica. Líder de la ‘joven guardia’, movimiento musical influenciado por la música de The Beatles, Roberto Carlos resumía su estado de ansiedad en 1965 cantando: “Quiero que me calientes este invierno y que todo lo demás se vaya al infierno”. El movimiento se desvaneció, pero Roberto Carlos se convirtió en el rey del pop brasileño más convencional.Entrado los años 70, Roberto Carlos se vuelve un cantante más romántico y sus éxitos comienzan a inundar las emisoras radiales no solo de Brasil sino de todo el Continente Americano y España. Es el único cantante latinoamericano que ha ganado el Festival de la Canción de San Remo en Italia. Otros como José Feliciano y Luis Miguel han participado también.Durante la década de 1970 actúa en varias ocasiones en el Festival de Viña del Mar en Chile. En una de esas oportunidades le dedicó una canción a la Primera Dama de la Nación Lucía Hiriart de Pinochet, esposa del entonces Dictador chileno Augusto Pinochet, quienes se encontraban presentes en el lugar.Tiene 138 millones de discos vendidos en todo el mundo, récord para un cantante latinoamericano. Ganador del Grammy al mejor intérprete pop en 1988, gracias a la canción "Si el amor se va" de Manuel Morais. Es el único artista latino considerado leyenda que ha realizado un MTV acústico y colaborado con estrellas mundiales en diversas giras. Sus temas han aparecido en las bandas sonoras de varias películas.Es el más grande vendedor de discos de América Latina. Es el único artista que ha vendido más discos que Los Beatles en América Latina. Si colocas uno al lado del otro sus discos de oro y platino dan la vuelta al estadio Maracaná (El más grande estadio de fútbol de Brasil). Perdió una pierna siendo niño la cual sustituyó por una prótesis. Era el único cantante que editaba 2 discos por año uno en portugués y otro en castellano, tradición que abandono en 1994. Ha lanzado en DVD sus películas de juventud y cuatro más: MTV acústico, Para sempre, Duetos y RC en vivo (Miami 2007); los dos primeros son conciertos en vivo, el tercero es vídeo con otros artistas brasileños y el último es el concierto grabado en Miami, Florida en mayo de 2007.El 24 y 25 de mayo de 2007 se presentó en Miami donde grabó su primer DVD en castellano. Las entradas se agotaron en 48 horas.Recientemente realizó una gira que inicio en Brasil y prosiguió por varios países: Argentina, Estados Unidos, Santo Domingo, México, Chile y Uruguay; el Tour 2008 significó su retorno a los escenarios internacionales con localidades agotadas en todas sus presentaciones. Demostrando así que sigue vigente después de casi medio siglo de exitosa carrera, siendo así la más grande Leyenda viviente de la música Romántica.Para el año 2009 Roberto Carlos celebra sus 50 años efectivos de carrera ininterrumpida con el tour Itaú Brasil, el cual comienza el día 19 de Abril (cumpleaños del cantautor) en su ciudad natal con un magistral concierto repleto de novedades y respaldado por sofisticada tecnología musical puesta en marcha en el espectacular escenario que acostumbra montar, durante este año y hasta el día 19 de Abril de 2010 el tour contemplará todo el territorio brasileño destacando un concieto con las divas de la música brasileña, una presentación espectacular en el Estadio Maracaná, la conformación de una sinfonía de rock en el estadio de Pacaembu en Sao Paulo, una exposición itinerante con objetos personales y muchas otras cosas más relacionadas con el cantautor para culminar ese día 19 de Abril 2010 en un concierto en la ciudad de Nueva York Estados Unidos para dar paso al Tour 2010 que contemplará nuevamente a américa latina destacando la visita a las principales ciudades de Estados Unidos y México y otros países del continente, hasta ahora confirmados. Y complementando esta fase, Roberto lanzará DVD's y CD's respectivos de las principales presentaciones del tour, mas aparte un nuevo disco para el 2009 con temas innéditos y que según su maestro de orquesta Eduardo Lages contará con una faceta claramente moderna, fresca, diferente y renovada del artista.
Nino Bravo:Nació en un pequeño pueblo valenciano, Ayelo de Malferit, pero se trasladó a Valencia a los pocos años. A los 16 años comenzó a trabajar en la joyería valenciana Casa Amat, en la que llegó a ser ascendido hasta maestro pulidor de diamantes.Durante estos años compagina el trabajo con su afición al canto, fundando a finales de 1962 el conjunto "Los Hispánicos" con sus amigos Félix Sánchez y Salvador Aranda. El trío musical se hizo muy popular en el barrio de Sagunto, donde actuaron en numerosas presentaciones falleras, bailes y verbenas de la época, llegando a quedar finalistas en el concurso radiofónico nacional "Fiesta en España". Sin embargo, sus compañeros de grupo deciden que el mundo de la música no es lo suyo y disuelven el conjunto.Luis Manuel no se da por vencido y crea el quinteto "Los Superson" junto con Salvador Pelejero, Vicente López y los hermanos Pepe y Vicente Juesas. Este conjunto será el que le acompañará en todas sus actuaciones hasta el final de su carrera artística. Sin embargo, deben hacer un paréntesis en sus actuaciones por el servicio militar de Luis Manuel, que cumple en la Marina de Cartagena. A su regreso se emplea en una oficina, y realiza su presentación como cantante solista en el Festival de la Canción de La Vall d'Uixó en 1968.Realizó sus primeras galas y un recital en el Teatro Principal de Valencia que sólo le reportaron pérdidas. Posteriormente, la casa discográfica Fonogram le contrató por 4 años. Su primer sencillo se grabó con canciones de Manuel Alejandro: Como todos y Es el viento. Acude al festival de la canción de Barcelona con el tema No debo pensar en ti, donde fue eliminado.Pero en el verano de 1969, Augusto Algueró le dio Te quiero, te quiero, canción que por distintas causas, aún teniéndola grabada el cantante Raphael y la cantante Lola Flores, no salieron al mercado. Nino consiguió con ella un éxito arrollador siendo elegida canción del verano. A Te quiero, te quiero le siguieron Noelia, Perdona, Mi gran amor, Esa será mi casa, Mi querida mamá, Voy buscando, Un beso y una flor, Libre, entre otras.Toma parte en la selección para el Festival de Eurovisión en dos ocasiones. La primera es en 1970 con el tema Esa será mi casa, que no consigue pasar a la final donde ganó Julio Iglesias con Gwendolyne (como curiosidad los temas son cantados por dos intérpretes, Esa será mi casa es interpretado también por Franciska). La segunda y más recordada es actuando en el programa de Valerio Lazarov Pasaporte a Dublín, donde queda en segunda posición. La cantante Karina fue la elegida.El 20 de abril de 1971 contrae matrimonio en secreto con María Amparo Martínez Gil. Luego viaja a Buenos Aires donde actúa en el canal 9 de esa ciudad, en un programa especial, junto con el cantante de tangos Argentino Ledesma; fue la única vez que se juntaron estos dos artistas.El 24 de enero de 1972 nace su primera hija, a la que pone el mismo nombre que su madre. Poco después edita su tercer álbum, titulado "Un beso y una flor", con el que obtiene gran éxito en España e Hispanoamérica.En noviembre de 1972 participa en el Festival de la Canción de Río de Janeiro como representante español, donde logra empatar en el primer puesto con David Clayton-Thomas (Estados Unidos). La victoria le sería arrebatada injustamente por el presidente del jurado, Joseph Lee Zhito, que, al ser estadounidense, no podría haber votado por su propio país. Semanas después sale a la venta su cuarto álbum, titulado "Mi tierra", en el que se incluye uno de sus principales hits: "Libre".El 14 de marzo de 1973 realiza su última actuación en Valencia, dentro del Parador 73 de las conocidas Fallas Valencianas. Allí canta, por primera y única vez, el Himno de Valencia ayudado por el público asistente. Los granadinos Jardines de Neptuno acogerían poco después la que sería la última actuación del intérprete valenciano.La mañana del lunes 16 de abril de 1973, Nino Bravo, acompañado de su guitarrista y amigo José Juesas Francés y del Dúo Humo, partieron temprano de Valencia hacia Madrid. Un mes antes Nino Bravo se había convertido en mánager del dúo y el motivo del viaje no era otro que acudir al estudio de grabación para que éstos "metieran" la voz para el single. Además del patrocinio, Nino también tenía algunos compromisos menores con su propia casa de discos (Polydor-Fonogram) y el regreso estaba proyectado para el martes 17 por la noche.Se había propuesto realizar el viaje en avión (no sería la primera vez), pero finalmente por diversas circunstancias se decidió hacerlo en el coche recién adquirido por Nino en Valencia, un BMW 2800 matriculado en la provincia de Las Palmas en 1970. Así, se alejaron de Valencia por la Carretera Nacional III (N-III) entre las 7:30 y las 8:00 hs. Quedaban casi 400 km por delante hasta la capital de España.Casi dos horas después de viaje, pararon a repostar y almorzar en la localidad conquense de Motilla del Palancar, y antes de las 10:00 hs. prosiguen el camino, pero a pocos kilómetros, en el término municipal de Villarrubio una curva en el que ese mismo mes había sucedido un accidente mortal, el vehículo BMW 2800 conducido por el cantante, se sale de la carretera por un despiste y da varias vueltas de campana.Nino Bravo y los heridos fueron trasladados en varios vehículos de particulares a Tarancón, situado a 13 kilómetros. En un pequeño hospital de monjas mercedarias llamado Santa Emilia reciben las primeras curas y son trasladados con la única ambulancia de que dispone el pueblo a Madrid, cuya distancia rondaba entonces los 80 kilómetros. Sin embargo, a escasos kilómetros de la capital de España, el cantante fallecía finalmente, ingresando por tanto cadáver en el Centro Sanitario Francisco Franco de Madrid (actual Hospital Universitario Gregorio Marañón).Las causas de la muerte nunca se han revelado oficialmente, todo apunta a posible neumotórax y a diversos politraumatismos sufridos en la zona abdominal, ya que aunque el coche tuviera cinturón de seguridad delanteros (la norma que obligó su uso es de 1974) es bastante probable que el cantante no lo llevara puesto.
José Luis Cantero nació en el seno de una humilde familia, originaria de Buenache de Alarcón (Cuenca), en el barrio de Las Ventas en Madrid, cerca de la plaza de toros. De niño solía faltar a la escuela, pues prefería pasar el tiempo imitando a su ídolo, el cantante de copla Rafael Farina. Fue de Farina que el Fary tomó su nombre. Antes fue conocido en su barrio como «El Farina de Ventas» por su afición a imitar su cantante favorito y a otras estrellas de la copla española.Antes de tener éxito, el Fary trabajó como jardinero y taxista para reunir el dinero que le permitió grabar sus primeras canciones. Una vez grabados y editados los discos, él mismo los vendía en el Rastro de Madrid. En esa época también participaba en competiciones de cantantes en la radio y actuaba en fiestas locales. Fue a partir de los 30 años que el Fary empezó a ganar dinero como cantante cuando fue llamado a Pozoblanco Córdoba (España) para sustituir a otro cantante (Pepe Blanco). Más tarde, el legendario Antonio Molina lo contrató para una gira de dos meses.En los años 1970 la copla cayó en desgracia con el público español, pero eso no desanimó a el Fary y hacia finales de la década estaba grabando canciones más pop, que subieron a las listas de éxitos españolas.En los años 1990 el Fary consiguió el éxito en el mundo de la televisión, cuando protagonizó la serie Menudo es mi padre, en el papel de un taxista. El papel se hizo a medida para él e incluso el título de la serie era un juego de palabras con la estatura de el Fary.Durante esta época, estuvo sujeto a especulaciones y rumores sobre la drogadicción de su hijo y el maltrato de su mujer. A pesar de que la publicidad sensacionalista de su vida privada pudo resultar desagradable, lo mantuvo en la conciencia del público durante bastante tiempo.Hacia el fin de la década, su carrera se vio de nuevo impulsada cuando el director de cine Santiago Segura estrenó su comedia Torrente: El brazo tonto de la ley. El protagonista, José Luis Torrente (papel encarnado por el mismo Segura), es un policía maleducado, racista, machista y corrupto que es fan de el Fary. La película contenía una canción de el Fary especialmente grabada y que se titulaba Apatrullando la ciudad. Tanto la canción como la película fueron un éxito, que llevó a grabar dos secuelas, de las cuales Torrente 2: Misión en Marbella. En 2005 el Fary realizó una pequeña intervención en Torrente 3: El Protector, la tercera entrega de la serie, interpretándose a sí mismo. Además, se realizó una pieza de merchandising única: el Carrofary, una pequeña figura de goma del cantante diseñada para ser colgada del espejo retrovisor del coche.Ha apadrinado a varios artistas jóvenes como Melody o, a su propio hijo, Javi Cantero, ambos cantantes de pop.En enero de 2007 le fue diagnosticado un cáncer de pulmón, difícilmente curable, por lo que le daban un año y medio de vida. La familia quiso mantenerlo en la intimidad, pero en abril de ese mismo año, al hacerle una entrevista (la última ofrecida por él), hizo público que padecía dicha enfermedad. Falleció el 19 de junio de 2007, con 69 años, en un hospital de Madrid.Fue velado en el tanatorio de la M-30 y posteriormente el día 20, incinerado.
Mike Oldfield
(Michael Gordon Oldfield; Reading, 1953) Multi-instrumentista británico de pop-rock, internacionalmente conocido por álbumes como Tubular Bells. A la temprana edad de diez años ya componía temas instrumentales con su guitarra. Al poco tiempo tocó en clubes locales de folk un par de piezas instrumentales de quince minutos cada una, hasta que a los trece años se mudó a Romford. En 1967 dejó la escuela y formó, con su hermana Sally, un dúo de guitarras llamado Sallyangie, con el que llegó a editar un álbum y un single.Hasta mayo de 1973, mes de edición de Tubular Bells, Mike Oldfield trabajó en su ambicioso proyecto en los estudios propiedad de Richard Branson, dueño de un nuevo sello discográfico llamado Virgin. El álbum fue el comienzo de una época de bonanza para Branson, a quien los beneficios del álbum le ayudaron a levantar y consolidar el sello Virgin. El siguiente elepé, Hergest Ridge, fue lanzado en septiembre del 1974, e hizo que aumentara su fama con un tipo de música poco convencional por entonces.
En plena eclosión punk, Oldfield, impermeable a todo tipo de corrientes, editó Incantations en 1978, aunque al año siguiente presentó Guilty, un single más comercial, anticipo de un posible acercamiento de Oldfield hacia el rock contemporáneo. La primera gira mundial del músico británico se abrió en Madrid y Barcelona en 1979, y parte de esta gira aparecería en Exposed, su primer álbum en directo.En julio de 1981, Tubular Bells había vendido su copia número diez millones, cifra espectacular, y, un año más tarde, con su elepé Five Miles Out, dio un paso hacia el pop más comercial; este álbum, con sus correspondientes singles, fueron claros éxitos de ventas, lo que le hicieron decidirse a realizar un "mega-tour" por Europa y Norte América.
Ya en 1984 compuso la música para la película The Killing Fields y editó Discovery, su primer álbum grabado fuera del territorio británico, para publicar después trabajos más eclécticos, sin olvidar el referente de sus primeros álbumes con Amarok, en 1990. Mike Oldfield
(Michael Gordon Oldfield; Reading, 1953) Multi-instrumentista británico de pop-rock, internacionalmente conocido por álbumes como Tubular Bells. A la temprana edad de diez años ya componía temas instrumentales con su guitarra. Al poco tiempo tocó en clubes locales de folk un par de piezas instrumentales de quince minutos cada una, hasta que a los trece años se mudó a Romford. En 1967 dejó la escuela y formó, con su hermana Sally, un dúo de guitarras llamado Sallyangie, con el que llegó a editar un álbum y un single.Al cabo de un año se deshizo el grupo, y Mike orientó su música hacia el rock, dejando el folk a un lado y organizando un grupo de corta existencia llamado Barefoot. Después se integró como bajista en la banda de Kevin Ayers, con quien grabó un par de elepés que le granjearon una buena reputación como músico en sus actuaciones con Kevin, allá por 1971.Hasta mayo de 1973, mes de edición de Tubular Bells, Mike Oldfield trabajó en su ambicioso proyecto en los estudios propiedad de Richard Branson, dueño de un nuevo sello discográfico llamado Virgin. El álbum fue el comienzo de una época de bonanza para Branson, a quien los beneficios del álbum le ayudaron a levantar y consolidar el sello Virgin. El siguiente elepé, Hergest Ridge, fue lanzado en septiembre del 1974, e hizo que aumentara su fama con un tipo de música poco convencional por entonces.En plena eclosión punk, Oldfield, impermeable a todo tipo de corrientes, editó Incantations en 1978, aunque al año siguiente presentó Guilty, un single más comercial, anticipo de un posible acercamiento de Oldfield hacia el rock contemporáneo. La primera gira mundial del músico británico se abrió en Madrid y Barcelona en 1979, y parte de esta gira aparecería en Exposed, su primer álbum en directo.
Oldfield en concierto: En julio de 1981, Tubular Bells había vendido su copia número diez millones, cifra espectacular, y, un año más tarde, con su elepé Five Miles Out, dio un paso hacia el pop más comercial; este álbum, con sus correspondientes singles, fueron claros éxitos de ventas, lo que le hicieron decidirse a realizar un "mega-tour" por Europa y Norte América.Ya en 1984 compuso la música para la película The Killing Fields y editó Discovery, su primer álbum grabado fuera del territorio británico, para publicar después trabajos más eclécticos, sin olvidar el referente de sus primeros álbumes con Amarok, en 1990.Ese año, y después de cumplir sus obligaciones contractuales con Virgin (dieciocho años y catorce elepés), Mike buscó otro sello, en este caso WEA, para lanzar Tubular Bells II, un proyecto del que ya se venía hablando desde hace muchos años. En 1994 se editó Elements, un recopilatorio de Virgin que recorre la carrera de Oldfield.Meses después Mike integró en su obra las nuevas tecnologías informáticas y su interés por la conservación de la naturaleza en un ambicioso proyecto multimedia que, sin embargo, no alcanzó las cifras de ventas de proyectos anteriores. En 1998 publicó su último trabajo, Tubular Bells III, reinterpretación de su obra más famosa con sonidos actuales. En 2002 presentó en España Tres lunas, el álbum número 22 de su discografía.
Antonio Vega Tallés (Madrid, 16 de diciembre de 1957 - Majadahonda, Madrid, 12 de mayo de 2009) fue un compositor y cantante español. Mediano de siete hermanos, su padre fue un prestigioso médico leonés de Carrizo de la Ribera especializado en traumatología. En 1978 formó junto a su primo Nacho García Vega el grupo Nacha Pop, originado en otra banda, Uhu-Helicopter, de la que provenían ambos. Su disco de presentación se editó en 1980, y en 1988 el grupo se separó tras una exitosa carrera, con seis álbumes de estudio y uno en directo. Vega comenzó entonces su carrera como solista, en la que editaría cinco discos de estudio, un álbum en directo y un recopilatorio de colaboraciones con otros artistas.Antonio Vega ha sido considerado uno de los compositores fundamentales de la escena pop española desde la llegada de la democracia. El intimismo de sus canciones y su sensibilidad le ganaron la admiración de crítica y público.Nacha Pop, uno de los grupos más representativos de la música pop española de los años 80, tenía dos compositores, el propio Antonio Vega y su primo Nacho García Vega. En la formación, de amplio éxito esos años, Vega pudo desarrollar su talento artístico, y durante esa etapa verían la luz numerosos temas compuestos por él que terminarían entrando en el cancionero popular español, entre ellos "Chica de ayer", considerada generalmente como una de las mejores canciones del pop español e incluida en su primer LP. Éste, de título homónimo al grupo, es considerado por revistas como Rockdelux o Rolling Stone (ed. española) una obra maestra imprescindible en la música española."Chica de ayer" se convirtió con el tiempo en una de las canciones más representativas de la movida madrileña, el movimiento contracultural surgido durante los 80 fundamentalmente en la ciudad natal del autor. La banda terminaría por separarse en 1988, tras una serie de conciertos en Madrid que darían lugar a su disco de despedida, Nacha Pop 80-88, que repasaría su discografía de estudio y que sería el epitafio del grupo.Se ha señalado que, como compositor de Nacha Pop, Antonio Vega desarrolló su especial sensibilidad para hacer partícipe al oyente de una historia personal, con una delicada visión poética del mundo. En el trabajo del grupo este carácter intimista ofrecía un contrapunto a la música del otro compositor de la banda, Nacho García Vega, que se inclinaba hacia un pop más directo y unas letras menos metafóricas.La carrera como solista de Antonio Vega comenzaría marcada por su etapa anterior, de la que saldría como un músico consagrado y muy respetado por sus compañeros de profesión. Así pues, el músico mantendría la misma línea de creación durante su etapa de solista, aunque acentuando en algún sentido su vocación más intimista, quizá por la ausencia de la influencia musical de García Vega.En el año 2007 Antonio se reúne con Nacho García Vega y deciden volver al escenario como Nacha Pop en una gira por España, además de su aparición en el DVD de la "historia sinfónica del pop español" junto a Germán Coppini, Javier Andreu, Jose Mari Granados y otras leyendas del pop español. Ese año además colaboraría en el tema "Ahora qué" de Conchita, incluido en su álbum de debut, Nada más.Tras acabar dicha gira, vuelve a su carrera de solista y sigue dando conciertos, en los últimos tiempos girando por teatros junto a una banda en la que se incluía a Basilio Martí, que también era su representante musical. En marzo de 2009 presentó, en el que sería a la postre su último concierto, una de sus últimas composiciones: "Antes de haber nacido". Ese último concierto que ofreció junto a su banda tuvo lugar en el Kafe Antzokia de Bilbao, el 28 de marzo de 2009.El 20 de abril de 2009 fue ingresado en el Hospital Puerta de Hierro de Madrid debido a una neumonía aguda que le obligó a suspender su gira. Falleció el 12 de mayo siguiente, a los 51 años de edad, a consecuencia de un cáncer de pulmón que se le había diagnosticado meses antes.
Antonio Machín
(Antonio Lugo Machín, Sagua la Grande, 1903 - Madrid, 1977) Cantante cubano. Verdadero trotamundos de la música, viajó por Cuba, EE.UU., Francia, hasta que la Segunda Guerra Mundial le llevó a España, donde comenzó actuando en salas barcelonesas y adquirió tal reputación que dominó la escena musical española durante casi tres décadas.Hijo de un emigrante gallego, trabajó como albañil hasta que se trasladó a La Habana en 1926 para dedicarse profesionalmente a la música. Ese mismo año creó el Trío Luna (junto a Enrique Peláez y Manuel Luna); el éxito fue escaso y la duración del grupo efímera, por lo que, una vez disuelto, Machín pasó a formar parte del sexteto de Miguel Zabala, con quien realizó su primera grabación en 1929.Un año después, el afamado director de orquesta Justo Azpiazu le reclamó para ser el vocalista de la Orquesta del Casino Nacional de La Habana, paso decisivo en su carrera que le permitió realizar sus primeras visitas al extranjero, actuando con éxito en Nueva York. Con la discográfica RCA, la Orquesta del Casino Nacional de La Habana (con Antonio Machín a la cabeza) grabó medio centenar de canciones en menos de tres años (de 1936 a 1939).Tras su paso por Londres y una histórica presentación en Montecarlo, Antonio Machín se vio obligado a renunciar a su intención de fijar su residencia en Francia. Poco después de estallar la Segunda Guerra Mundial se trasladó a Barcelona, actuando en los clubes de Las Ramblas y dando comienzo a una imparable sucesión de éxitos que forman ya parte de la historia musical española de tres décadas. Acompañado de la Orquesta de Miura De Sabré, editó sus primeras grabaciones y contrajo matrimonio con una española, Angelita (1943), a la que conoció tras una actuación en Sevilla.Su fama y popularidad se mantuvieron en adelante, y aunque los gustos musicales de las nuevas generaciones fueron cambiando, Antonio Machín mantuvo un público fiel y continuó actuando con total regularidad hasta su fallecimiento. Entre sus temas míticos se encuentran Angelitos negros, Espérame en el cielo, Dos gardenias, Madrecita, Mira que eres linda, Solamente una vez o El manisero.
Tino Casal
(Oviedo, 1946 - Aravaca, Madrid, 1991) Compositor y cantante español de música pop. Figura controvertida, Tino Casal no cesó nunca de ir más allá de lo convencional. Luchó por una estética barroca, sobrecargada, en la que creyó desde el principio, y jugó con una imagen ambigua a medio camino entre el glam y las drag queens. Pero, sobre todas esas características, prevaleció su enorme ingenio.
Antes de ser famoso formó parte de Los Archiduques, uno de los grupos asturianos más importantes de la década de los sesenta y setenta. Actuaba con una especie de orquesta-conjunto con la que recorrió todo el Principado amenizando veladas juveniles. Con este grupo grabó varios discos; destacan temas como Lamento de gaitas o Si mi padre fuera rey. Con la experiencia y las tablas adquiridas se dedicó a producir a una de sus bandas preferidas, Obús, pionera del heavy español, respetando siempre las ideas del grupo.Tras varios intentos de debutar en solitario como cantante melódico, en 1981, de la mano del productor Julián Ruiz, Tino Casal lanzó uno de los discos más originales del pop español, Neocasal. El single Champú de huevo tuvo por su lado una extraordinaria acogida: fue número uno de ventas en España y su éxito permitió a Casal desarrollar sus ideas innovadoras. Casal y Ruiz intentaban introducir en España la corriente entonces dominante de los Nuevos Románticos, aderezados con cierta estética glam en la música y toques punkies en los diseños de ropa e imagen y de portada de los discos.Tino Casal potenció el culto a la estética cuidando cada detalle con mimo y con un perfeccionismo a veces hilarante. El resultado más sobresaliente fue el single Embrujada, apoyado promocionalmente en un vídeo espectacular y en un diseño impactante. El tema se incluyó en su segundo elepé, Etiqueta negra (1983). Su éxito se prolongó con Hielo rojo (1984), pero en pleno triunfo sufrió un accidente que se complicó con una enfermedad y lo obligó a retirarse durante tres años.Ya recuperado, y de nuevo con el apoyo en la producción de Julián Ruiz, en 1988 editó Lágrimas de cocodrilo, disco que incluía una excelente versión del clásico Eloise de Barry Ryan y con el que volvió a los primeros puestos de las listas de ventas. En 1990 publicó el que iba a ser su último disco, Histeria.Un domingo de otoño, en septiembre de 1991, Tino Casal sufrió un accidente automovilístico en Aravaca en el que perdió la vida. Por pura coincidencia, al día siguiente se publicó, siguiendo el calendario previsto, su colección de Grandes éxitos, disco que repasaba sus mejores canciones. Su figura fue llorada; dejaba un hueco esteticista que no sería ocupado por nadie durante las décadas siguientes. Muchos músicos le han rendido homenaje desde entonces, versionando sus canciones o dando a conocer temas inéditos suyos.


Robert Nesta Marley (Nine Miles, Saint Ann Parish, Jamaica, 6 de febrero de 1945 - Miami, 11 de mayo de 1981), mejor conocido como Bob Marley, fue un músico jamaicano y miembro del movimiento Rastafari. Su fe fue una parte importante de su carrera. Es considerado como un profeta Rastafari.Robert Nesta Marley nació el 6 de febrero de 1945 en Nine Miles (Rhoden Hall, Saint Ann) una pequeña localidad al norte de la isla de Jamaica, en el Mar Caribe, era hijo de Cedella Booker, una afro-jamaiquina de 18 años y de Norval Marley; un jamaicano blanco de ascendencia escocesa, capitán de los Marines Reales (infantería de marina británica), de 50 años, que se desentendió de su hijo por miedo a ser desheredado. A finales de los años cincuenta, Bob se trasladó con su madre a Kingston, la capital, donde los habitantes de las zonas rurales acudían para mejorar su situación económica. Por desgracia para la mayoría, su destino eran los barrios pobres.Bob creció en ese ambiente donde conoció a Neville O’Riley Livingston, más conocido como Bunny, con quien comenzó a interesarse por la música, llegando a componer y tocar algunas canciones. Muy influenciados por la música de Ray Charles, Curtis Mayfield, Brook Benton o Fats Domino, y de grupos como The Drifters muy populares en Jamaica que se escuchaban en la emisiones radiofónicas de las emisoras del sur de los Estados Unidos. Bob Marley alternó el trabajo en una empresa de fundición, donde se quemó en un ojo, con la música. Bob y Bunny recibieron formación musical de Joe Higgs, un cantante venido a menos que había gozado de cierta fama en Jamaica y que se ganaba la vida impartiendo clases de canto para principiantes. En una de esas clases conocieron a otro joven músico llamado Winston Hubert McIntosh (Peter Tosh). En 1962 Bob Marley participó en una audición para un productor musical llamado Leslie Kong que, impresionado, le invitó a grabar algunas canciones. Al año siguiente Bob decidió que el mejor camino para alcanzar su sueño, lo tenía planteado acaso, no lo sabremos, mediante un grupo. Compartió su idea con Bunny y Peter y los tres formaron los "Wailing Wailers" (literalmente, "Gritos de protesta"). El nuevo grupo ganó la simpatía del percusionista rastafari Alvin Patterson, que los presentó al productor Clement Dodd. A mediados de 1963 Dodd vio a los Wailing Wailers y decidió promocionar al grupo. Los Wailing Wailers lanzaron su primer single, "Simmer Down", con la discográfica Coxsone a finales de 1963. La formación original estaba compuesta por Bob, Bunny, Peter, Junior Braithwaite y dos coristas, Beverly Kelso y Cherry Smith.Mientras tanto, la madre de Bob, Cedella, se había casado nuevamente y se había mudado a Delaware, Estados Unidos, tras un importante esfuerzo económico. Ella deseaba dar a Bob una nueva vida en este país, pero antes del viaje, él conoció a Rita Anderson y el 10 de febrero de 1966 se casaron. Bob Marley pasó apenas ocho meses con su madre en Wilmington, Delaware. Allí consigue un trabajo en el turno de noche de una planta de automóviles de Chrysler. Bob llegó a Kingston en octubre de 1966, apenas seis meses después de la visita de Su Majestad Imperial, o Emperador Hailè Selassiè, de Etiopía, que impulsó y renovó el importante movimiento rastafari de la isla. El acercamiento de Bob con la creencia Rastafari comienza a reflejarse en su música. Bob, entretanto, llamó a Peter y Bunny para formar una nueva banda, los míticos "The Wailers". Rita también comenzaba su carrera como cantante con un importante éxito llamado "Pied Piper", una versión de una canción pop inglesa. En Jamaica, la frenética ola del ska estaba dando lugar a un ritmo más lento y sensual llamado rocksteady. Las creencias rastafari de los Wailers chocaron con Dodd y éstos fundaron su propio sello discográfico, "Wail’N’Soul". A pesar de conseguir algunos éxitos, el sello no responde a las expectativas y quiebra en 1967. El grupo sobrevive fungiendo como compositores de una compañía asociada a un cantante estadounidense, Johnny Nash, quien en la década siguiente tendría un gran éxito con la canción "Stir It Up", de Bob.Los Wailers conocieron entonces a un hombre que revolucionaría su trabajo: Lee Perry. La asociación entre Perry y los Wailers trajo consigo algunos de los éxitos más notables de la banda como "Soul Rebel", "Duppy Conqueror", "400 Years" y "Small Axe", clásicos del futuro reggae. En 1970, dos de los músicos más reconocidos de la isla, Aston 'Family Man' Barrett y su hermano Carlton (bajo y batería, respectivamente) se unirán a los Wailers, quienes por aquel entonces arrasaban en el Caribe, pero internacionalmente continuaban siendo desconocidos.En el verano de 1971 Bob aceptó una invitación de Johnny Nash para acompañarlo a Suecia, ocasión en que firmó un contrato con la CBS, que también era la discográfica del estadounidense. En la primavera de 1972 los Wailers aterrizaron en Inglaterra para promocionar el single "Reggae on Broadway", pero no cosecharon demasiados éxitos. A la desesperada, Bob visitó los estudios de grabación de Island Records, que había sido la primera discográfica en interesarse por la música jamaicana, y pidió hablar con su fundador, Chris Blackwell. Blackwell conocía a los Wailers y les ofreció 4 mil libras para grabar un álbum con los últimos avances tecnológicos de la industria musical, los mismos que gozaban las bandas de rock de la época. Ese primer álbum fue "Catch A Fire", fuertemente promovido por Island. El disco no fue un éxito inminente, y es que la música y las letras comprometidas socialmente de Bob contrastaban bastante con lo que se estaba haciendo hasta entonces en Europa. Island promovió una gira del grupo por Inglaterra y los Estados Unidos, otra novedad para una banda de reggae. Los Wailers tocaron enLondres en abril de 1973 y tres meses más tarde el grupo volvió a Jamaica. Bunny, desengañado de la vida musical, abandonó la banda antes de la gira estadounidense. En su lugar entró Joe Higgs, el viejo profesor de música de los Wailers. Ya en los Estados Unidos, participaron en algunos conciertos de Bruce Springsteen y Sly & The Family Stone, la principal banda de música negra estadounidense del momento.En 1973 el grupo lanzó su segundo álbum con el sello Island, "Burnin’", un disco que incluía nuevas versiones de algunas de sus canciones más importantes, como: "Duppy Conqueror", "Small Axe" y "Put It On", junto con "Get Up, Stand Up" y "I Shot The Sheriff". Fue justamente este último tema el que consagró internacionalmente a Bob Marley de la mano de la voz de Eric Clapton, alcanzando el primer lugar en la lista de los sencillos más vendidos en los Estados Unidos. En 1974, Bob Marley pasó gran parte de su tiempo en el estudio trabajando en "Natty Dread", un álbum que incluía canciones como "Talkin’ Blues", "No Woman No Cry", "So Jah Seh", "Revolution", "Them Belly Full (But We Hungry)" o "Rebel Music (3 o’clock Roadblock)". Al año siguiente, Bunny y Peter dejarían definitivamente el grupo para embarcarse en sus carreras en solitario, lo que provocó que la banda comenzase a ser conocida como Bob Marley & The Wailers. "Natty Dread" fue lanzado en febrero de 1975. En cuanto a las giras, destacan dos: una en el Lyceum Ballroom de Londres, que fue catalogada como una de las mejores de la década (El disco Live es este concierto). Y la segunda en noviembre, cuando Bob volvió a Jamaica para tocar en un concierto benéfico con Stevie Wonder, ya como superestrella en su país y en el mundo. "Rastaman Vibrations", el siguiente álbum de estudio, fue lanzado en 1976. El trabajo incluía canciones como "Crazy Baldhead", "Johnny Was", "Who The Cap Fit" y, tal vez la más significativa de todas, "War", cuya letra fue extraída de un discurso del Emperador Hailè Selassiè, en las Naciones Unidas.Bob hizo dos conciertos en el Madison Square Garden, pero cayó gravemente enfermo mientras corría por Central Park. Tres años antes, en Londres, se había herido el dedo del pie jugando al fútbol. La herida se volvió en su contra y, a pesar de haber sido tratado en Miami, continuó reproduciéndose. En 1980, el cáncer comenzó a propagarse por el cuerpo de Bob. Controló la enfermedad durante ocho meses, siguiendo tratamiento en la clínica del Dr. Joseph Issels, en Baviera. El tratamiento de Issels levantó mucha polémica porque sólo usaba remedios naturales y no tóxicos y, por algún tiempo, pareció funcionar en Bob. A comienzos de mayo dejó Alemania para volver a Jamaica, pero no completó su viaje.Bob Marley murió en un hospital de Miami el 11 de mayo de 1981 a los 36 años. Un mes antes, Bob había sido condecorado con la Orden del Mérito de Jamaica, la tercera mayor honra de la nación, en reconocimiento de su inestimable contribución a la cultura del país. El 21 de mayo de 1981, Robert Nesta Marley O. M. recibía un funeral oficial del pueblo de Jamaica. Después del funeral (al que asistió tanto el Primer Ministro como el líder de la oposición) el cuerpo de Bob fue llevado a su tierra natal, Nine Miles, en el norte de la isla, donde ahora descansa en un ataúd de bronce, con su mano derecha acariciando su guitarra, y en la izquierda sostiene la biblia abierta en el salmo 23, uno de sus preferidos.
Compay Segundo
(Nombre artístico de Máximo Francisco Repilado Muñoz; Siboney, 1907 - La Habana, 2003) Músico cubano. Compay Segundo nació el 18 de noviembre de 1907 en Siboney, Santiago de Cuba, en la costa oriental de la isla, en una familia de humildes campesinos. De su abuela, una esclava liberta que vivió ciento quince años, heredó el hábito de fumar y seguramente su propia longevidad.Era pequeño aún cuando aprendió el oficio de torcedor de tabaco y empezó a trabajar en la fábrica de habanos Montecristo para ayudar en su casa, aunque esto no le impidió empezar a tocar «de oído» la guitarra y el tres cubano y a partir de ambos instrumentos inventar uno nuevo, el armónico, una guitarra de siete cuerdas, una de las cuales repite la nota sol.Pero esto ocurrió ya en Santiago, adonde se mudó la familia en 1916, cuando su padre fue despedido del ferrocarril. Aunque allí empezó a ganarse la vida como barbero, él, al igual que cuatro de sus siete hermanos, sabía que lo suyo era la música.Vestía aún pantalones cortos cuando se unió a otros niños del lugar para formar el sexteto Los Seis Ases. Al mismo tiempo, fue a clases de solfeo con Noemí Toro, una joven mandolinista y violinista hija del director de la escuela primaria a la que asistía, y cuando ésta le comunicó que ya podía tocar un instrumento, escogió el clarinete, que compró a un aficionado al que pagó armando tabaco en un chinchal de su propiedad.Grabó nada menos que una decena de álbumes -entre otros, Yo vengo aquí (1996), Lo mejor de la vida (1998), Calle Salud (1999), Las flores de la vida (2000), Duets (2002)- en tan sólo seis o siete años. Lo llamaban el patriarca del son, pero Compay no sólo era la figura cumbre de ese género y uno de los grandes músicos populares de todos los tiempos; era, sobre todo, un personaje fuera de serie, de un optimismo y unas ganas de vivir abiertamente ejemplares: «Espero llegar a los cien años y pedir prórroga, como hizo mi abuela. Yo voy sacando candela...».Días antes de su muerte, cuando el médico le prohibió el café y el tabaco, protestó: "yo sé esto y me escondo en un platanar". Y ese proverbial sentido del humor lo devolvió por un momento a su infancia en Siboney, antes del largo recorrido que empezó a desgranar ese gran himno a la canción cubana que es su Chan-Chan: «De Alto Cedro voy para Marcané. Llego a Cueto, voy para Mayarí...».Era un hombre sorprendente, y el primer sorprendido por ese reconocimiento tardío que lo situó donde le correspondía. Pero en él no había pizca de resentimiento por tantos años de olvido. Tras la repercusión que alcanzó el disco que le dio fama, Compay entró por la puerta grande en la elite de los circuitos musicales internacionales, y se presentó en los más importantes escenarios del mundo, del Olympia de París al Carnegie Hall de Nueva York, e incluso en la Sala Nervi del Vaticano, donde actuó ante el papa Juan Pablo II. Con él cantaron artistas tan heterogéneos como Charles Aznavour, Raimundo Amador, Cesaria Evora, Martirio, Pablo Milanés, Khaled, Santiago Auserón y hasta Antonio Banderas.
Frank Sinatra nació en un barrio de clase media de la ciudad de Hoboken (Nueva Jersey) el 12 de diciembre de 1915, en el seno de una familia de inmigrantes italianos. La familia de su madre, Natalie Della Agravantes, Dolly, era de origen genovés y la de su padre, Anthony Martin Sinatra, provenía de Sicilia. Su madre, que fue portavoz de distrito del Partido Demócrata, trabajó como comadrona y en varias ocasiones estuvo en la cárcel por practicar abortos ilegales. Su padre era propietario de una taberna que atendía por la noche, ya que de día trabajaba como bombero. Se casaron, con la oposición de la familia de ella, el 14 de febrero de 1913.
Dolly dio a luz a su único hijo en un parto traumático tras el que quedó imposibilitada para tener más hijos y que casi acaba con la vida del niño, al que los fórceps empleados le dejaron un tímpano perforado y una cicatriz detrás de la oreja izquierda. Tras recuperarse los dos, Francis Albert fue bautizado en abril de 1916. Durante su infancia y adolescencia, Frank desarrolla dos facetas características de su futura personalidad: un carácter, recordaban sus maestros, fanfarrón y revoltoso, ayudado por su afición al boxeo heredada de su padre, que había sido boxeador profesional; y su afición por la música, que a los 9 ó 10 años lo llevó a cantar en la taberna de su padre acompañándose por una pianola[10] (más adelante, entonaría canciones acompañado de un ukelele). La mezcla de ambos rasgos llevó a Frank a intentar imitar, tanto en el estilo como en la forma de vestir, a los grandes cantantes del momento, como Bing Crosby, su principal modelo, o Al Jolson. Sinatra destacaría posteriormente como amistad influyente en sus primeros años la de una anciana mujer judía, Mrs. Golden, a la que consideraba casi como una madre, ya que su verdadera madre se ausentaba con frecuencia del hogar debido a su constante actividad socio-política. De esa mujer, el cantante habría aprendido yidis, idioma que conocía mejor que el italiano. En su juventud, el atletismo y sobre todo la natación fueron parte de sus aficiones favoritas. Sin embargo, nunca mostró mucho interés en en los estudios, ausentándose de clase con frecuencia.Asistió al instituto A.J. Demarest pero lo abandonó en 1931 sin graduarse y comenzó a trabajar como vendedor de periódicos en el Jersey Observer, con su padrino. En esa época tuvo una vida de pandillero que le llevó a varios encontronazos con la policía y trabajó en diversos oficios, como camionero, recadero o cronista deportivo en un periódico, lo que le proporcionaba los ingresos suficientes para comprarse ropa y ahorrar para poder comprarse un coche. En 1932 conoció a Nancy Barbato, que se convertiría en su mujer en 1938. Con ella vio actuar en 1933 a Bing Crosby en la que sería su última aparición sobre un escenario. Ambos cantantes se conocerían personalmente diez años después, en septiembre de 1943.
Su participación en el concurso radiofónico Major Bowes Amateur Hour, tras haber cantado en distintos bares, le ayudó a comenzar su carrera artística. Se presentó acompañando al trío Three Flashes, que para la ocasión se hicieron llamar Hoboken Four, y ganaron el primer premio, lo que les llevó a una gira patrocinada por el programa. No obstante, por desavenencias con el resto de sus compañeros, a los tres meses Sinatra abandonó la gira y regresó a casa. Fue en esa época cuando, a pesar de su enorme admiración por él, empezó a esforzarse en sonar diferente de Crosby con la idea de destacar entre los demás cantantes. El principal problema técnico al que tuvo que hacer frente fue el de la falta de potencia en su voz, ya que no sabía proyectarla. No obstante, su experiencia radiofónica le enseñó que podía hacerse oír cómo y dónde quisiera gracias al micrófono, al que convirtió en su principal aliado para, a través de la radio, hacerse popular por todos los Estados Unidos en un breve tiempo.Comenzó a dar conciertos y en 1939 entró como vocalista en la orquesta de Harry Arden, lo que le permitió salir en antena todas las noches gracias a una emisora de Nueva York, que radió sus conciertos dese bares y restaurantes de carretera. Su talento fue pronto reconocido por Harry James, el famoso trompetista de la orquesta de Benny Goodman, que estaba formando su propio grupo, al que le invitó a participar como vocalista. Dado que el protagonismo en la orquesta lo tenía James, Sinatra tuvo que utilizar sus dotes de autopropaganda para llamar la atención de críticos y espectadores, desarrollando la que se convertiría en una de sus características personales más relevantes como artista: su absoluta confianza en sí mismo y en su talento. A pesar del éxito popular, la orquesta tuvo problemas financieros y estuvo a punto de disolverse. Fueron meses duros para Sinatra y para su mujer, quien le seguía en la gira, aun estando ya embarazada.El resultado va de éxitos incontestables tanto en lo comercial como en lo especializado como Septembers Of My Years, 1965, al extraordinario e inesperado éxito comercial de sus dos discos de Duets, vilipendiados por la prensa especializada, pasando por canciones como My Way (versión de la canción Comme d'habitude de Claude François) y Strangers in the Night que pasaron a convertirse en temas clásicos en el repertorio del cantante.
Javier Gurruchaga (San Sebastián, 1958), cantante, actor y showman español.
Nació el 12 de febrero de 1958 en San Sebastián. Hijo de Antonia Iriarte y Vicente Gurruchaga, cocinera y ferroviario respectivamente se sintió desde muy joven interesado por la música y en la época en que realizó el servicio militar, tomó clases de saxofón impartida por uno de sus superiores, el subteniente del Ejército, señor Maeztu.Desempeñó diversos empleos como el de botones de hotel y también estudió Filosofía y Letras, pero pronto se dio cuenta de que su terreno era la música y optó por mantenerse sobre el escenario. Así, en el año 1976 fundó la Orquesta Mondragón, que ocupó un lugar muy destacado en el panorama musical español. Es a partir del inicio de los años noventa cuando, sin dejar de lado la Mondragón, Javier decide poner a prueba sus capacidades como actor de cine y teatro. A partir de entonces podremos verle en numerosos largometrajes como El rey pasmado (1991), de Imanol Uribe, o Tirano Banderas (1993), de José Luis García Sánchez, films por los que fue nominado a los Premios Goya como mejor actor de reparto. También le hemos podido ver en otros films como Jara, La duquesa roja, la última película de Luis García Berlanga, París-Tombuctú o más recientemente Vivancos III, junto a él, El Gran Wyoming o en los films Dogma de Juan Pinzás.Nominado Premio Goya en la categoría de mejor actuación masculina secundara por El Rey Pasmado y Nominado Premio Goya en la categoría de mejor actuación masculina secundara por Tirano Banderas La Bola de Cristal,Participó en este programa infantil y juvenil, emitido por TVE durante los años 1984 y 1988, dirigido por la periodista Lolo Rico, y en el que también participaron artistas como Alaska, Pablo Carbonell, Pedro Reyes o Anabel Alonso.Presentó la sección "La cuarta parte" en la que también aparecieron "sus padres" de ficción, Gregorio y Cayetana.Viaje con nosotros Comenzó a emitirse el 26 de enero de 1988, teniendo una periodicidad semanal (martes) y se prolongó hasta el 31 de diciembre de ese mismo año, coincidiendo con la emisión del programa titulado "La última cena", espacio promovido por Pilar Miro, por aquel entonces directora general de RTVE, en el que también participo Elton John y que levanto ampollas en algunos sectores de la opinión publica de este país. Entre los personajes famosos que "viajaron" con Javier Gurruchaga estuvieron: Luis Antonio de Villena, Iñaki Perurena, Pedro Almodóvar, Chumy Chúmez, José Luis Coll, Ana Obregón, José Luis Garci, Inés Sastre, Joaquín Sabina y Sara Montiel. Gurruchaga ejercía de coguionista junto al colectivo Lo que yo te diga.El Huevo de Colón Estrenado en Tele5, el 4 de julio de 1992, y se emitía los sábados a las diez de la noche. Un programa de variedades que incluye actuaciones musicales, una sección de cámara oculta y varios juegos de habilidad.El show debe continuar Gala homenaje a Freddie Mercury, vocalista del grupo Queen y de concienciación sobre el problema que supone el sida, emitido en diciembre del año 2001 por Telemadrid y en el que participaron artistas como Nacho Duato o Cristina del Valle, además del propio Javier Gurruchaga.Bailando con Cugat Gala-homenaje al músico catalán Xavier Cugat, emitido por TVE en enero del 2001, dirigida por Javier Gurruchaga y en la que también tomaron parte nombres como Monica Randall, Alexis Valdes, Celia Cruz o la propia Orquesta Mondragón.La cucaracha express Programa diario emitido desde octubre de 2003 hasta junio de 2004 por Localia TV, de 23:30 a 00:30, presentado por Javier Gurruchaga, ambientado en un vagón de tren de los años 30, en el que han colaborado entre otros Eduardo Haro Tecglen y Moncho Alpuente. Durante esta temporada en este "vagón" se han sentado junto a Javier artistas como María Isbert, Moncho Borrajo o Javier Bardem.
Manzanita (Madrid, 7 de febrero de 1956, †Alhaurín de la Torre, 6 de diciembre de 2004), nombre artístico del cantante español José Ortega Heredia, que se caracterizó por su voz rota y una especial habilidad tocando la guitarra.Nació en un ambiente flamenco. Era sobrino de Manolo Caracol. Ya a los nueve años tocaba la guitarra en tablaos y a los once acompañaba en las giras a Enrique Morente. De él seguramente tomó el gusto por los poetas y la literatura.En 1974, con solo 18 años, forma parte de una iniciativa del productor José Luis de Carlos: el grupo Los Chorbos. Con su rumba urbana reflejaba la situación marginal en los suburbios de las grandes ciudades, tuvo notable influencia en Los Chichos y decenas de formaciones similares.En 1978, de la mano del mismo productor, grabó el primer disco en solitario Poco ruido y mucho duende, con un estilo muy personal con matices flamencos. Alcanzó un enorme éxito el tema Verde, adaptación de un poema de Lorca. En 1980 graba su segundo elepé Espíritu sin nombre. Con su tercer disco, en 1981, Talco y bronce, logra con dos singles 'Ramito De Violetas' y 'Por Tu Ausencia' superar el medio millón de copias en España. Le siguieron Cuando la noche te envuelve (1982), La quiero a morir (1983), Mal de amores (1984). Ya en 1986 publicó Echando sentencias con aporte de instrumentos árabes e indios. Después de un largo silencio, en que solo cantaba en la Iglesia Evangelista, en 1988, lanzó En voz baja a las rosas, con adaptaciones de Sor Juana Inés de la Cruz, Góngora y Lorca. En 1993 dejó testimonio de su fe en el disco Quédate con Cristo. En 1998 regresó con el disco Por tu ausencia, que incluía la grabación en directo de grandes éxitos y de nuevos temas.En 2000 grabó Dímelo y en 2002 Gitano cubano, con repertorio cubano, acompañado por Raimundo Amador, Lolita y los cantantes cubanos Lucrecia y David Montes. Finalmente, en La cucharita (2004) interpretaba temas de algunos americanos como Jorge Velosa, Bob Marley, Rubén Blades o Roberto Carlos.
Evangelina Sobredo Galanes nació en Madrid, en el Pardo, el 11 de octubre de 1948. Como hija del diplomático español D. Ramón Sobredo tuvo una infancia itinerante (el Reino Unido, EE. UU., Portugal, Jordania) y una educación cosmopolita: aprendió a hablar en inglés antes que en castellano. Por ello sus primeras letras fueron en estos dos idiomas por igual aunque, finalmente, se decantó por este segundo idioma. Se educó con una monja estadounidense que la animaba a tocar la guitarra y a cantar en todas las fiestas de fin de curso. De regreso a España, tras licenciarse en Derecho, decidió dedicarse en serio a la música y a componer sus propias letras, que poseen una calidad poética y literaria notable, muy por encima de lo habitual en su tiempo, y se adscriben a corrientes existencialistas y a la canción de protesta feminista.
Junto a Nacho Saez de Tejada (Nuestro Pequeño Mundo) y Julio Seijas ("La Compañía"), Eva Sobredo grabó en 1970 un sencillo con el nombre de Expresión que incluía las canciones "Try catch the sun" y "Have you ever had a blue day", cantadas en inglés con aire bluessy-folk y, aunque Seijas siguió siendo colaborador, el grupo se disolvió. Un año después, adoptó el nombre artístico de Cecilia debido a que "Eva" ya estaba registrado y el tema "Cecilia" de Simon y Garfunkel estaba siendo lanzado por su compañía de discos, la multinacional y entonces recién instalada en España, CBS. Grabó su primer sencillo en solitario con los temas Mañana/Reuníos. El segundo es como un ruego para que se reunieran los entonces disueltos The Beatles. Aunque no supuso un gran éxito, el disco representó entonces una novedad en un panorama dominado por cantautores de influencia francesa como Mari Trini, Joan Manuel Serrat o Luis Eduardo Aute. En 1972, lanzó su primer LP, con el título Cecilia. Es el único LP original que incluye temas en castellano e inglés. Una canción social de este disco, "Dama, Dama", fue un éxito, así como las existenciales "Nada de nada", "Mi gata Luna", "Fui" o "Señor y dueño" (que según sus propias palabras, era su canción favorita).Al año siguiente, 1973, apareció su segundo LP, titulado Cecilia 2" con una característica foto de Ontañón en la portada, simulando un embarazo: téngase en cuenta que el tema central del álbum era "Me quedaré soltera"; en este álbum hay recuerdos ("Cuando yo era pequeña", "Mi ciudad"), prospecciones al futuro ("Me quedaré soltera", cuya temática resultaba polémica para la época, y "Si no fuera porque...", una velada apología del suicidio), pasado colectivo ("Un millón de sueños", alusión a la Guerra Civil) y un amor existencial, elegíaco y triste muy característico de Cecilia ("Canción de amor", "Me iré de aquí"). Sólo "Andar", tema de apertura del disco, escapa de esa tristeza y aparece lleno de ganas de vivir. Fue también un éxito, aunque no tan resonante como el anterior, habida cuenta de que los LPs eran por entonces mucho más caros que los sencillos y todavía se estaba generalizando su uso. Su tercer álbum fue el mayor éxito de su corta y fulminante carrera, Un ramito de violetas, por la canción que tuvo más éxito del LP y por la que se la suele recordar injustamente, ya que muchos de sus otros éxitos son también notables. Según su hermana Teresa, antes de ser canción fue un cuento. Junto a esta pieza destacan canciones como "Mi querida España", "Decir adiós" o "Sevilla". En 1975, Televisión Española decidió que representara a España en el Festival de la OTI, y la artista aceptó a regañadientes, puesto que no le gustaban los festivales, con la canción "Amor de medianoche", compuesta por ella misma y Juan Carlos Calderón; el tema consiguió el segundo puesto. Grabó entonces un LP recopilatorio con el título de esa canción, que fue su último trabajo antes de perder la vida en un accidente de tráfico contra una carreta de bueyes, incidente que dejó desolado a todo el país, pues la cantante poseía un carisma insólito y una popularidad sobresaliente. Sin embargo, aún llegó a editar un single en vida en 1976 con "Tú y yo" y en la segunda cara el tema "Una guerra", alusión a la Guerra Civil que aparece en otras letras suyas. "Tú y yo" nunca se reeditó en las innumerables recopilaciones posteriores. Cuando murió trabajaba en un proyecto sobre textos de Ramón María del Valle-Inclán. Está enterrada en el Cementerio de la Almudena, en Madrid.
RITCHIE VALENS
Ricardo Esteban Valenzuela Reyes, de origen mexicano, y nacido en USA, fue un pionero del Rock & Roll, y pìonero del movimiento chicano. Crecio escuchando musica tradicional mexicana, guitarra flamenca, Blues y Rithm & Blues. Expreso un interes a hacer su propia musica a la edad de 5 años. Aunque Ritchie era zurdo, estaba tan ansioso de aprender a tocar la guitarra, que domino la version diestra del instrumento.. En aquella epoca en la que estudiaba en el Pacoima Junior High School, su dominio de la guitarra era tal...que traia el instrumento a la escuela, y cantaba a sus amigos en las gradas. Cuando tenia 16 años, fue invitado a unirse como guitarrista a una banda llamada The Silhouettes. El 19 de octubre de 1957, Valens hizo su debut con el grupo. La carrera de Ritchie solo duro 8 meses...pero durante ese tiempo se anoto exitos como "la bamba", que es originalmente una cancion popular mexicana y que Valens transformo en rock y convirtio en un exito en 1958, haciendo del un pionero del rock and roll de habla hispana. El 3 de febrero de 1959, en lo que se conoce como "el dia en que murio la musica", Valens murio en un accidente de avion en Iowa, un desastre que tambien cobro la vida de dos musicos mas... Buddy Holly, y Big Bopper Richardson. En 1987, se hizo una pelicula sobre su vida...protagonizada por Lou Diamond Philips. El movimiento creado por él...(chicano Rock) influencio a musicos como Cris Montez y Carlos Santana.
Ritchie mereció una estrella en el Hollywood Walk of Fame, 6733 Hollywood Blvd - Hollywood, California, y en 2001 fue proclamado al Rock and Roll Hall of Fame. Su labor pionera en la historia del Rock and Roll es recordada por el Rockabilly Hall of Fame.
En 1988, Ken Paquette, un fan de Wisconsin de la música de los 50, erigió un monumento en el campo donde se estrelló el avión, en acero, que representa una guitarra de metal, y 3 discos con los nombres de cada uno de los artistas que murieron en el accidente. Se encuentra en un sector privado, en el 315th Streety Gull Avenue, aproximadamente a 8 millas al norte de Clear Lake. También se realizó otro segundo monumento equivalente, en Riverside Ballroom in Green Bay, Wisconsin. éste fue inaugurado el 17 de julio de 2003.
Elvis Aaron Presley (Tupelo, Misisipi, 8 de enero de 1935 - Memphis, Tennessee, 16 de agosto de 1977), cantante de rock estadounidense e icono de la música popular del siglo XX. Inspiró a muchos cantantes tanto dentro como fuera del género Rock.Considerado el Rey del Rock and Roll, también protagonizó numerosas películas, muchas de las cuales estuvieron consagradas a sus canciones. A menudo es llamado simplemente Elvis o «El Rey».Elvis tuvo una infancia dura y difícil en Tupelo, (Misisipi), hasta que, después de muchas vicisitudes, sus padres y él se mudaron a Memphis, donde poco a poco consiguieron cierta estabilidad económica. Su padre le compró su primera guitarra al cumplir 10 años. Desde niño, le apasionaba por igual la música blues, el gospel, el Doo wop así como la música country y el pop, incluyendo los temas musicales favoritos de su madre, que incluían la música mariachi y la ópera. Su cantante favorito era el tenor Mario Lanza, pero tenía gran predilección por Dean Martin, así como por Arthur Crudup, y todos los cantantes y músicos de lo que se llamaba entonces la música blues rural. Exploró asimismo las raíces musicales indias, ya que Elvis tenía ascendencia cherokee, por el lado materno.Muchos consideran que Presley fue el creador del rockabilly, una fusión del country y del blues, aunque a la hora de encontrar a la persona responsable por su mayor auge y desarrollo, la mayoría se inclina por Carl Perkins, autor del hit Blue Suede Shoes.Con su primer tema para la RCA, Heartbreak Hotel, consiguió su primer número uno, de los 18 que consiguió en su carrera en Estados Unidos. Su modo de bailar, con sus movimientos pélvicos, resultó escandaloso, aunque entusiasmó a los jóvenes. En algunos programas de televisión, como lo fue durante su tercera aparición en el Show de Ed Sullivan, sólo se le enfocó de cintura para arriba. Antes de su ingreso al servicio militar, rompió todos los récords de venta, alcanzando once números uno seguidos en la lista de sencillos, y cuatro números uno en la de los discos de larga duración.Interpretó, asimismo, cuatro películas, todas enormes éxitos de taquilla.Los años 70 serían los años en los que Elvis se convertiría de gran ídolo a mito musical. En julio de 1972 se separa de Priscilla, para llevar a cabo el divorcio definitivo en octubre de 1973, dejándolo en un profundo estado de depresión del que nunca se recobraría.En 1973 realizaría el primer concierto televisado vía satélite de la historia, desde el paradisíaco Hawái conocido como Aloha From Hawaii, y visto por un número estimado de 1.500 millones de personas.También es en ésta década en donde los excesos en sus hábitos alimenticios y su dependencia a las drogas, deterioran drásticamente su salud, tanto física como mental. En repetidas ocasiones es ingresado en el hospital. En 1973, Priscila Presley presenta la demanda de divorcio y consigue la tutela de su hija. Su ex-mujer declaró que no podía seguir en el ambiente de soledad, insatisfacción, infidelidades que dejaba la estela de fama que rodeaba a su marido y culpó directamente al "coronel" Tom Parker por sus ansias de dinero y de llevar a Elvis por rumbos de decadencia .
Para 1976-1977 Elvis dista mucho del muchacho vigoroso y lleno de energía que conquisto al mundo, convirtiéndose en una imagen burda, sobrepasado en peso y con dificultades para cantar y memorizar la letra de las canciones. Su último concierto lo daría el 26 de Junio de 1977 en Indianapolis, en el Idiana’s Market Square Arena.En la madrugada del 16 de agosto, Elvis regresa a su mansión de Graceland después de una consulta dental, durante la mañana se encarga de revisar detalles de su próxima gira y descansa con su familia y amigos. Debe tomar un vuelo para Portland esa misma noche para seguir con la gira, y alrededor de las 7 am, se retira a su habitación para dormir. Alrededor del medio día, Elvis es encontrado inconsciente en el baño de su habitación, es trasladado urgentemente al hospital Baptist Memorial en Memphis, y poco tiempo después es declarado muerto.

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María del Rocío Trinidad Mohedano Jurado, conocida artísticamente como Rocío Jurado (Chipiona, Cádiz, 18 de septiembre de 1944 - La Moraleja, Alcobendas (Madrid), 1 de junio de 2006) fue una cantante y actriz española. Se especializó en géneros musicales genuinamente españoles (copla, flamenco) así como en la balada romántica, faceta con la que alcanzó relevancia internacional. En sus últimos años experimentó con ritmos hispanos y gospel.Nació en el número 11 de la calle Calvo Sotelo de Chipiona, en el seno de una familia humilde. Su padre, Fernando Mohedano, era zapatero y cantaor de flamenco en sus ratos libres; su madre, Rosario Jurado, era ama de casa y cantante aficionada de la música española. En su hogar aprendió a amar la música; su primera presentación en público la hizo a los ocho años, en una obra en su Colegio de La Divina Pastora. También aprendió a trabajar duro desde muy niña. Cantaba misas, participaba en festivales de su colegio y también, a los quince años, cuando falleció su padre, tuvo que echar una mano a la precaria economía familiar. Trabajó de zapatera, recolectora de frutas y aún tenía tiempo para presentarse a los concursos de Radio Sevilla.
Profesionalmente, Rocío Jurado despuntó con un repertorio mayormente de copla, género que empezaba a perder vigencia y que ella revitalizó con actuaciones enérgicas, tanto en voz como en presencia escénica. Se ha repetido varias veces una anécdota con Concha Piquer, cuando Rocío, aún jovencita, se osó a interpretar ante ella uno de sus viejos éxitos; la Piquer la recibió con frialdad, acaso al ver peligrar su liderazgo.
Popular ya en los años 60 y primeros 70, en parte por algunas apariciones como actriz en televisión y cine, Rocío dio el salto a la categoría de estrella internacional al inclinarse a un repertorio melódico, de balada romántica, con instrumentaciones orquestales y una imagen personal (maquillaje, peluquería y vestuario) al gusto europeo. Rocío alternó la bata de cola con suntuosos vestidos de noche, a veces muy comentados por su exuberancia. De los años 70-80 son sus éxitos Como una ola, Señora, Como yo te amo, Muera el amor, Como la alas al viento...muchos de ellos debidos a Manuel Alejandro.
Rocío fue la primera en sustituir el típico traje de volantes y lunares de las tonadilleras por elegantes trajes de noche y una apariencia internacional, pero nunca olvidó sus orígenes, y el 21 de mayo de 1976, cuando se casó con el boxeador Pedro Carrasco en el Santuario de la Virgen de Regla, vistió bata de cola, peineta y volantes.
La pareja sólo tuvo una hija, Rocío Carrasco Mohedano. En privado, alguna vez reconoció que no dispuso del tiempo suficiente para dedicarse a ejercer de madre; sus largas giras por América le mantenían más tiempo del que hubiera deseado alejada de su hija. Tras su divorcio en julio de 1989, y después de obtener la nulidad matrimonial, Rocío Jurado se casó con el torero José Ortega Cano el 17 de febrero de 1995 en la finca de su propiedad «La Yerbabuena», ante más de 1600 invitados. La ceremonia fue retransmitida en directo (y diferido) por todas las cadenas de televisión. A finales de 1999, la pareja adoptó dos niños colombianos, José Fernando y Gloria Camila.
En agosto de 2004 fue sometida a una complicada operación en el Hospital Montepríncipe de Madrid y más tarde, el 17 de septiembre de 2004 anunciaría que padecía cáncer de páncreas en una rueda de prensa.
En junio de 2005, el XIV Festival de la Yerbabuena de Las Cabezas de San Juan (Sevilla) fue dedicado a ella. Con su amigo de toda la vida, Juan Peña "El Lebrijano" a su lado, Rocío Jurado aceptó emocionada el galardón que brindó a su padre y a todos los aficionados.
Tras más de un año de inactividad profesional, Rocío reapareció en diciembre de 2005 con el especial de TVE Rocío...siempre, con un inesperado alarde que demostró su estado de forma. El espectáculo, grabado en dos sesiones, incluía una parte de cante folclórico y otra con sus famosas baladas y demás éxitos melódicos. Algunos temas los cantó a dúo con lo más granado de la música hispana: Raphael, Mónica Naranjo, Paulina Rubio, David Bisbal, Chayanne...
En enero de 2006, Rocío Jurado ingresó en el Hospital MD Anderson, en Houston (Texas), para someterse a una revisión y a una pequeña cirugía. Una reacción alérgica a uno de los medicamentos que le suministraron, le hizo ingresar en la Unidad de Cuidados Intensivos en un par de ocasiones, retrasando su regreso a España hasta finales de marzo de 2006. El mismo día del regreso de Rocío Jurado a España, el Gobierno le concede la Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo lo cual se le notifica inmediatamente pisa tierra.El 1 de junio de 2006 fallecía a las cinco y cuarto de la madrugada en su casa de La Moraleja en Madrid, a los 61 años de edad, así lo informaba a las puertas de la residencia familiar a las 6 de la mañana su hermano y manager de toda una vida, Amador Mohedano Jurado. El cuerpo fue trasladado al Centro Cultural de la Villa en la Plaza de Colón de Madrid, donde se instaló una capilla ardiente para su velatorio público. Finalmente su cuerpo fue trasladado a Chipiona donde más de 20.000 personas fueron llegando durante toda la madrugada del 2 de junio para darle el último adiós. Allí sus restos descansan en paz en el cementerio de San José.
El alcalde de Madrid, Alberto Ruiz-Gallardón, ha prometido poner el nombre de la cantante a una calle de la capital española y, el alcalde de su tierra natal, Chipiona, ha construido un mausoleo en su honor, en el cementerio municipal.

Rocío Dúrcal (Madrid, 4 de octubre de 1944 – Torrelodones -Comunidad de Madrid-, 25 de marzo de 2006) es el nombre artístico de María de los Ángeles de las Heras Ortiz,una actriz y cantante española, también conocida como "La española más mexicana" y "Marieta".Dúrcal nació en el barrio obrero de Cuatro Caminos de Madrid. Hija de Tomás de Las Heras y María Ortiz,siendo la primera de una familia de seis hijos. Por ser la hermana mayor y debido a los recursos económicos limitados, en más de una ocasión se desempeñó en las labores domésticas,además de ayudar en la crianza de sus hermanos menores,por lo cual faltó mucho a clases en el colegio.
Desde que inició sus estudios de primaria, ya sentía deseos de hacer carrera como actriz, lo cual mantuvo en secreto durante un tiempo. Entre tanto, en los recreos de su colegio, la futura artista ya contaba con su primer público conformado por sus compañeras de clases, que la hacían cantar, a lo cual no se negaba. Después se hizo común su presencia animando las veladas escolares como cantante. Aunque sus padres apoyaban su talento, no deseaban que hiciera carrera artística. Al terminar la primaria, ya trabajaba como aprendiz en una peluquería de su barrio.Los padres de María de Los Ángeles estaban indecisos sobre qué debían hacer. Al cabo de una semana, dieron su aprobación al empresario. Aunque la futura artista insistía, sus padres temían el fracaso de su hija. Esto, desde luego, no ocurrió. Sanz decidió que la muchacha fuera puesta al cuidado de profesores particulares para terminar sus estudios de secundaria e iniciar los de canto, baile y actuación. Todo ello ocurrió, cuidando de que la futura Rocío Dúrcal, no perdiera su personalidad, que había encantado al empresario. Al mismo tiempo que le revela los secretos de la profesión artística, Sanz la pone en contacto en diversos eventos sociales con los artistas famosos de su época e incluso, algunos debutantes en el medio artístico como Raphael y la hoy fallecida y contemporánea, Rocío Jurado, y del famoso de la época Camilo Sesto amigo y además vecino de quien sería muy amiga.Como su nombre era poco adecuado para lanzarla al estrellato, Sanz ideó llamarla Rocío. En una entrevista televisada antes de su muerte Rocío contó que ese sobrenombre se lo puso su abuelo pues le recordaba el rocío matutino. Así, Sanz debe haber recogido el sobrenombre de aquella costumbre familiar. Pero, pensando que le haría falta un "apellido", él y la joven buscaron un mapa de España en el que ella señaló al azar la población de Dúrcal, en la provincia de Granada. Había nacido el sobrenombre con el cual logró su paso a la posteridad. Más tarde, fue declarada Hija Adoptiva de esta población y fue bautizada una calle en su honor. Actualmente, existe un proyecto de crear un museo sobre la artista, como proyecto compartido entre su esposo el cantante Antonio Morales "Junior" y el ayuntamiento de dicho poblado donde fue develado el 14 de febrero de 2009 un busto en su honor.
En 1969, Dúrcal conoce a los integrantes del dúo Juan y Junior integrado por los cantantes Juan Pardo y Antonio Morales. Se enamora de este último y 9 meses después contraen matrimonio en el monasterio del Escorial. Once meses después, nace la primera hija de ambos llamada Carmen María Guadalupe. Rechaza contratos para atender a su hija, pero retoma la carrera del cine y participa en montajes teatrales. En 1972, Antonio Morales inicia una serie de espectáculos en televisión cantando a dúo con su esposa tanto en España como en Latinoamérica. Morales decide después del nacimiento de su segundo hijo en abril de 1974 (Antonio Fernando) renunciar a su carrera para dedicarse a los hijos. Dúrcal continúa su carrera cinematográfica pero se aleja durante 5 años del medio discográfico. En el 1979 nació su tercera hija Shaila de los Ángeles Morales, quien ha asumido la carrera de cantante con el nombre artístico de Shaila Dúrcal.Su colaboración con Juan Gabriel se ve interrumpida por desavenencias y continúa grabando álbumes con otros compositores como Marco Antonio Solís y Rafael Pérez Botija bajo cuya dirección en 1981 graba el álbum de baladas Confidencias (La Gata, en España) , lo cual le hace merecedora de amplias ventas y reconocimientos artísticos. Se incorpora a la era del CD con el álbum Si te pudiera mentir (1990). Los álbumes Desaires y Hay Amores y Amores los realiza con producción y canciones de los compositores Joan Sebastián y Roberto Livi.
En 1997, el álbum doble Juntos Otra Vez reúne por última vez a Dúrcal y Juan Gabriel, aunque ese álbum fue realizado por compromiso con la empresa discográfica y no tanto por el deseo de Juan Gabriel de seguir cooperando con ella. Aunque no vuelven a realizar proyectos, las canciones de éste último que le proporcionaron la fama las siguió incluyendo en sus presentaciones.
En 1998, con la dirección de su descubridor Luis Sanz, realizó la serie "Los negocios de mamá" transmitida por Televisión Española.
En el año 2001, después de la grabación de su álbum "Entre Tangos y Mariachi" le es diagnosticado un cáncer en la matriz. A la vez que se sometió a tratamientos médicos, Dúrcal continuó con sus giras. Antes de grabar su último álbum en 2004, en otro examen, se descubrió una pequeña mancha en uno de sus pulmones, lo que indicaba que el cáncer se había difundido hacia estos. La artista volvió a someterse a quimioterapia. Grabó "Alma Ranchera" pero no hubo gira para promocionar este trabajo. Murió el 25 de marzo de 2006 en su casa de Torrelodones (Madrid), pasando sus últimos días en compañía de su familia; su cuerpo fue trasladado al tanatorio de Tres Cantos en Madrid, a donde acudieron artistas y admiradores entre ellos: Lolita, Sara Montiel, Maria Dolores Pradera, Manolo Escobar entre otros. Una de la más emotivas manifestaciones fue cuando el Mariachi Real de Jalisco, residente en España, despidió a Dúrcal con Las Golondrinas interpretada en el Parque Cementerio de La Paz. Al día siguiente de su fallecimiento, su cuerpo fue incinerado por deseo de su familia, posteriormente parte de sus cenizas fueron distribuidas en México, España y Estados Unidos.

El grupo estaba compuesto por tres hermanos, Manuel, Óscar y Raúl, todos ellos cantantes originarios de la ciudad de León, donde en el centro de dicha ciudad, y junto con su padre, regentan un pub musical llamado "La Lola", nombre que dio título a una de sus más famosas canciones. La mayor parte de los temas fueron compuestos por Manuel Quijano, el mayor de los tres hermanos.
Publicaron cuatro cd's con gran éxito. También presentaron galas, y colaboraron con Disney para bandas sonoras. También han sido imagen de Castilla y León para fomentar el turismo autonómico.
La banda se separó en 2007. Manuel Quijano, el mayor de los tres hermanos, lanzó su primer trabajo en solitario, "Vidas y venidas", con el nombre de Quijano, con la compañía musical Rebels Music, fundada por el propio Manuel.
En su primer disco cuentan con la colaboración del destacado tresero cubano Pancho Amat. En "La Taberna del Buda" canta con ellos Olga Tañón. Y en su última producción discográfica cantan un tema con Joaquín Sabina, mientras que Céline Dion les hace coros en otro. Cafe Quijano interpretó la canción "Burning Love" de Elvis para la película Lilo & Stich bajo el nombre de "Ardiente amor" Compusieron en el 2004 el tema de la selección de fútbol de España para la Eurocopa de ese año llamado "Sírvame una Copita". Participaron en el grupo de artistas seleccionados por Armando Manzanero para realizar su disco Duetos, en el cual cantan "Esperaré".


María Mendiola y Mayte Mateos se conocieron mientras trabajaban para el Ballet de Televisión Española y, tras su salida de la compañía en 1976, formaron el dúo Venus. Mayte y María hicieron su primera aparición televisiva como dúo en el programa "Palmarés", donde actuaron evocando a las Hermanas Kessler, y fueron contratadas por una sala de espectáculos de Zaragoza. Sin embargo, su contrato fue rescindido a la semana porque el dueño decidió que eran "muy elegantes" para ese tipo de salas. Gracias a sus contactos personales, María gestionó unas galas y se trasladaron a las Islas Canarias.
En el Hotel Tres Islas, en la isla de Fuerteventura, se dio el providencial encuentro con Leon Deane, gerente de la RCA alemana, Patrick Krevitz y Fred Dieckmann, también relacionados con la música, quienes las invitaron a Hamburgo para grabar con el compositor Rolf Soja, creador de su sencillo debut "Yes Sir, I Can Boogie". Editado en 1977, el sencillo demostró ser un gran éxito, colocándose en el primer lugar de las listas de popularidad en Alemania, Bélgica, Israel, Países Bajos, Reino Unido, Suecia y Suiza, y en el tercer lugar en Francia. Mayte y María fueron renombradas Baccara, por una variedad de rosa de tallo largo y, más tarde ese mismo año, un álbum epónimo, escrito y producido por Soja y Frank Dostal, fue lanzado al mercado.
En 1977, Baccara vendió más de 16 millones de ejemplares del sencillo "Yes Sir, I Can Boogie", quedando registrado en las páginas del Libro Guinness de los Récords como el grupo musical femenino que más discos había vendido hasta esa fecha. "Yes Sir, I Can Boogie" fue el primer sencillo, interpretado por un dúo femenino, que llegó a ser número uno en el Reino Unido, y el primero por un artista español hasta Julio Iglesias, cuatro años más tarde. "Sorry, I'm A Lady", su segundo sencillo, también fue un éxito internacional, llegando al primer lugar de las listas de popularidad en Alemania, Bélgica y los Países Bajos, y estando entre los diez primeros lugares en el Reino Unido, Suecia y Suiza.
Tras una serie de grandes éxitos como "Darling", "The Devil Sent You To Laredo", "Body-Talk" y "Ay, Ay Sailor", el dúo se desintegró a consecuencia de una gran polémica que surgió con el lanzamiento del sencillo "Sleepy-Time-Toy". Existía gran desacuerdo entre las dos integrantes respecto a la mezcla vocal usada en el sencillo y, como resultado de la disputa legal con la discográfica, Rolf Soja y Frank Dostal no intervinieron en el cuarto álbum de Baccara. En 1981, después de grabar "Bad Boys" con Bruce Baxter y Graham Sacher, ambas integrantes decidieron iniciar sus carreras en solitario. Ni Mayte ni María obtuvieron mucho éxito como solistas y, tras unos años, se buscaron nuevas compañeras y rehicieron el dúo. En la actualidad, María tiene como compañera a Marisa Pérez (desde 1985), y Mayte hace pareja con Paloma Blanco.
Baccara sigue actuando a lo largo y ancho de toda Europa y no ha parado de lanzar nuevos discos al mercado en sus dos formaciones. Su repunte de popularidad se debe en gran medida al apoyo de los fans gays, que tratan a Baccara como grupo de culto dentro de un revivalismo por la música disco de los años 70 y 80 que incluye, asimismo, a Modern Talking.

Gabinete Caligari fue un grupo de rock español, integrado dentro de la corriente conocida como Movida Madrileña, y que tuvo una extensa y relativamente exitosa carrera que se prolongó durante 18 años, dando como resultado un total de 8 LP, dos recopilatorios oficiales y diversos singles pertenecientes a sus primeros años.
Éste gran grupo, se forma en 1981 por Jaime de Urrutia (voz y guitarra), estudiante de filología semítica, y Fernando "Ferni" Presas (bajo) y Eduardo "Edi" Clavo (batería), estudiantes de la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid. Previamente habían militado en Ejecutivos Agresivos (Jaime) y en Ella y los Neumáticos (Edi y Ferni) pero, influidos por el afterpunk británico, y por la personalidad de Eduardo Benavente, se adentraron en sonidos más oscuros que los que se solían tocar en la época.
En su época afterpunk su imagen y actitud tenía un marcado carácter provocativo y sus canciones tenían un contenido que evocaba desde la época de entreguerras, hasta relaciones sadomasoquistas. Temas representativos de esa etapa fueron "Olor a carne quemada", "¿Cómo perdimos Berlín?" o la emblemática "Golpes".
Sus primeros discos se caracterizaron por una reinvención constante. De esa forma, hacia 1983 inauguran una nueva corriente que fue bautizada como 'Rock Torero'. Se trataba de pop influenciado por sonidos castizos (del folclore español), tales como el pasodoble. Esta influencia ya se deja notar en su primer álbum, en el que se mezclan canciones oscuras como "Héroes de la URSS" o "Grado 33", con otras de esta nueva hornada: "Sangre Española" o "Que Dios reparta suerte". Esta mezcla de rock con ritmos populares será una máxima en la carrera del grupo, logrando con ella temas tan populares como "El calor del amor en un bar", "La Culpa fue del Cha-cha-cha", "Camino Soria" o "Cuatro Rosas".
Alcanzan su máxima popularidad con Camino Soria y Privado. A partir de ese momento su éxito empieza a decaer lentamente. Ya en los 90, el estilo musical que defienden no recibe el visto bueno del gran público y, a pesar de mantener la calidad, no adaptar el sonido a la escena que se estaba viviendo termina pasándoles factura. Así, en 1999 se disuelve oficialmente el grupo, en parte por la nula atención que los medios habían prestado a sus dos últimos trabajos, Gabinetíssimo y Subid la música. En 2002 Jaime de Urrutia comenzó una carrera en solitario, publicando varios discos. Edi Clavo y Ferni Presas fundaron el grupo Paraphernalia, que se disolvió al poco tiempo, y desde entonces ensayan juntos sin tocar en ningún grupo estable, dedicándose a otras ocupaciones.


Paloma San Basilio Nace en Madrid, vive su infancia en Sevilla y su adolescencia en Lugo. Estudió en la Universidad Complutense de Madrid unos años de Filosofía y Letras y Psicología antes de dar comienzo a su carrera artística en 1975, gracias a ser elegida como presentadora de un programa de T.V. que se llamaba "Siempre en domingo". Ese mismo año, graba su primer disco, Sombras, con amplia repercusión internacional. Su siguiente trabajo, Donde Vas (1977), acentúa los temas más sentimentales y consolida su fama en Hispanoamérica.
Al año siguiente, presenta una mayor versatilidad con En Directo (grabado en el Teatro Monumental de Madrid), en el que se encuentra una de sus canciones de más éxito: Beso a beso, dulcemente. En 1979, para el mercado latinoamericano, el disco Beso a beso… dulcemente, incluye composiciones como Inmenso, Ahora (la versión española de Ancora, de Mina), Ámame una vez más y una magnífica versión de Over the rainbow (tema de El mago de Oz de Judy Garland) en español y en una adaptación tipo disco.
En 1991, realizó un concierto a dúo con el tenor Plácido Domingo en Miami, que fue editado en vídeo y LP y que alcanzo ventas multimillonarias.
Paloma continua sus éxitos con producciones como De mil amores (1991), Mediterránea (1992) y en 1994 con Al este del Edén. Ese mismo año realiza un concierto a dúo con el tenor José Carreras ante 20.000 personas en Bogotá. Como un sueño (1995) celebra sus 20 años con la música y con el que permanece de "tour" por unos veinte meses.
En 1997, Paloma canta las obras de músicos clásicos en su nuevo trabajo Clásicamente tuya y, en ese mismo año, después de 17 años regresa a la actuación en el musical El hombre de La Mancha junto a José Sacristán, también editado en CD, con el que permanece 2 años en cartel en Madrid, 1 mes en Barcelona y 2 meses en Buenos Aires. En 1999 presenta Perlas, trabajo discográfico en el que por primera vez Paloma canta junto a su hija Ivana (Vanessa) Gómez.
En el 2000 Paloma abandona EMI (su discográfica de toda la vida) y presenta con SONY su disco de boleros titulado Escorpio, producido por Bebu Silvetti y que fue muy bien recibido en toda América. Posteriormente en 2002, y con un sello independiente, presenta Eternamente. Grandes éxitos de grandes musicales". En 2001, regresa al teatro consagrándose con My Fair Lady, musical que permanece en cartelera durante 19 meses en el teatro Coliseum de Madrid, logrando con él, el reconocimiento merecido a una gran artista dentro de un género tan difícil como es el musical, y recibiendo por la critica española el título de la Reina del Musical.
El 8 de septiembre de 2006 estrenó con éxito el musical Víctor Victoria en el Teatro Coliseum de Madrid.
El 1 de noviembre de 2006, Paloma recibió en Nueva York un Grammy Latino, Premio a la Excelencia Musical 2006.
En el 2008 realizó la Gira ENCANTADOS, acompañada por el maestro Luis Cobos, junto con una orquesta sinfonica de más de 60 músicos. Gira de la cual salió a la luz un DVD de la misma así como un Cd recogiendo los mejores momentos.
Actualmente se encuentra inmersa en la Gira PSB (Piano, Saxo y Bajo). Gira que alterna simultaneamente entre varias provincias españolas y ciudades de America Latina. Consiguiendo con la misma un enorme éxito tando de público como de crítica. Dicha gira comenzó a primeros de 2009 y se prolongará por todo 2010.
A la par de esta Gira, esta preparando un nuevo disco producido y arreglado integramente por su hija Ivana (Vanessa) Gómez, que saldrá a la luz en la Primavera de 2010.
DISCOGRAFIA

Sombras (1975) Donde vas (1977)

En directo (En vivo) (1978) Beso a beso... dulcemente (para Latinoamérica y Estados Unidos de América) (1978)

Evita (musical) (1980) Ahora (1981)

Dama (1982) Paloma (1984)

En vivo (1985) La Fiesta Terminó (1985)

Las Leandras (1985) La Cenicienta del Palace (1985)

Vuela Alto (1986) Grande (1987)

Vida(1988) La Sinfonía de los Tres Tiempos de América (con Quilapayún) (Para España y Europa) (1988)

Quiéreme Siempre (Para España y Europa)(1990) Nadie como Tú (Para Latinoamérica y Estados Unidos) (1990)

De Mil Amores (Para Latinoamérica y Estados Unidos) Por Fin Juntos: Paloma y Plácido (con Plácido Domingo) (1991)

Paloma Mediterránea (1992) Al Este del Edén (1994)

Como un Sueño (1995) Clásicamente Tuya (1997)

El Hombre de La Mancha (1997) Perlas (1999)

Escorpio (2001) My Fair Lady (2001)

Eternamente: Grandes Éxitos de Grandes Musicales (2002) La música es mi vida (2003) Diva (2006) (Recopilatorio) (2 CD Y 1 DVD) Invierno Sur (2007) Encantados (2008).


MARI TRINI nació en la pedanía de Singla, del término de Caravaca de la Cruz, Murcia, España, el 12 de julio de 1947, aunque a muy temprana edad se trasladó a Madrid con su familia, en la que no existía tradición artística.
Alumna de un colegio religioso, su infancia se vio marcada por una enfermedad que la obligó a permanecer en cama desde los siete años hasta los catorce. Quizá por eso salió de su casa con ganas de libertad y en busca de amplios horizontes. Durante su convalecencia comenzó a interesarse por la música, aprovechó para aprender a tocar la guitarra y empezó a componer sus primeras canciones.
Contaba quince años cuando conoció en Madrid a Nicholas Ray, director de películas como Rebelde sin causa. Ray se convirtió en su representante, y la convenció para viajar a Londres, con el objetivo de prepararse para rodar una película, aunque ésta nunca pudo realizarse. Allí permaneció un año, estudiando con Peter Ustinov y participando en algunos programas de radio.
Más tarde Mari Trini se trasladó a París, donde grabó sus primeras canciones en francés. Después de permanecer cinco años en Francia,Mari Trini regresó a España para continuar su carrera musical.Graba su primer disco en español con la discográfica RCA, en el que canta canciones de otros autores, como Luis Eduardo Aute y Patxi Andión, además de algunas compuestas por ella misma.
Sin embargo, es con su siguiente disco, Amores, grabado en 1970, con el que se dará realmente a conocer y con el que obtendrá un gran éxito. En este disco, el primero que graba con la discográfica Hispavox, se revela como excelente compositora además de intérprete, arropada por Waldo de los Ríos y Rafael Trabucchelli.Es la época en la que triunfa la factoría de cantantes procedentes del llamado "sonido Torrelaguna".En él, además de la canción que da título al disco, se encuentran temas como "Un hombre marchó", "Mañana", "Cuando me acaricias" o "Vals de otoño", ya clásicos en la carrera de Mari Trini.
Su siguiente álbum, Escúchame, incluyendo canciones como "Yo no soy ésa" o "Yo confieso", conoce similar impacto que el anterior y confirma a Mari Trini como una de las cantautoras más importantes de habla hispana.
Durante los años siguientes, Mari Trini compagina sus actuaciones en directo por todo el país con nuevas grabaciones discográficas: Ventanas,¿Quién?,Transparencias o Como el rocío son discos en los que la artista confirma su personal estilo. Al mismo tiempo, continua grabando en francés adaptaciones de sus propias canciones.
En la segunda mitad de la década de los setenta,Mari Trini comienza a acercarse más a los planteamientos musicales del pop del momento.Con sus discos Sólo para ti y A mi aire,la artista ofrece una nueva imagen renovada, tanto en lo personal como en lo musical, al incorporar novedosos y arriesgados arreglos a sus composiciones.
La década de los ochenta comienza para Mari Trini con la publicación de su disco Oraciones de amor, al que seguirá un año más tarde.Una estrella en mi jardín. Con éste nuevo disco, y más concretamente con la canción que da título al mismo, obtiene uno de los mayores éxitos de su carrera.
En 1984 publica dos discos, Diario de una mujer, repleto de grandes canciones, y Mari Trini,titulado en México como Mari Trini Interpreta Grandes Autores Mexicanos, álbum de homenaje a la canción mexicana, en donde destacan :"Contigo aprendi", "Échame a mi la culpa", "Fallaste corazón","No","Farolito", "Noche de ronda","El jinete", "Cuando vuelva a tu lado" y "La media vuelta", en donde ella hace una transformación del bolero y la canción ranchera a balada de vanguardia, con su particular estilo. A finales de este año realiza un gran concierto en el Teatro Salamanca de Madrid del que se extraerá un doble disco en directo y que será emitido por televisión. En la segunda mitad de los ochenta graba dos nuevos trabajos, Quién me venderá y En tu piel, que supondrán el final de casi veinte años de colaboración con la discográfica Hispavox.
A principios de los noventa graba con una discográfica independiente un nuevo disco, Espejismos, en el que combina canciones de corte más clásico con otras con claras influencias rock. Mari Trini recibe un premio en Miami por la canción "Tuya", incluida en este álbum. En este tiempo trata de recuperar espacio en el mercado español, incluso conectando con radiofórmulas de nuevo cuño como Cadena Dial. En 1995 aparece su disco Sin barreras, con la compañía Divucsa, en el que vuelve a grabar cuatro de sus grandes éxitos, además de ofrecer nueve temas nuevos, con diversas influencias musicales, como salsa, rock, e incluso blues.
Un año más tarde aparece su disco Alas de cristal, grabado bajo la dirección musical de Josep Mas "Kitflus", tras la publicación del cual recibe un premio de la SGAE como reconocimiento a su carrera. El último trabajo de la artista, grabado con el trío Los Panchos, publicado con gran éxito a finales del 2001, obtiene el disco de oro por sus ventas en España.Es un doble Cd con 23 canciones de las cuales,Mari Trini es la compositora de 12 de ellas.Las 11 restantes son éxitos de "Los Panchos", que Mari Trini comparte con la voz de Rafael Basurto, la última voz viva de "Los Panchos" originales.Mari Trini vivió el último año de su vida en una urbanización de las afueras de Murcia, componiendo, escribiendo y preparando un concierto despedida de su carrera, lo que no pudo cumplir a causa de su fallecimiento, acaecido la noche del 6 de abril de 2009, en el Hospital Universitario Morales Meseguer de la capital murciana, debido a un agravamiento de la enfermedad que padecía.Le sobreviven su madre y tres hermanos, y su secretaria y gran amiga durante más de cuarenta años, Claudette.
Con fecha 12 de abril de 2009, el Grupo Municipal Socialista de su ciudad natal, Caravaca de la Cruz, presentó, para su aprobación por el Pleno, una moción para que sea dedicada a su memoria una plaza o calle, en la ciudad o en la pedanía de Singla, donde nació, o bien que se dé su nombre al futuro auditorio municipal.

Julio José Iglesias Puga de la Cueva (Madrid, 23 de septiembre de 1943, España) más conocido como Julio Iglesias, es un ex futbolista, empresario, cantante y compositor español de fama internacional, que en 2008 cumplió 40 años de carrera. Es el intérprete latino que más discos ha vendido y según Sony Music uno de los 10 mayores vendedores de discos en toda la historia de la música.
Con más de 300 millones de discos vendidos en todo el mundo, ha recibido más de 2600 Discos de Platino y Oro. Ha obtenido grandes éxitos de taquilla alrededor del globo, calculándose que ha realizado más de 5000 conciertos en vivo, en más de 600 ciudades del mundo entero y que su rostro ha aparecido en unas 1700 portadas de revistas y otros tantos programas de televisión. Original embajador internacional de la música, ha grabado en 14 idiomas, siendo el único artista en recibir el Disco de Diamantes otorgado por el Libro Guinness de los récords en 1983, por haber vendido, en un año, más de 100 millones de discos en 6 idiomas distintos.
Se estima que durante su ilustre carrerra ha actuado para 60 millones de personas en los cinco continentes.
De acuerdo al libro " Riquísimos ", del periodista Jesús Salgado , Julio Iglesias es la novena fortuna de España , con un patrimonio estimado en € 3.600 -tres mil seiscientos millones de Euros- o .200 - cinco mil doscientos millones de dólares .
Es padre de los cantantes Enrique Iglesias y Julio Iglesias JR.
Notable atleta, el joven español era un adolescente enamorado del deporte, que convirtió su sueño en realidad, cuando fichó como portero por el Juvenil B del Real Madrid Club de Fútbol, uno de los equipos filiales en categorías inferiores del Real Madrid.A las 2 de la mañana del 22 de septiembre de 1963, Julio Iglesias junto a un grupo de amigos, celebraban una noche de diversión, como otros jóvenes de su edad. La aguja del velocímetro del coche en el que viajaban, sin embargo, paró de pronto en la vía Majadahonda de Madrid. Ninguno de ellos recuerda cómo llegaron luego al Hospital Eloy Gonzalo, pero todos coinciden en que sobrevivieron de milagro. Julio Iglesias, que en ese momento tenía 20 años, según el parte médico, no tenía ninguna esperanza de volver a caminar.
Estuvo semiparalítico un año y medio y sus posibilidades de andar dependían de una constante terapia y ejercicios. Poco a poco, en medio de su tragedia, Julio supo renunciar por completo al fútbol y a su trabajo en el Real Madrid. Pese a ello, nunca abandonó la idea de ser grande. Eladio Magdaleno, un joven enfermero que cuidó de él en el hospital, fue uno de los primeros en darse cuenta de la nostalgia de Julio y de su constante afición por escribir poemas, muchos de los cuales eran tristes y versos románticos cuestionando la misión del hombre en la vida. De hecho, fue la persona que por primera vez le regaló una guitarra, como terapia para que ejercitara sus dedos y pasara el tiempo. A partir de ese momento, pronto descubrió una nueva pasión que cambió totalmente su vida. Rasgueando la vieja guitarra comenzó a acompañar sus poemas con música y los poemas pasaron a ser canciones y las primeras sonatas el preámbulo de una carrera llena de éxitos.
Empezó a cantar para aliviar esa nostalgia de haber sido un deportista que ahora estaba postrado en una cama. Fue aprendiendo a tocar la guitarra, lo básico para vestir con música sus poemas. Su esfuerzo personal, sus ganas de vivir, y el gran apoyo de su familia, especialmente de su padre, que incluso abandonó su profesión durante más de un año para ayudar a su hijo en la rehabilitación, produjeron un verdadero milagro: Julio pudo volver a andar. Atrás quedaron meses de durísima recuperación en las playas de La Carihuela en Torremolinos, Málaga y Benidorm, Alicante. Desde muy tempranas horas de la madrugada, acompañado de su padre.
Una vez recuperado, reanudó sus estudios y viajó a Londres para estudiar inglés, primero en Ramsgate y luego en el Bell's Language School en Cambridge. Algunos fines de semana cantaba en un pub, el Air Port Pub, canciones que eran populares por entonces - Tom Jones, Engelbert Humperdinck, The Beatles. Y fue allí, en Cambridge, donde conoció a Gwendolyne Bollore quien sería su novia y quien le inspiró una de sus canciones más famosas: Gwendolyne.En 1971 se casó con Isabel Preysler, de la que se separó en 1975. Con ella tuvo tres hijos: Chábeli, Julio José y Enrique.
Actualmente está en pareja con Miranda, una joven holandesa, veistidós años menor que él.
En 1983 le entregan el disco de diamantes por haber vendido más de cien millones de discos en todo el mundo y en 1984 le ponen una estrella en el camino de la fama, en Hollywood.

Enrique Urquijo nació en Madrid y permaneció la mayor parte de su vida vinculado al barrio madrileño de Argüelles, donde vivió su infancia y juventud. Fue el segundo de cuatro hermanos: Javier (el primogénito, vinculado también en sus orígenes al grupo Tos; actualmente continúa vinculado al mundo de la música), Álvaro (el tercero, actual líder y alma de Los Secretos tras la muerte de Enrique) y Lydia (nacida en 1972, mucho menor que sus hermanos, y que no está vinculada al mundo de la música).
Junto a sus hermanos Javier y Álvaro y su amigo del colegio F.E.M. José Enrique Cano (Canito), formaron el grupo Tos, que tras la muerte de éste último (como consecuencia de un accidente de automóvil ocurrido en la madrugada del día de año nuevo de 1980), denominaron Los Secretos. El concierto homenaje al batería desaparecido, conocido como Homenaje a Canito, celebrado en el salón de actos de la Escuela de Ingenieros de Caminos de Madrid en febrero de 1980, se considera el inicio de la llamada Movida madrileña. Con su álbum homónimo Los Secretos inician su carrera, que incluye temas emblemáticos de la música española de los 80 como: "Déjame", "Ojos de perdida", y la versión "Sobre un vidrio mojado".
Durante su trayectoria musical, Enrique Urquijo dejó un legado de quince discos con Los Secretos y dos con Los Problemas. En su música se denotan diversas influencias, desde Neil Young a Jackson Browne, pasando por Joan Manuel Serrat, José Alfredo Jiménez o Warren Zevon. Con Los Secretos, Enrique contribuyó a introducir el Country rock en España.
El que fuera una de las piezas clave de la Movida madrileña escribió muchas de las mejores páginas de la edad de oro de la música Pop rock española. Su hermano Álvaro sigue presentando en gran parte la obra de Enrique con Los Secretos, que continúan en activo.
Con su grupo paralelo Los Problemas, Enrique daba rienda suelta a sus gustos más personales, tocando rancheras, versiones y temas propios. Actuaba en pequeños locales y se hacía acompañar de músicos amigos. Compositor de gran sensibilidad, transmitía emociones y sentimientos de una forma sencilla y directa, siendo considerado uno de los mejores compositores de su generación.
El último tema que Enrique Urquijo compuso fue "Hoy la vi", al parecer inspirada por el reencuentro casual con un antiguo amor (Eloísa García-Moreno), cuya maqueta fue editada y arreglada por su hermano Álvaro e incluida en el álbum homenaje A tu lado (2000). "Hoy la vi" fue interpretada en directo por Los Secretos por primera vez en el Palacio de los Deportes de Madrid en diciembre de 2009.
Su última actuación en directo fue en Zaragoza, colaborando a la guitarra y la voz en el tema "Te debo una canción" del grupo aragonés Ixo Rai, a quienes acompañaba como invitado. Casualmente, el día de su fallecimiento poco más de un mes después, su hermano Álvaro recibió la noticia en esta misma ciudad, donde se hallaba realizando un concierto. Enrique fue encontrado muerto en el barrio de Malasaña en Madrid sobre las 9 de la noche del miércoles 17 de noviembre de 1999. Está enterrado en el Cementerio de la Almudena de Madrid. Dejó una hija (María Urquijo Navarro), a la que dedicó las canciones "Pero a tu lado" y "Agárrate a mí, María". María tenía 5 años cuando murió su padre.
La última aparición pública de Enrique fue en la ceremonia de entrega de los Premios Amigo, el jueves 4 de noviembre de 1999, menos de dos semanas antes de su muerte.


Antonio Molina de Hoces (Málaga, 9 de marzo de 1928 - Madrid, 18 de marzo de 1992) fue un actor y cantante español de copla y flamenco. Con una voz alta y un estilo inimitable, gozó de gran popularidad al frente de numerosos espectáculos teatrales y protagonizó varias películas en las que su habilidad vocal era el principal reclamo.
De origen humilde, desde niño se ve obligado a trabajar en distintos oficios a la vez que se aficiona a la canción española.
A los catorce años se desplaza a Madrid para dar los primeros pasos de su carrera musical. Tras ganar un concurso para noveles que convoca Radio España en 1949, consigue grabar un disco con temas como El agua del avellano o El macetero, que da título a un cortometraje, su primer contacto con el cine.
En 1952 debuta en el Teatro Fuencarral con el espectáculo Así es mi cante. La difusión radiofónica de sus canciones le conduce rápidamente al éxito y su peculiar estilo, con una voz cristalina y un falsete inconfundible, goza de gran aceptación por parte del público.
En 1954 crea su propio espectáculo, Hechizo, con el que debuta en el Teatro Calderón. Asimismo, protagoniza varias películas hasta 1965, entre ellas El pescador de coplas, Esa voz es una mina y El Cristo de los Faroles. En Café de Chinitas y Puente de coplas coincide con Rafael Farina.
Su canción más recordada es Soy minero, pero su amplísimo repertorio se compone de otros éxitos como Adiós a España, Soy un pobre presidiario, Cocinero, cocinero, María de los Remedios, Ángela del alma mía o Yo quiero ser mataor.
En 1986 regresa a los escenarios. En 1990 recibe junto a otros compañeros como Juanito Valderrama un preciado Disco de Platino en reconocimiento a su trayectoria artística. Un año antes se veía obligado a abandonar el mundo del espectáculo al diagnosticársele una fibrosis pulmonar, que se agravaría hasta su muerte en 1992. Su despedida se convirtió en una multitudinaria muestra de afecto popular.
Casado con Ángela Tejedor desde 1952, Antonio Molina fue el patriarca de una saga de artistas. Tuvo ocho hijos, entre ellos Ángela, Paula, Miguel, Mónica y Noel, también dedicados a la interpretación y a la música. Su nieta Olivia Molina es igualmente actriz.
Una de sus últimas y mayores satisfacciones fue ver a su hija Ángela cantando varias coplas del repertorio popular en Las cosas del querer, película musical de Jaime Chávarri estrenada el mismo año de su retirada definitiva de los escenarios.
Fue enterrado en el cementerio de Fuencarral (Madrid). Una estatua del artista, obra del escultor Santiago de Santiago, preside desde 2002 una céntrica plaza malagueña, inaugurada con ocasión del décimo aniversario de su muerte en un emotivo homenaje que reunió a la familia Molina prácticamente al completo.

María Isabel Pantoja Martín (n. Sevilla, España, 4 de agosto de 1956) es una cantante española, destacada en el género musical de la copla. Ha trabajado esporádicamente como actriz, en un par de películas. Es madre de dos hijos, el popular Kiko Rivera, fruto de su matrimonio con Francisco Rivera, y Chabelita, una niña peruana que adoptó en 1996.Sus padres eran Juan Pantoja, letrista de fandangos perteneciente al grupo Los Gaditanos, y Ana Martín, heredera de la pasión del baile. Su hermano Agustín Pantoja es igualmente cantante.
Isabel comenzó su carrera musical a la temprana edad de 6 años en el cuadro flamenco de su primo Chiquetete. De niña recibía el nombre de Maribel.
Un año después de comenzar a bailar con Chiquetete es contratada en el tablao flamenco sevillano de El embrujo donde llegaría, en poco tiempo, a ser la primera figura.
Con 17 años acude a Madrid y conoce al que con el tiempo sería su gran maestro y uno de los máximos exponentes de la copla española: el Maestro Solano, quien junto al poeta y letrista Rafael de León compone sus primeros trabajos discográficos. León y Solano encontraron en ella a la heredera de figuras como Imperio Argentina, Juanita Reina o Concha Piquer y decidieron apostar por unas facultades que se encargaron de pulir hasta convertirla en una primera figura. Sus discos más representativos en esta primera etapa son 22 abriles tengo, Al alimón y uno compuesto íntegramente por sevillanas titulado ¡Viva Triana! en el que demuestra su versatilidad en el género.
Isabel no tarda en formar compañía propia y durante años cultiva con gran éxito la copla, género en decadencia en aquel momento y cuyo interés en el público consigue resucitar gracias no sólo a su talento sino también a su frescura y a una elegancia inusual a la hora de abordarlo. En esta época alcanza el éxito con temas como El pájaro verde, Garlochí o El señorito.
En 1983 sale a la luz su primer álbum de música pop: Cambiar por ti, compuesto por Paco Cepero y que con temas como En la niebla o Nada, además del que daba título al disco, alcanza un éxito formidable logrando diversificar su público. Desde ese momento Isabel Pantoja ha alternado baladas y canciones románticas con la copla, género que jamás ha abandonado y donde demuestra todo su potencial artístico.
En 1983, Isabel ve redoblada su notoriedad gracias a su boda con el torero Paquirri. Tal matrimonio reflejaba el prototipo de pareja de éxito según la imagen romántica de España: un torero y una tonadillera, de indudable fotogenia y triunfadores en sus respectivas profesiones.
La muerte de Paquirri en 1984 causa una conmoción en el país, e Isabel se convierte (bien a su pesar) en «la viuda de España». La prensa rosa la catapulta como el personaje más perseguido, especialmente cuando vive su luto en reclusión.
La expectación es máxima cuando en 1985 Isabel Pantoja reaparece con el disco Marinero de luces, compuesto íntegramente por José Luis Perales y que incluye obvias alusiones a su marido fallecido. El éxito del disco es descomunal (un millón de copias vendidas) y la convierte en la primera figura de la canción española. En esta época el nombre de Isabel Pantoja comienza a ser sinónimo de éxito y triunfo consiguiendo llenar cualquier aforo y logrando una cantidad de admiradores sencillamente impresionante.
Su segundo gran éxito musical lo consigue con el disco Se me enamora el alma (1989), ya con un sonido más moderno y ritmos programados, también compuesto por Perales y que sirve como confirmación tanto de su categoría como cantante como de su tirón popular.
En vistas del éxito, en 1990 protagoniza la película Yo soy ésa, dirigida por Luis Sanz, un gran conocedor del mundo del espectáculo en general y de la copla en particular y que había influido decisivamente en la carrera artística de figuras como Rocío Dúrcal y Rocío Jurado. El éxito coloca el film entre los más taquilleros de toda la historia del cine español. Todas las canciones, grandes éxitos de la copla de sus antecesoras, fueron recogidas junto a algunas otras en un doble álbum titulado La Canción Española que Isabel grabó junto a la Orquesta Filarmónica de Londres dirigida por Luis Cobos. Es éste sin duda uno de sus mejores trabajos discográficos y sirvió para consagrarla como la tonadillera moderna por antonomasia.
Un año después repite en el cine con El día que nací yo, dirigida esta vez por Pedro Olea. Es una película de mayor calidad y gran aceptación también, aunque no logra alcanzar el éxito de la anterior.
Con una producción discográfica muy amplia, Isabel Pantoja realiza numerosas galas por España y Latinoamérica siendo siempre muy bien recibida por el publico. En abril de 2005, el dúo Pumpin' Dolls produce un disco que consiste en remezclas de baile de los temas más famosos de la cantante.
Canciones como Marinero de luces, Caballo de rejoneo, Así fue o Veneno forman parte de la reciente historia de la copla española.


Rosario Flores es el nombre artístico de Rosario González Flores (Madrid, 4 de noviembre de 1963) cantante y actriz española. Ha sido la ganadora, entre otros premios, del Grammy Latino al mejor álbum vocal pop femenino, en las ediciones de 2002 y 2004 por sus trabajos Muchas flores y De mil colores, respectivamente.
Es la hija menor de Antonio González El Pescaílla y Lola Flores La Faraona, hermana de la actriz-cantante Lolita Flores y el cantautor Antonio Flores. Tiene una hija, Lola, con su entonces pareja Carlos Orellana y el 21 de enero de 2006 (aniversario del nacimiento de Lola Flores) tuvo un hijo, Pedro Antonio, con Pedro Lazaga que es su marido en la actualidad, a quien conoció rodando Hable con ella en 2001.
A Lola Flores se le caía la baba cuando hablaba de la más pequeña de sus hijos. Puro fuego, con raza y casta de artista. Rosarillo, así comenzó a ser conocida por el mundo del espectáculo, despuntó muy joven. Con doce años ya se atrevió a ponerse ante la cámara de Antonio Giménez Rico para rodar un pequeño papel en Al fin solos pero... Tras esta primera experiencia, y mientras veía crecer como artistas muy distintos a su hermana, Lolita, y a su ojito derecho, Antonio, siguió preparándose concienzudamente para convertirse en digna hija de sus padres. Por artista.
En 1984, con poco más de veinte años, grabó su primer trabajo discográfico, Vuela de noche. En este disco ya se podían vislumbrar sus genialidades (de hecho, varios temas fueron compuestos por ella); pero la crítica no fue muy amable y el público no respondió como a ella le hubiera gustado. No se amilanó. Volvió a los brazos del cine e interpretó una película hoy de culto, Colegas, junto a Antonio y Enrique San Francisco (en aquel entonces ligado sentimentalmente con ella). Siguió entre celuloide, y bastidores de teatro, simultaneando sus trabajos con apariciones esporádicas en la televisión.
Como cantante encontró, al fin, luz en el camino tras lanzarse al mercado su De Ley. Los temas más bellos de este trabajo fueron firmados por su hermano, Antonio. Medio millón de copias vendidas avalan la calidad de este disco, rompedor y atrevido. Luego vendría un nuevo disco, Siento. Entre este Siento de bosanova, rumba y funky, y su siguiente trabajo, Mucho por vivir (1996), la artista hubo de enfrentarse a un doble golpe vital que la rompió por dentro: Lola Flores, su madre, y su hermano Antonio morían en un intervalo de apenas 15 días (La Faraona fallecía el 16 de mayo de 1995 y su hermano el día 30 del mismo mes).
Con Mucho por vivir y sin deseos de mirar atrás, en 1996 Rosario vivió una experiencia única que logró, en parte, mitigar el dolor. Nació, el 3 de octubre de 1996, su hija, fruto de su relación con Carlos Orellana.
Con esta nueva mirada, la de la maternidad y las ganas de seguir viviendo, Rosario Flores volvió a regalar a sus miles de fans con esas actuaciones en directo cargadas de vida que transcurre sin descanso de un lado a otro del escenario. Jugar a la locura salió en 1999 y en 2001 Muchas Flores. Además, no ha perdido tiempo y la que fuera la más pequeña de los Flores se ha convertido nada menos que en chica Almodóvar... y torera: Hable con ella...

Rosana Arbelo (Lanzarote, Canarias, 24 de octubre de 1963) es una cantautora canaria.
Rosana ha vendido más de 6.000.000 de copias a nivel internacional y nacional y ha dado más de 500 conciertos en España, Europa, América y Asia desde que en 1996 a los 33 años lanzase su primer disco "Lunas Rotas".
Rosana nació en Lanzarote, Islas Canarias. Es la pequeña de una familia de ocho hermanos. A los 20 años se trasladó a Madrid donde estudió armonía y guitarra. En 1994 una canción de su autoría: Fuego y miel cantada por Esmeralda Grao, ganó el primer premio en el Festival de Benidorm; a partir de entonces sus composiciones empezaron a interesar a muchos artistas.
En 1996 envió una maqueta a MCA, y consiguió un contrato discográfico. Su primer álbum Lunas rotas fue publicado en junio de ese año, y tuvo un notable éxito, convirtiéndose en álbum de diamante en menos de dos años. Incluía el tema El talismán, el mayor éxito de España en 1996. Decidió cantar ella misma sus propias composiciones y publicó su primer álbum: Lunas rotas. Su entrada en la lista de superventas fue la entrada más fuerte de un artista nuevo en la historia de la música en España. Consiguió unas ventas de más de 1.600.000 de copias de nuestro país, y más de 900.000 en el resto del mundo. Lunas rotas se publicó en más de 30 países, entre ellos: México, Brasil, EE.UU., Francia, Alemania, Japón y Corea. El director y productor cinematográfico Quentin Tarantino utilizó dos de sus canciones en la película Tú asesina, que nosotras limpiamos la sangre.
Durante los siguientes años, Rosana continuó editando álbumes y realizando giras por Europa y Latinoamérica. En 1998 se ocupó de la composición y producción del himno oficial de la Selección Española para el mundial de Fútbol de Francia. En el mismo año publica su álbum Luna Nueva que obtuvo gran éxito en ventas, aunque nunca alcanzó los logros de Lunas Rotas.
Rosana actuó en el Festival Viña del Mar de Chile y allí le fue entregado el máximo galardón del certamen, la Gaviota de Plata, premio otorgado por el público.
En septiembre del 2001 sale a la venta su disco de nombre homónimo Rosana. Su nuevo trabajo, producido, compuesto e interpretado por ella, experimenta nuevos ritmos, producto directo de haber nacido en las Islas Canarias donde los géneros musicales se funden. Rosana (2001) alcanzó el puesto #1 en ventas en España, aunque sólo por una semana.
El 23 de mayo del 2003, en el Círculo de Bellas Artes, Rosana presenta su primer libro Rosana. Material Sensible. Canciones y Poemas editado por Ediciones Aguilar. Es una de selección de pensamientos, poemas, canciones escritas para otros intérpretes, canciones ya interpretadas por ella y otras inéditas. Carlos Tena, uno de los mejores críticos de la música española, presenta el libro calificando a la cantautora como “una poetisa que sabe hacer canciones o una cantante que sabe hacer poemas […] una novia del mar”. En este mismo año la cantautora trabaja en la creación de un nuevo sello discográfico desde el que se lanzarán artistas noveles.
El 1 de diciembre de 2003 Rosana publica un doble CD grabado en directo con 10 canciones nuevas, 12 de sus éxitos y dos videos. Marca Registrada, este cuarto álbum de Rosana, es un disco diferente, ya que no sólo reúne éxitos y canciones queridas de sus tres anteriores discos; también estrena canciones inéditas. La grabación se realizó en dos lugares diferentes, antes dos públicos diferentes, con dos ambientes diferentes, con dos planteamientos musicales diferentes. El CD se grabó en agosto de 2003 en Manilva (Málaga); el otro, en septiembre del mismo en el Teatro Coliseum (Madrid).
Su 5º disco. “Magia”, álbum lanzado el 6 de junio de 2005, al mes de su salida ya era disco de platino pero fue su primer disco de estudio que falló en alcanzar la primera posición, alcanzando el puesto nº3. En el año 2006, saldría una edición especial llamada “Más Magia”, en este disco cambiaría de discográfica, cambiandose a Warner Music Spain.
Entre ellas sacó un disco de “Grandes Éxitos” el 26 de junio de 2005.
En Junio de 2007, haciéndolo coincidir con la fecha en al que editó su primer álbum "Lunas Rotas", pero 10 años después, Rosana edita un disco muy especial que se llamó “De Casa a las Ventas”., un cuadrúple en el que incluye su primer álbum rematerizado, las maquetas de ese disco, en el que se incluyen 6 temas inéditos que en su día no formaron parte del mitológico "Lunas Rotas", tal y como se maquetaron, y el directo que Rosana dio en la plaza de toros de Las Ventas (Madrid), donde por primera vez un artista novel colgó el letrero de "AGOTADAS LOCALIDADES", además de los videos e imágenes de archivo que tuvieron algo que ver con "Lunas Rotas".
El 14 de abril de 2009 salió a la venta su nuevo álbum "A las buenas y a las malas". Con este nuevo trabajo empezará en junio una gira de conciertos. Almorzó el 10 de noviembre de 2009 con la Sra. Mirtha Legrand.


Tamara Valcárcel Serrano, conocida artísticamente como Tamara (Sevilla, 27 de junio de 1984) es una cantante melódica española, especialmente conocida por sus interpretaciones de boleros. Dos de sus canciones más exitosas fueron Si nos dejan y la versión del tema El Gato que está triste y azul.
Se casó en mayo de 2005 con Daniel Roque en Sevilla después de dos años de relación. El matrimonio tiene una hija llamada Daniela (agosto de 2006) y un hijo llamado Leandro (febrero de 2009).
Nieta del cantaor flamenco Rafael Farina e hija de una bailaora, sus primeras influencias son las canciones de las películas de Walt Disney y la música de los mexicanos Ana Gabriel, Luis Miguel (su ídolo) y Los Panchos, y de la española Rocío Durcal.
A los 11 años logra el tercer puesto en el concurso de televisión "Menudas Estrellas", imitando a la protagonista de Pocahontas con la canción "Colores en el viento". A la siguiente temporada vuelve al programa, dejando las películas infantiles de lado para interpretar temas de la cantante italiana Laura Pausini. A los 12 años firma su primer contrato discográfico con una compañía sevillana, hecho que le abrirá las puertas a más programas de televisión y radio.
En 2000, con 16 años, publica su primer disco, Gracias, compuesto por boleros y rancheras, producido por Bebu Silvetti y grabado en Miami, en los Estudios Ocean Vu y Circle House. Su versión del tema de José Alfredo Jiménez "Si nos dejan" y "Celos" se convierten en un éxito. Recibe el Premio de la Música a la Mejor Artista Revelación y es nominada a cuatro Grammys Latinos. El disco se reedita con versiones en directo de todos los temas y logra vender 800.000 copias en España, siendo asimismo disco de oro en diversos países latinoamericanos como Venezuela, México o Argentina.
Consolida su carrera con Siempre, disco del que vende 500.000 copias, y consigue un premio Ondas a la mejor canción del año 2001 por "Herida de amor".
Su tercer disco, Abrázame, fue grabado en Miami y está formado por canciones de autores de ambos lados del Atlántico: Kiko Cibrián ('Quién como tú'), Marcos Llunas ('Será la última vez'), Bebu Silvetti ('Devuélveme la luna' y 'Un poco de dolor'), entre otros. Fue el último trabajo que realizó el productor Bebu Silvetti, que falleció meses después. El disco consigue ser número 1 de las listas españolas durante varias semanas y vende 300.000 copias.
En 2004 edita Canta a Roberto Carlos, interpretando temas como "El gato que está triste y azul", "Cóncavo y convexo", "Lady Laura" o "La distancia". El disco alcanza las 400.000 copias vendidas.
Un año después, en 2005, aparece Lo mejor de tu vida, un homenaje a Julio Iglesias en el que Tamara canta éxitos como "Hey", "La Carretera" o "Vuela alto". Logra un disco de platino.
En el año 2006 sale a la venta Emociones en directo, un álbum grabado en directo en el Palau de la Música de Barcelona, que incluye una selección de sus éxitos. Consigue disco de oro.
El 20 de noviembre de 2007, Tamara lanza al mercado su séptimo disco, Perfecto, en el que aparecen temas tales como "La ley de Amarte" (primer sencillo del álbum) o "Y que le voy a hacer" (primera composición de la cantante), así como un dueto con el latinoamericano Cristian Castro, interpretando la balada "Nada sin tu amor". Su segundo single ha sido "La culpa", una balada de desamor. En su primera semana en el mercado vende más de 40.000 copias, convirtiéndse en disco de oro. Actualmente, ha alcanzado el disco de platino.
Su último disco, lanzado en 2009, se titula "Amores".

Charlie Zaa es un cantante colombiano de boleros.Nació con el nombre de Carlos Alberto Sánchez Ramírez en Girardot, Cundinamarca, Colombia) en el año 1974.
Charlie Zaa quiso expresar el amor con una producción titulada Sentimientos, en la cual con cada canción se encierra una historia diferente, pero siempre especial. Está compuesta de 10 cortes, cada uno con dos temas grabados con cuerdas de una orquesta sinfónica, para darle un toque diferente. En Sentimientos están incluidos 20 de los boleros más conocidos. Temas clásicos como Un disco más, Niégalo todo, Temeridad y Cinco centavitos de cantautores como Julio Jaramillo, Olimpo Cárdenas y Oswaldo Morales.
Se inició en el mundo del espectáculo cuando tenía doce años de edad. Este cantante de boleros ha trascendido a varios países.
En Colombia, lleva vendidas medio millón de copias y con grandes perspectivas en México, donde alcanzó una cifra récord de un millón de copias.
En 1998 sale su segundo producción titulada Un Segundo Sentimiento parecida a su disco anterior.
En 2000 saca su tercera producción: con el título Ciego de amor, bajo la producción de Emilio Estefan Jr. y la colaboración de Jon Secada. Incluyó temas inéditos de su autoría.
En 2001 viajó a Estados Unidos para cantar El último adiós con otros artistas, con motivo del atentado terrorista a las Torres Gemelas de Nueva York (el 11 de septiembre de 2001).
En 2001 saca su cuarta producción, titulada De un solo sentimiento, la cual fue grabada en Colombia.
En 2002 saca su primer disco de recopilación, titulado Grandes sentimientos, con canciones como Sentimientos, Deseos, Quimeras, Desengaños y Pasiones.
En 2004 saca su quinta producción titulada Puro sentimiento.
En los años siguientes Charlie Zaa se convierte al cristianismo evangélico:
Tuve una crisis de depresión y de pánico que me dio aproximadamente hace dos años y medio, por tanto estrés, por tanto trabajo. Nada es casualidad, creo que el Señor permitió que pasara por ese lago de fuego, para que hiciera un alto en el camino y me diera cuenta de pronto de lo importante que era mi familia. Desde pequeño ya era cristiano, no es que me acabo de convertir. Me decía cristiano, pero pasaba una mujer y la volteaba “a ver”, faltándole a mi esposa. Mi encuentro con Dios, con el rey de reyes, ha sido algo muy importante en mi vida. Ahora veo las cosas de forma diferente. Definitivamente, lo que me ayudó a salir al cien por ciento, fue mi pastor y la iglesia en Bogotá. Pienso que la mejor manera de poder salir de esto es buscar una iglesia, buscar a Dios y si no se tiene una iglesia, buscar la palabra, una Biblia, que se encuentra en cualquier esquina y empezar a pedirle dirección a Dios. Pedirle conocer por qué nos permite que pasemos por este tipo de situaciones. Definitivamente el propósito es que lo veamos como dueño y único señor de la vida.

1996: Sentimientos (álbum de Charlie Zaa)

1998: Un segundo sentimiento

1999: The Remixes ( álbum de Charlie Zaa)

2000: Ciego de amor

2001: De un solo sentimiento

2002: Grandes sentimientos

2004: Puro sentimiento

2008: La historia de Charlie Zaa

2009: Bohemia

Celia Caridad Cruz Alfonso nació en el barrio de Santos Suárez de La Habana el 21 de octubre de 1924, si bien algunas fuentes señalan su nacimiento cuatro años antes, y otras en 1925, datos todos ellos de difícil comprobación dada la persistente negativa de la estrella a confesar su edad.
Segunda hija de un fogonero de los ferrocarriles, Simón Cruz, y de la ama de casa Catalina Alfonso, Celia Cruz compartió su infancia con sus tres hermanos -Dolores, Gladys y Barbarito- y once primos, y sus quehaceres incluían arrullar con canciones de cuna a los más pequeños; así empezó a cantar. Su madre, que tenía una voz espléndida, supo reconocer en ella la herencia de ese don cuando, con once o doce años, la niña cantó para un turista que, encantado con la interpretación, le compró un par de zapatos.
Con otras canciones y nuevos forasteros calzó a todos los niños de la casa. Después se dedicó a observar los bailes y a las orquestas a través de las ventanas de los cafés cantantes, y no veía la hora de saltar al interior. Sin embargo, sólo su madre aprobaba esa afición: su padre quería que fuese maestra, y no sin pesar intentó satisfacerle y estudiar magisterio, pero pudo más el corazón cuando estaba a punto de terminar la carrera y la abandonó para ingresar en el Conservatorio Nacional de Música.
Mientras tanto, Celia Cruz cantaba y bailaba en las corralas habaneras y participaba en programas radiofónicos para aficionados, como La Hora del Té o La Corte Suprema del Aire, en los que obtenía primeros premios tales como un pastel o una cadena de plata, hasta que por su interpretación del tango Nostalgias recibió en pago 15 dólares en Radio García Cerrá.
Más tarde cantó en las orquestas Gloria Matancera y Sonora Caracas y formó parte del espectáculo Las mulatas de fuego, que recorrió Venezuela y México. En 1950 ya había intervenido en varias emisoras cuando pasó a integrar el elenco del cabaret Tropicana, donde la descubrió el director de la Sonora Matancera, el guitarrista Rogelio Martínez, y la contrató para reemplazar a Myrta Silva, la solista oficial de la orquesta.
A lo largo de los años cincuenta Celia Cruz y la Sonora Matancera brillaron en la Cuba de Pío Leyva, Tito Gómez y Barbarito Díez; del irrepetible Benny Moré, del dúo Los Compadres, con Compay Primo (Lorenzo Hierrezuelo) y Compay Segundo... La Cuba de Chico O'Farril y su Sun sun babae, la de La conga de los Habana Cuban Boys, la de Miguel Matamoros con su Mamá, yo quiero saber de dónde son los cantantes, la de Miguelito Valdés con su Babalú... Celia aportó su Cao Cao Maní Picao y se convirtió en un éxito, y otro posterior, Burundanga, la llevó a Nueva York en abril de 1957 para recoger su primer disco de oro.
Celia Cruz se había ganado ya varios de los apodos y títulos con que quisieron distinguirla. Fue la Reina Rumba, la Guarachera de Oriente y, desde las primeras giras -por México, Argentina, Venezuela, Colombia ...-, la Guarachera de Cuba.
Era la Cuba de Fulgencio Batista. Cuando el dictador se vio obligado a refugiarse en la República Dominicana ante el triunfo de los castristas, el 1 de enero de 1959, la orquesta tuvo que andar otros caminos. Según la cantante, desde entonces soportaba mal que le dijeran qué y dónde tenía que cantar. El 15 de julio de 1960 la banda en pleno consiguió el permiso para presentarse en México y, una vez allí, en parte impulsada por el agravamiento de las relaciones entre Estados Unidos y Cuba, decidió no regresar.
Después de un año de aplausos en la capital azteca, Celia Cruz se mudaba a Estados Unidos y sellaba su primer compromiso para actuar en el Palladium de Hollywood. Si bien declaró en aquellos días «he abandonado todo lo que más quería porque intuí enseguida que Fidel Castro quería implantar una dictadura comunista», su militancia anticastrista nació después, a partir del 7 de abril de 1962, cuando supo de la muerte de su madre y no pudo entrar en la isla para asistir al entierro. Llegó a confesar incluso que estaba dispuesta a inmolarse haciendo estallar una bomba si con ello hacía desaparecer «al Comandante».
Tres meses después, el 14 de julio de 1962, Celia Cruz se casó con el primer trompetista de la orquesta, Pedro Knight, quien a partir de 1965, en que ambos dejaron la Sonora, se convirtió en su representante. Celia Cruz inició su trayectoria como solista junto al percusionista Tito Puente, con el que grabó ocho álbumes. Los jóvenes hispanos de Nueva York la descubrieron en 1973 en el Carnegie Hall, cuando integraba el elenco de la «salsópera» Hommy, de Larry Harlow.
Posteriormente, participó en un legendario concierto grabado en vivo en el Yanquee Stadium con The Fania All-Stars, un conjunto integrado por líderes de grupos latinos que grababan para el sello Fania. Ya era famosa en 1974, cuando grabó el disco Celia & Johnny con el flautista dominicano Johnny Pacheco, considerado el primer clásico del género.
En febrero de 2004, su último álbum, publicado después de su muerte, ganó un premio póstumo en los Premios Lo Nuestro como mejor álbum de salsa del año.
Al año siguiente, fue publicada una biografía titulada Celia: Mi vida, basada en más de 500 horas de entrevistas con la periodista mexicana Ana Cristina Reymundo. Se planeó llevar al cine la historia de su vida y la actriz estadounidense Whoopi Goldberg, admiradora de la cantante, manifestó su interés en representarla pero el proyecto fue rechazado en el 2005.
A lo largo de una carrera de más de 50 años en los escenarios, cosechó multitud de éxitos, premios y reconocimientos. Es poseedora de una estrella en el paseo de la fama en Hollywood, cinco premios Grammy, doctorados Honoris Causa de tres universidades de Estados Unidos, así como recibió en 1994 el premio National Endowment for the Arts, de manos del entonces presidente Bill Clinton, que constituye el más alto reconocimiento que otorga el gobierno de los Estados Unidos a un artista. Multitud de discos de oro y platino, una carrera donde grabó más de 80 discos, y fue acompañada por los más grandes cantantes de su tiempo, incluidos muchos de habla no hispana, son muestra del enorme reconocimiento internacional que recibió Celia Cruz, que justamente fue llamada La reina de la Salsa.
En el 2004, los organizadores del Carnaval de Santa Cruz de Tenerife le dedicaron la presentación de ese año a la cantante, como tema principal del carnaval. La Gala de Elección de la Reina del Carnaval se cerró con la canción "El Cielo Tiene Azúcar" compuesta por los autores canarios Gilberto Martín y Guillermo Albelo e interpretada por el grupo tinerfeño Sound Balera. La canción fue acompañada por todos los componentes de las comparsas del carnaval de Santa Cruz de Tenerife. María del Pilar Cuesta Acosta, conocida como Ana Belén (Madrid, 27 de mayo de 1951) es una cantante y actriz española. Está casada con el cantautor asturiano Víctor Manuel, su pareja artística en muchas ocasiones. Está considerada una de las artistas más importantes de la cultura española. Tras más de cuarenta años de profesión, continúa su prolífica carrera artística con más de cuarenta películas, una veintena de obras de teatro más de treinta y cinco discos, que la han convertido en un icono femenino artístico generacional.
Se calcula que a lo largo de su carrera, Ana Belén ha vendido más de tres millones de álbumes a nivel nacional e internacional, y sus espectáculos musicales han recorrido España y Latinoamérica. Ana Belén tiene una de las más importantes y reconocibles voces de la música hispana, habiendo sido nominada en dos ocasiones al Grammy Latino.
Ana Belén se crió en el seno de una familia humilde en la calle del Oso, junto a la glorieta de Embajadores del barrio de Lavapiés (Madrid, España). Es la mayor de tres hermanos. Su padre era cocinero en el Hotel Palace y su madre portera de una finca. Pasaba los veranos de su niñez en Cabezuela (Segovia), de donde es su padre y de donde era su abuela, Matilde Bravo, que ejercía de maestra en la escuela del pueblo. Estudió en el colegio de las Damas Apostólicas; allí tuvo su primera salida a escena para actuar en un cuento que se titulaba El enanito saltarín. Desde muy pequeña sintió una vocación artística y por ello, al mismo tiempo que estudiaba solfeo y piano con el maestro Estebarena, que vivía en su misma calle, comenzó a inscribirse en concursos radiofónicos infantiles, algunos como Gran Vía o Conozca usted a sus vecinos, en los que cantaba canciones de moda como La novia, La flor de la canela, Nena de Sara Montiel o Tómbola de Marisol. Participó en un concurso de Radio España a los diez años que se llamaba Vale todo, dirigido por Bobby Deglané en la Gran Vía madrileña; se inscribió en el apartado de música moderna e interpretó La novia. Ese año no ganó el concurso, pero sí al año siguiente, con la canción La flor de la canela, famosa canción de la cantautora peruana Chabuca Granda que cantaba por entonces con una gran repercusión María Dolores Pradera. Estuvo en otros concursos con Juan de Toro, en Radio Madrid, donde cantó cuatro canciones acompañada del maestro Aguayo (El ritmo de la lluvia, Cúlpale a la bossa nova, La novia y La flor de la canela).
En 1964 ya era conocida en las emisoras de radio como una nueva niña prodigio, con el nombre de Mari Pili Cuesta, al estilo de Rocío Dúrcal o Marisol, a quien Ana Belén admiraba mucho. Llegó a grabar en disco sus primeras canciones a los 13 años, de las cuales la más promocionada fue Qué difícil es tener 18 años. Pronto empezó a trabajar de forma fija en Radio Madrid para cubrir un hueco que había dejado Rocío Dúrcal, hasta que la productora Época Films se interesó por ella y le firmó un contrato por cuatro años para rodar cuatro películas musicales infantiles.
Fue uno de los integrantes de la "Plataforma para el Apoyo de Zapatero", apoyando la candidatura socialista de José Luis Rodríguez Zapatero para para la presidencia del Gobierno, una plataforma en la que participaron actores, deportistas, cantantes y españoles destacados, entre los que se puede citar a Concha Velasco, Fran Perea, Álvaro de Luna, Joan Manuel Serrat y David Meca, entre otros.
En 1973 retomó su carrera como cantante después de Zampo y yo, publicando discos de escasa repercusión como Tierra y Calle del Oso, con canciones mayoritariamente compuestas por Víctor Manuel, algunas de ellas con un claro contenido político y social. En esa época Víctor y Ana comenzaron a tomar posiciones políticas de forma pública hacia la izquierda política progresista española, y el Franquismo fue en repetidas ocasiones bastante restrictivo con ellos, al igual que con muchos otros profesionales de la música como Joan Manuel Serrat, Lluís Llach o Luis Eduardo Aute, quienes utilizaron su música para protestar contra la situación de España en aquellos momentos. En este sentido, el mayor problema que tuvieron fue en 1974 cuando representaron juntos en México una obra de teatro llamada Ravos, dirigida por Miguel Narros, con la que les acusaron de quemar una Bandera de España durante la representación, en un episodio poco claro que les obligó a permanecer seis meses de exilio en México. También sufrieron varios percances, como la explosión de dos bombas en el chalet que por entonces poseía la pareja en Torrelodones (Madrid).
En 1975 Ana Belén representó la obra de teatro clásica Antígona en el Teatro Reina Victoria de Madrid. Cinco días después del estreno se produjo la primera huelga de actores en reclamación a un día de descanso en los teatros, en la que participó activamente con otros compañeros de profesión como Concha Velasco o Juan Diego y durante la cual fueron detenidas entre otras Tina Sainz y Rocío Dúrcal. Un gran número de actores tomaron el sindicato y se encerraron allí. Víctor Manuel compuso una canción escrita para los actores en la época de la huelga: Cómicos. Al terminar la huelga, la pareja entró a formar parte del Partido Comunista de España, y militaron en él de forma clandestina durante varios años. Pasados los años, tras su salida del Partido Comunista, Ana Belén y Víctor Manuel han continuado comprometiéndose políticamente, pero no han vuelto a pertenecer a ningún colectivo político.
En 1975 publica un nuevo LP llamado De paso, incluyendo canciones de Luis Eduardo Aute, Pablo Milanés y Teddy Bautista entre otros, así como poemas de Fanny Rubio, Nicolás Guillén o Rafael Alberti. Este disco tuvo una mayor repercusión que los anteriores, y fue el primer álbum que alcanzó un cierto éxito, sobre todo por la canción que da título al disco, escrita por Luis Eduardo Aute y que fue su primer gran single. Ese mismo año rueda Jo, papá de Jaime de Armiñán, rodada en Albarracín y ambientada en la Guerra Civil Española, junto a los actores Antonio Ferrandis, Amparo Soler Leal, Fernando Fernán Gómez y Josep María Flotats, entre otros.
El 13 de noviembre de 1976 Ana Belén es madre de su primer hijo, David San José, y continuó con su carrera cinematográfica, participando en varias películas: La petición de Pilar Miró junto a Carmen Maura y Emilio Gutiérrez Caba, Emilia parada y fonda de Angelino Fons y El buscón de Luciano Berriatúa.
En 1977 rueda La oscura historia de la prima Montse de Jordi Cadena, basada en una obra de Juan Marsé, La criatura de Eloy de la Iglesia, una cinta extraña junto a Juan Diego y Luis Ciges y Sonámbulos de Manuel Gutiérrez Aragón junto a Lola Gaos.
En 1978 rueda Jaque a la dama de Francisco Rodríguez junto a Concha Velasco y al año siguiente Cuentos eróticos de Emma Cohen.
En 1979 se compromete con algunos compañeros de profesión en la creación del TEC (Teatro Estable Castellano) y participa en el primer montaje de este: Tío Vania de Chéjov, dirigido por William Layton. Con esta obra recibe el Fotogramas de Plata por votación de los lectores a la mejor actriz teatral en reconocimiento como miembro del TEC.
María Guadalupe Araujo Young, artísticamente Ana Gabriel (nacida el 10 de diciembre del 1955 en Guamúchil) es una cantautora mexicana.
Es la cantante mexicana que más ventas de discos ha tenido a nivel internacional. Además Ana Gabriel representa uno de los más sorprendentes fenómenos de los últimos años pues su voz ha cautivado al mundo entero, no en vano toda america latina disfruta de sus éxitos al saber que se ha convertido en una cantante muy talentosa y la que trajo el pop latino junto a la lambada a mexico hasta llamarse la "Diva de américa" y la reina de mexico. Incluso Ana Gabriel ha sido ganadora de varios premios Grammy ya que ha sido por más de 5 años consecutivos la reina del pop y la más escuchada en la radio.Gabriel es hija de Ramón Araujo e Isabel Young (de origen chino). Desde los 6 años de edad comenzó a cantar y a componer sus primeros temas, influenciada por los temas de amor de Agustín Lara y María Greever. Cuyas letras no entendía por aquel entonces en toda su intensidad, pero sí con el paso del tiempo, pues como ella misma lo reconoce, es una apasionada en el amor y todas las canciones que ha compuesto las ha escrito enamorada.
"Desde los 6 años me di cuenta que me gustaba cantar y componer, una bendición de Dios, que pocos tienen la fortuna de darse cuenta, y a pesar de mi corta edad, yo estaba decidida a llegar a los corazones de muchos. Quiero contarles también que yo nunca he recibido una clase de canto ni de vocalización. Los primeros y únicos consejos fueron de mi abuelo materno Roberto, nombre que le pusieron en México pues su verdadero nombre era, Yang Quing Yong Chizon originario de China".De inspiración innata, autocrítica, perfeccionista y exigente consigo misma, es Ana Gabriel, en cada una de las producciones discográficas que ofrece a su público... un público que va sumando día con día y que reconoce su profesionalismo, voz y sentimiento... un público al que Ana Gabriel no ha dejado de ofrecer sus canciones e inspiración tras 35 años ya, desde que se identificó con la música y la composición, que la han llevado a permanecer en el gusto del público, tras una ininterrumpida y galardonada trayectoria.
Y esto es precisamente lo que ha convertido a Ana Gabriel en una figura del canto. En una primerísima figura cuya fama ha trascendido ya al mundo. Más no se piense que por este hecho de haber nacido con cierto ángel las cosas han sido fáciles para Ana Gabriel.
Desde pequeña, Ana Gabriel sintió una gran ilusión por llegar a convertirse en artista y nunca desistió en ello. A pesar de lo fuerte de la marea, no perdió las fuerzas y madurando sobre la marcha sin tener a nadie que la orientara sobre el oficio, fue marcando su propio estilo, avanzando por puro instinto, amando cada una de sus canciones y de las letras que componía.Ana gabriel ha recibido más de 13 premios Lo nuestro, premios billboard, latin grammy, discos de diamante, sextuple, quintuples y triple disco de platino, cassette y triple CD de platino, cassettes y doble CD disco platino, discos de oro, cassettes de oro, galardón diamante, charolas de oro, plata y bastantes premios especiales por ser la cantante que más discos ha vendido hasta la fecha.
En 2007 fue elogiada por Myriam, ganadora de la primera generación de La Academia, quien le hizo un homenaje titulado "Simplemente Amigos" (300,000 copias) siendo éste el primer homenaje que se le rinde a Ana Gabriel. Francisco Morán Ruiz, más conocido como Paco Morán (Almodóvar del Río, 9 de noviembre de 1930), es un actor español.
A los 17 años ingresó en el Conservatorio de Música y Declamación de Córdoba donde cursa Arte Dramático. Fue cofundador del Teatro Español Universitario junto con otros compañeros y representan obras de destacados autores mundiales.
En 1957, después de una etapa de locutor en Radio Córdoba, se traslada a Madrid y entra a formar parte del cuadro de actores de Radio Nacional de España y Televisión Española. En 1959 empieza a destacar como protagonista en el espacio Estudio 1 de TVE, llegando su consagración como actor con Otelo. En TVE ha protagonizado más de 2.500 programas.
Pero su vocación era el teatro y en 1969 representa El apagón, que le consolida como una primera figura de la escena.
Se instala en Barcelona en la década de 1970, donde cosecha grandes éxitos en sus representaciones teatrales ganando el favor del público catalán que le considera uno de sus actores favoritos.
El actor Paco Morán, repuesto tras tres hospitalizaciones vuelve a las tablas con el "Enfermo imaginario", una comedia escrita por Pau Miró y Marc Rosich que se representará en el Teatro Condal de Barcelona, el mimo escenario en el que ha actuado hasta hace poco su eterno compañero de reparto, Joan Pera. A sus 77 años, el actor cordobés afincado en la capital catalana ha presentado hoy el espectáculo que protagonizará a partir del 3 de abril y hasta el 4 de mayo, dirigido por Antonio Calvo.
Tras dos años sin pisar el escenario, Morán se erige en protagonista de "un traje construido muy a su medida y a su manera de hacer".
Antonio Garisa (Zaragoza, 13 de junio de 1916 - † Madrid, 8 de septiembre de 1989) fue un actor español.
Antonio Garisa Colás, tras finalizar sus estudios de Bachillerato en los Escolapios de Zaragoza, estudia Declamación y Música en el Conservatorio de su ciudad natal, mientras que comienza a actuar en teatro aficionado.
Debuta profesionalmente al término de la Guerra Civil española y se incorpora sucesivamente en las Compañías de Ricardo Espinosa, Casimiro Ortas, Paco Martínez Soria, José Isbert, Amparo Martí y Francisco Pierrá.
De una demostrada eficacia en el registro cómico, consigue éxitos sobre las tablas como Las entretenidas, Este cura, El violinista en el tejado o Los ladrones somos gente honrada.
En cine debuta en 1951 con Esa pareja feliz, de Juan Antonio Bardem y Luis García Berlanga. A partir de ese momento mantiene una presencia constante en la gran pantalla y participa en títulos de enorme éxito de público, como El tigre de Chamberí (1957), La venganza de Don Mendo (1961), Historias de la televisión (1965), Buenos días, condesita (1966) Vamos por la parejita o ...Y al tercer año, resucitó (1980).
Se prodigó también en televisión y protagonizó las series 30 grados a la sombra (1964), junto a Milagros Leal, Tú, tranquilo (1965), El último café (1970-1971) y Si yo fuera rico (1973-1974), con guiones de Alfonso Paso. Manuel Gómez López de la Osa (Madrid, 21 de abril de 1917 – † Bailén, 30 de mayo de 1991) fue un actor español.
Se inicia profesionalmente al finalizar la Guerra Civil española seguiendo los pasos de su familia, debutando en 1939 sobre el escenario con el género de la Revista. En años sucesivos formaría parte de las Compañías de Ana Adamuz, Conchita Montes e Isabel Garcés, y cosecharía triunfos teatrales entre los que destacaron las obras Las dos Virginias y Devuélveme a mi señora.
En la pantalla grande debutó en 1951 de la mano de Edgar Neville, a cuyas órdenes rueda Cuento de hadas. Sería el primero de una lista que alcanza cerca de cien títulos. Actor eminentemente cómico, se especializó en tipos castizos y caracterizados de una cierta ingenuidad que hicieron del actor uno de los más entrañables y queridos por el público en los años 60, década en la que se desarrolló el grueso de su carrera cinematográfica.
Durante esos años interviene en títulos tan célebres del cine español del momento como Las chicas de la Cruz Roja (1958), de Rafael J. Salvia, El día de los enamorados (1959), de Fernando Palacios, Tú y yo somos tres (1961), de Rafael Gil, La ciudad no es para mí (1965), de Pedro Lazaga, Amor a la española (1967), de Fernando Merino, Las que tienen que servir (1967), de José María Forqué, Los subdesarrollados (1967), de Ricardo Merino, Soltera y madre en la vida (1969), de Javier Aguirre o Las Ibéricas F.C. (1971), de Pedro Masó.
En 1973 protagoniza, además, la serie Animales Racionales para Televisión española.
A partir de ese momento, espacia sus intervenciones cinematográficas para potenciar, de nuevo, su carrera teatral, alcanzando éxitos notables como La Sopera, La venganza de Don Mendo (1977), Barba Azul y sus mujeres, La señora presidenta (1982). Alfonso Del Real Nacido en aguas del Atlántico, en el buque Alfonso XIII cuando sus padres viajaban a La Habana. Permanece en esa ciudad hasta la edad de trece años, cuando regresa a España con su familia y se instala en Burgos. Comienza a trabajar en el teatro como meritorio a principios de los años 30 en la Compañía de Antonio Vico y Carmen Carbonell, y más adelante en la de Loreto Prado y Enrique Chicote. Sin embargo, no debuta en el escenario hasta 1934 con la Compañía de Casimiro Ortas.
A finales de la década se inicia en un género teatral entonces en boga en España, la Revista, y participa entre otras, en La de los ojos en blanco o Que me la traigan. En los siguientes años, continúa abundado en el género, que compagina con Comedias (My Fair Lady, Préstame un billoncito, Comedia sin título, de Federico García Lorca) o incluso Zarzuela como tenor cómico (La Gran Vía).
En los años cincuenta intentó montar su propia compañía, pero el proyecto fracasa, y Alfonso del Real queda prácticamente en la ruina. Se retira entonces del mundo del espectáculo y se convierte en administrador de los negocios de su amigo, el también actor, Manolo Morán.
De vuelta a la escena, debuta en el cine en 1962 y pronto se convierte en uno de los rostros más destacados en el género de la comedia. Su peculiar físico, su menuda estatura, su tono de voz y sus ademanes lo convierten en el actor adecuado para interpretar numerosísimas comedias a lo largo de cuatro décadas. Durante ese tiempo, ha intervenido en más de cien títulos, bajo las órdenes de cineastas como Fernando Fernán Gómez, Pedro Lazaga, José Luis Sáenz de Heredia, Vicente Escrivá, José María Forqué y en 23 ocasiones, con Mariano Ozores.
Rostro asiduo también en televisión, ha intervenido en decenas de títulos representados en espacios como Estudio 1, además de protagonizar, junto a Antonio Casal, la serie Plinio (1971), presentar durante un tiempo el programa Gente joven (1977) e intervenir en el espacio de humor Sumarísimo (1978-1979), de Valerio Lazarov.
Estuvo casado con la vedette Maruja Tomás.
María Dolores Fernández Pradera (Madrid, 29 de agosto de 1924), conocida artísticamente como María Dolores Pradera, es una cantante melódica y actriz española.
Es una de las intérpretes de su país que ha alcanzado mayor fama internacional por su excepcional voz y su difusión de la canción en español, difundiendo en España la canción popular latinoamericana y la obra de sus más grandes autores.
Nació en Madrid, y durante su infancia vivió en España y en Chile, donde su padre tenía negocios. En la década de 1940 comenzó a trabajar como actriz de cine y teatro, al tiempo que evidenciaba sus dotes para el canto. Intervino en filmes como Yo no me caso (1944, de Juan de Orduña) o Los habitantes de la casa deshabitada (1946, de Gonzalo Delgrás), en la que también intervino el actor Fernando Fernán Gómez, con quien estuvo casada desde 1947 hasta 1959, y con quien tuvo dos hijos: Fernando y Helena Fernán Gómez.
Posteriormente actuó en diversos teatros de España, Francia y México, representando obras de Enrique Jardiel Poncela, José Zorrilla, Federico García Lorca o Edmond Rostand.
Como cantante, estuvo acompañada durante muchos años por los guitarristas Santiago y Julián López Hernández, conocidos como Los Gemelos. Ha interpretado con gran sensibilidad y éxito internacional las canciones de compositores como el mexicano José Alfredo Jiménez, la peruana Chabuca Granda, el cubano Miguel Matamoros, el uruguayo Alfredo Zitarrosa, el argentino Atahualpa Yupanqui, la chilena Violeta Parra y muchos otros autores latinoamericanos. Su voz suave y su perfecta dicción en diversos registros —baladas, boleros, coplas, rancheras, fados, etc.—, así como sus grandes dotes dramáticas sobre el escenario, han convertido sus versiones de Flor de la canela, Fina estampa, Limeña o Rosario de mi madre, clásicos peruanos, en clásicos de la canción popular en habla hispana.
Ha obtenido numerosos galardones españoles e internacionales, tanto por su faceta teatral como por su carrera como cantante, como el Premio Nacional de Teatro, la Medalla de Bellas Artes y el Premio Lara. Entre sus últimos trabajos se encuentran diversas colaboraciones con Joaquín Sabina o Rosana sin olvidar su disco homenaje a Carlos Cano, cantautor andaluz con el que hizo la gira "Amarraditos". En 2006 publicó un nuevo álbum junto a Los Sabandeños, titulado "Al cabo del tiempo" que alcanzó el Disco de Oro.
En 2007 lanza un recopilatorio en CD+DVD titulado "En buena compañía" y que recoge sus mejores duetos con artistas de la talla de Joaquín Sabina, Caetano Veloso, Rosana, Víctor Manuel o Maria del Mar Bonet.
En noviembre de 2008 publica "Te canto un bolero" acompañada por Los Sabandeños y seleccionando 11 boleros entre lo mejor del repertorio clásico, donde se incluyen canciones como: Contigo en la distancia, Cómo han pasado los años (muy popular en la voz de Rocío Dúrcal), Camino Verde, En un rincón del alma o No se por que te quiero, entre otras. Joaquín Ramón Martínez Sabina (n. en Úbeda, Jaén, 12 de febrero de 1949), conocido artísticamente como Joaquín Sabina, es un cantautor y poeta español de éxito en países de habla hispana.
Ha publicado catorce discos de estudio, cuatro en directo y tres recopilatorios y colaborado con distintos artistas cantando dúos y realizando otras colaboraciones. También compone para otros artistas como Ana Belén o Miguel Ríos entre otros. Los álbumes en directo son grabaciones de actuaciones en las que ha intervenido en solitario o junto con otros artistas: La mandrágora (1981), junto a Javier Krahe y Alberto Pérez; Joaquín Sabina y Viceversa en directo (1986),junto a la banda Viceversa; Nos sobran los motivos (2000); y Dos pájaros de un tiro (2007),junto a Joan Manuel Serrat. En su faceta literaria ha publicado nueve libros con recopilaciones de letras de canciones o poemas publicados en el semanario Interviú.
En el año 2001 sufre un leve infarto cerebral que pone su vida en peligro, recuperándose unas pocas semanas más tarde sin sufrir secuelas físicas, pero el incidente influye en su forma de pensar y se ve inmerso en una importante depresión, lo que le lleva a abandonar los escenarios un tiempo. Tras superarla, publica su decimoctavo álbum, Alivio de luto (2005). El 17 de noviembre de 2009 publica Vinagre y rosas, su último álbum por el momento, del que ha vendido 200.000 copias en tan sólo un mes de su lanzamiento consiguiendo tres discos de platino.Joaquín Sabina nace el 12 de febrero de 1949 en la localidad de Úbeda (Jaén), segundo hijo de Adela Sabina del Campo, ama de casa y de Jerónimo Martínez Gallego, inspector de policía. Cursa sus estudios primarios con las monjas Carmelitas y con catorce años comienza a escribir poemas y a componer música en una banda formada con sus amigos llamada Merry Youngs,que se dedicaban sobre todo a versionar a cantantes de rock como Elvis Presley, Chuck Berry o Little Richard.
Por esa época, tiene a su primera novia, Chispa, que le sirve como inspiración para crear algunos poemas de amor. Esta relación es un poco accidentada ya que el padre de Chispa, un notario de Úbeda, se opone desde un principio a esta relación y se la lleva consigo algunos años después, siendo Joaquín universitario, a Granollers con el fin de apartarla definitivamente de él. Pero Joaquín emprende, en compañía de un amigo, un viaje en su busca, instalándose en una tienda de campaña junto a la casa familiar de Chispa.Los dos jóvenes se escapan juntos recalando finalmente en el Valle de Arán (Lérida), donde viven juntos unos días.
Posteriormente cursa el bachillerato en los Salesianos. En esa época sigue escribiendo versos y lee a Fray Luis de León, Jorge Manrique y José Hierro pero también a Marcel Proust, James Joyce y Herbert Marcuse. El día en que aprobó cuarto y reválida su padre quiso recompensar a Joaquín con un reloj de pulsera, a lo que él se negó manifestando que prefería una guitarra, siendo satisfecha dicha petición. En cambio, su hermano mayor sí que aceptó el reloj y, según Joaquín, ese pequeño detalle sería el que los empezaría a distanciar: su hermano se acabaría convirtiendo, como el padre de ambos, en policía y él en cantante.
Revólver se creó a finales de 1988 en Valencia tras un intento de reestructuración de Comité Cisne, la anterior banda de Carlos Goñi y Rafael Pico. Lo formaron Carlos Goñi (compositor, voz y guitarra), Rafael Pico (batería), Sergio Roger (bajo) y Jorge Lario (guitarra).
En 1990 lanzan su primer disco, Revólver, con el que obtienen unas ventas modestas, lo que provoca cierta frustración en Carlos Goñi. En 1992 graban Si no hubiera que correr, que, pese a vender más copias que su antecesor, sigue lejos del gran público. Es Básico, en 1993, el disco con el que saltarían definitivamente a la escena nacional y que supone el primer disco básico de España, en el que colaboraron José M. Casañ (Seguridad Social), Soledad Giménez (Presuntos Implicados) y Rafa Sánchez (La Unión). A estas alturas, el grupo ya es un proyecto personal de Carlos Goñi, que contrata a un grupo de músicos para cada gira o disco. Temas como "Si es tan sólo amor" o "El roce de tu piel" se hacen muy populares.
Tras el éxito de Básico, considerado por muchos uno de los grandes éxitos del pop español, el grupo graba El Dorado, marcadamente influido por la música del Bruce Springsteen, lo que le valió a Carlos el apodo de el Springsteen de Valencia. En 1996 graban Calle Mayor, disco con el que el grupo se adentra en el tema de la denuncia social, que mantendrá en sus posteriores discos, aunque su tema principal seguirán siendo las canciones románticas. Roy Bittan, teclista de Springsteen, aceptó tocar gratis en el tema principal del disco.
En 1997, vuelven a grabar un concierto básico de la mano de Los 40 Principales: Básico 2 se convierte, igual que su antecesor, en un rotundo éxito de ventas. El disco es un compendio de versiones acústicas de sus dos anteriores discos, más tres canciones nuevas, entre las que se incluye Besaré el suelo, que había sido compuesta por el propio Carlos Goñi para Luz Casal. Otra canción destaca de este disco es "Una lluvia violenta y salvaje", dedicada por su autor, Carlos Goñi, a Miguel Ángel Blanco, concejal de Ermua.En 2006 se publica Básico 3, con nuevas versiones de canciones de sus tres anteriores discos de estudio y dos canciones nuevas. El concierto se graba en dos sesiones, de las que se escoge la mejor, y no se le añade ningún arreglo instrumental posterior. En él colaboran Enrique Bunbury, Mikel Erentxun, Álvaro Urquijo y Sasha Sokol.
El 16 de septiembre de 2008 se publicó 21 Gramos, su último trabajo de estudio hasta la fecha. Dos meses antes, se publicó "Tiempo Pequeño", el primer sencillo promocional extraído del álbum. El 9 de septiembre, Revólver dio inicio a la gira de promoción de su nuevo trabajo de estudio en Mutxamel, Alicante. En noviembre, participó en el festival BAFIM de Buenos Aires y ofreció dos conciertos en Argentina y Chile. Coincidiendo con sus conciertos en Sudamérica, el 15 de noviembre publicó Que veinte años no es nada, un sumario de sus veinte años de carrera formado por cuatro CD con canciones inéditas y un concierto ofrecido en Conde Duque, Madrid, el 21 de julio de 2006, y dos DVD con los videoclips y el concierto "Entre Amigos".
Soledad Giménez (n. París, 27 de febrero de 1963) es una cantante, compositora e interprete española.Ha desarrollado su carrera profesional principalmente como vocalista y compositora del grupo Presuntos Implicados en el que milita veintitrés años hasta el año 2006 y con el que graba diez discos en los que aporta canciones como "Alma de Blues" o "Mi pequeño tesoro" y textos como el de la conocida canción "Como hemos cambiado" entre otras. Durante su dilatada carrera ha colaborado con artistas como Joan Manuel Serrat, Herbie Hancock, Milton Nascimento, Randy Crawford, Armando Manzanero, Pancho Céspedes, Ana Torroja, Miguel Ríos, Ana Belén, Revólver, Piratas, etc.
Sole Giménez, nace en París (Francia) el 27 de febrero de 1963 y allí vive sus primeros años. En 1968 su familia vuelve a Yecla (Murcia) donde pasa el resto de su niñez y su adolescencia. Su vocación musical despierta a una temprana edad influida por sus padres, grandes amantes de la música de su tiempo.
En 1974 entra a formar parte de un pequeño coro de niñas de la Basílica de la Purísima, al que seguirán otros que irá compaginando con sus estudios y la pertenencia al grupo de Coros y Danzas de Yecla.
En 1979 junto a otros tres compañeros de Coros y Danzas forman el grupo de Folk, Arabí en el que también está su hermano mayor Juan Luis.
En 1981 Sole se traslada a vivir a Valencia donde comienza sus estudios de Bellas Artes en la Facultad de San Carlos.
En el año 1983 Juan Luis invita a Sole a hacer coros en unas maquetas que prepara para presentarse al concurso de RNE Don Domingo. Son once músicos sobre el escenario y se hacen llamar Presuntos Implicados y tienen un registro musical cercano al funky, ganando el concurso con la canción “Miss Circuitos”.
Después de la euforia, Sole, Juan Luis y Pablo Gómez-Trenor, guitarrista valenciano, componen la formación definitiva de la banda. Otro golpe de suerte les lleva a poder grabar en los estudios Pertegás en Chirivella (Valencia) un primer disco bajo la supervisión de José Manuel Moles. Es el técnico de sonido de este estudio, Quique Morales, el que en la grabación de “Miss Circuitos” sugiere a Juan Luis que su hermana Sole cante la voz principal. De este modo fortuito y en adelante, ella pasa a ser la cantante de Presuntos Implicados.
Ya como cantante oficial de la formación editan sus primeros trabajos con la multinacional RCA, “Miss Circuitos”, “Te voy a provocar”, y su primer LP “Danzad, danzad malditos” que se edita con el inconveniente de que las canciones del disco están grabadas en una tesitura vocal masculina.
Los siguientes trabajos con el grupo serían editados por Warner Music, “Alma de blues” en 1989, que representa la consolidación de su carrera con Nacho Mañó como bajista oficial del grupo que entra en sustitución de Javier Vela, bajista y guitarrista valenciano.
En “Alma de blues”, la voz de Sole y su forma tan personal de interpretar las canciones encuentra su mejor traje en el tema que da título al álbum, una composición que rompió moldes y que Sole dedica a Billie Holiday. Mientras tanto Sole se licencia en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia en la especialidad de dibujo, lo que en adelante hace que sea ella la encargada de la imagen gráfica del grupo, algo que no dejará nunca de hacer. En 1990 Sole contrae matrimonio con Thomas Engel, ciudadano alemán afincado en Valencia, con el que comparte gusto y pasión por su profesión.
El momento de más popularidad lo alcanza con discos de gran éxito como “Ser de Agua”, “El Pan y la Sal”, “La Noche” o “Siete”. Llegan a vender más de tres millones de discos. Sole, que había aportado letras como las de “En la Oscuridad” (1987), “Cada Historia” (1989), “Me Das el Mar” (1989), ”Como Hemos Cambiado” (1991), “Llovió” (1991), “Cuando Quiero Sol” (1991) etc., que en su momento ayudaron al reconocimiento del grupo, sigue escribiendo y componiendo canciones que son reflejo de momentos de su vida, como “Mi Pequeño Tesoro” (1994), compuesta con motivo de su primera maternidad. Estos años le resultan inolvidables por las experiencias que vive dentro y fuera de su grupo, son años en los que trabaja y conoce a artistas muy admirados por ella como Joan Manuel Serrat, Ana Belén, Joaquín Sabina, Armando Manzanero, La Barbería del Sur, Los Piratas, Chano Domínguez, Jorge Pardo, etc.
En 1999 nace su segundo hijo, lo que coincide con la edición del primer y único disco de versiones que hizo el grupo, “Versión original”, en el que interpreta por primera vez canciones de la música latina. Luego vendrá el álbum “Gente” en 2001, año en el que, además, Sole es elegida por votación para ser miembro de la Junta Directiva de la SGAE, a la cual sigue representando en la actualidad.
En 2003, Sole afronta su primer trabajo en solitario. Con Vicente Sabater, músico, ingeniero, productor y amigo, recrea temas como “La Vie en Rose”, “What´s Going On” o “La Estatua del Jardín Botánico”. “Ojalá”, título de éste disco, es un trabajo muy cercano al sonido electrónico, alejado del sonido Presuntos evitando voluntariamente ser competencia de su grupo. Con el repertorio de “Ojalá” hace una gira mezclando músicos de pop y jazz de la que se edita un DVD.
El siguiente y último disco de Presuntos Implicados, “Postales” de 2005, será también el último que Sole realice con este grupo, pues con los años las relaciones internas se fueron deteriorando hasta romper la armonía. La gira del verano de 2005 y la posterior, que durante nueve meses les llevó en trío por toda España, fue la última con Presuntos Implicados. Veintitrés años son los que ella le dedicó al sueño que tuvo su hermano y llegó a hacer de ese sueño su vida, demostrando una gran lealtad y generosidad para con el proyecto y las personas que lo construyeron.
En 2008, tras un periodo de descanso y reflexión, Sole da vida a un nuevo trabajo en solitario “La Felicidad”, disco lleno de sorpresas, como el hermoso dueto con su admirada Ana Belén y al que la singular producción de Javier Limón da vida a un repertorio fructífero y creativo en el que Sole vuelve a encontrar la confianza perdida en su talento como compositora y nos ofrece de nuevo grandes temas, como “Tan sola”,“ Femenino singular” o “Volver a encontrar la ilusión de vivir” y a la que acompañan el talento de otros autores como Manuel Veleta, Israel Amador, Jonathan Pocovi o Juan Mari Montes, y colaboraciones de músicos de la talla de Perico Sambeat, Antonio Serrano, Josemi Carmona o Iván González “Melón”, entre otros, y que consiguen que este disco destaque por su belleza. Especial mención merece la colaboración de Manuel Veleta en la gira que siguió a la edición del disco, en la que Sole tuvo el placer de compartir escenario con Ricardo Belda al piano, Edu Olmedo a la batería, Borja Fernández Serrano a la guitarra, Iván López a la guitarra y Natxo Tamarit al bajo.
Poco después, todavía en 2008,y a propuesta de su compañía de discos, Sole se embarca en un nuevo proyecto que culmina con la edición de un nuevo trabajo en Junio del 2009 “ Dos Gardenias”. Durante años, había jugado con la idea de revisar y versionar grandes canciones y grandes autores del repertorio latino americano, tanto clásicos como actuales, y compaginar esta idea con la colaboración de destacados músicos de Jazz. De esa idea nace este nuevo disco, grabado y coproducido de nuevo con su inseparable Vicente Sabater y que cuenta con la maestría de Chano Domínguez, Jorge Pardo, Iván González “Melón”, Joshua Edelman, José Reinoso, Yoel Páez, Yelsie Heredia, Perico Sambeat, Francisco Blanco Latino, Llibert Foruny, Ara Malikian, Naxto Tamarit, Efrén López…, etc Un disco de un cálido Latin Jazz, donde las canciones cobran una nueva dimensión y que está demostrando ser un nuevo y singular camino musical donde el estilo y la forma de interpretar inconfundible de Sole Giménez brillan con luz propia, haciendo de ella una de las voces más emocionantes y polifacéticas de todo el panorama musical español. Un trabajo que está gozando de una gratísima acogida por parte del público y cuyas presentaciones han sonado ya en la Opera House de Sydney (Australia), en Casablanca, Rabat o Tánger (Marruecos) o México, pasando por múltiples ciudades españolas y festivales de jazz tan renombrados como el Festival Internacional de San Javier (Murcia) cuyas imágenes en DVD se incluyen en la reedición el disco prevista para el 17 de Noviembre del 2009. Octubre de 2009.
Luis Miguel Gallego Basteri nació en San Juan, Puerto Rico durante una estancia de sus padres en la isla caribeña. Es el mayor de los 3 hijos de la pareja formada por el cantante español Luisito Rey (Luis Gallego Sánchez) y la actriz italiana Marcela Basteri, sus hermanos son Alejandro (dos años menor) y Sergio respectivamente. Debido a la profesión de su padre, su familia radica en México, donde adquirió, posteriormente, su nacionalidad en 1991. El futuro artista realizó estudios de educación primaria hasta quinto grado, debiendo concluir con profesores particulares sus estudios por su inicio temprano en el medio del espectáculo.
Su padre, cuya carrera declinaba, decide de lleno dedicarse a él, acompañándolo con la guitarra y buscando que su hijo debutara en televisión, para de ahí pudiera firmar un contrato discográfico. Debutó como cantante exitosamente en la boda de la hija del entonces presidente de México José López Portillo en 1981,gracias al apoyo del entonces jefe de la policía de la Ciudad de México Arturo Durazo Moreno. El éxito en esta actuación fue tan notorio, que un mes después Luis Rey conversó con ejecutivos de la sede mexicana de la disquera EMI que le ofrecieron el deseado contrato discográfico a su hijo en 1982.
En esta nueva etapa, Luis Miguel pudo grabar su primer álbum en 1982, a los 12 años de edad, titulado 1+1=2 enamorados. Este mismo año, incursiona en el cine, participando en la película Ya nunca más con un tema homónimo compuesto por su padre. Este será el comienzo de su trayectoria artística; tiempo después gana su primer premio Grammy con el tema Me gustas tal como eres (1985), a dúo con la cantante escocesa Sheena Easton, incluido por ella en su único álbum en idioma español (Todo me recuerda a ti). Su actuación conjunta con Sheena Easton, en el Festival de Viña del Mar (Chile) de ese año, le hace ganar su primer premio en el exterior: la Antorcha de Plata. El segundo lo obtiene como participante del Festival de la Canción de San Remo (Italia), con el tema Noi ragazzi di oggi (Los muchachos de hoy). Además de la ya mencionada producción, se suman tres más a sus primeros años de trayectoria: Directo al corazón, Decídete y Palabra de honor. Eventualmente, grabará el mencionado tema en su única producción en idioma italiano titulada Collezione Privata (1985). Antes, en 1984, Luis Miguel protagoniza la cinta Fiebre de amor, secundado por la entonces actriz y cantante infantil Lucero. De esta cinta, se originó el álbum homónimo. No volvería a participar en el cine, dedicándose a su carrera en el canto.
En 1987, debido a problemas con su disquera EMI, debuta con Warner Music al presentar su noveno álbum titulado Soy como quiero ser, iniciando así su colaboración con el músico, productor y compositor español Juan Carlos Calderón, autor de la canción que le dio su primer premio Grammy. Este disco le hace merecedor de cinco discos de platino y ocho de oro en el ámbito internacional. Ese mismo año, se aleja de su padre definitivamente, al cumplir la mayoría de edad. No volvería a verlo sino cuatro años después, al aproximarse su fallecimiento.
En 1988 lanza Busca una mujer, cuyo primer sencillo, La incondicional, se mantuvo siete meses en el primer lugar de diversas listas de popularidad. De este trabajo se extraen siete sencillos que ocuparán el número 1 en las listas Billboard Hot Latin Tracks durante más de un año.
Corre 1990, y su obra 20 años vende en tan sólo una semana más de 600.000 copias. Seis sencillos del álbum entran simultáneamente en el Top 100 de México. El ahora apodado «Sol de México» realiza una gira por Latinoamérica y Estados Unidos. Gana dos Antorchas de Plata en el Festival de Viña del Mar. Ese mismo año recibe el premio Excelencia Europea en España y su primer World Music Award en Mónaco, siendo el primer latinoamericano en recibir dicho reconocimiento como Best Selling Artist.
En 1991 debido a una idea surgida en un programa televisivo en el cual conoce al compositor, músico y cantante mexicano Armando Manzanero coproduce su álbum Romance, iniciándose en la interpretación de boleros y alcanzando ventas de más de siete millones de copias internacionalmente, que le hacen ganar más de 700 discos de platino. Es el primer latinoamericano que recibe un disco de oro en EE. UU. por un álbum en español y discos de oro en Brasil y Taiwán.
Al año siguiente, es el único latinoamericano invitado a participar en la grabación del disco Barcelona Gold, con motivo de los Juegos Olímpicos. Gana el premio al Mejor Video Musical Internacional de los Premios MTV por su canción América, que formaría parte de un disco de edición especial, América & En Vivo. Y por Romance, Luis Miguel gana los premios Billboard en 1992 A.C. al Mejor Artista Latino, Mejor Álbum y Mejor Artista de la canción en español.
En 1992, sufre la muerte de su padre, Luis Rey, lo que retrasa por un mes el inicio de la grabación de Aries; mucho se comentó el hecho de que la muerte de su padre se debió a una ruptura en la relación con su hijo.
A sus 23 años, repite como productor con el disco Aries, con el cual retorna a los géneros de la balada y el pop, por el cual recibe su segundo Grammy (Best Latin Pop Album). Gana dos premios Lo Nuestro en las categorías de Pop Artist of the Year y Best Pop Album, los premios Billboard al Mejor Artista Masculino del Año y Mejor Álbum del Año, y consigue más de 40 discos de platino y 6 discos de oro en el mundo. Para este álbum, el compositor y músico dominicano Juan Luis Guerra le aporta su balada Hasta que me olvides que se convirtió en uno de los temas más promocionados de este álbum.
Por ese mismo año inicia una gira aún más extensa por toda América. Es también el primer cantante latino que consigue un lleno absoluto en el Madison Square Garden de Nueva York y agota las entradas cuatro veces consecutivas en el Universal Amphitheater de Los Ángeles, repitiendo este hecho también con tres fechas en el Knight Center de Miami.
En 1994 sale al mercado Segundo Romance, que entra directamente en la lista de los «Top 200» mejores de Billboard en el 27, puesto de entrada más alto jamás conseguido por un álbum en español hasta ese momento. Se le otorgan más premios Billboard y Lo Nuestro, con La media vuelta, y luego ganará su tercer Grammy. Consigue 350 discos de platino y el World Music Award como el Mejor Cantante Latino del Año. Este mismo año se nacionaliza mexicano, en el entonces gobierno de Carlos Salinas de Gortari.
Recibe el reconocimiento por parte de la RIAA (Recording Industry Artists of America) a raíz de la venta de más de dos millones de copias por Romance y Segundo Romance en Estados Unidos, lo que le convierte en el primer extranjero cantando en su propia lengua que obtiene esta distinción.
En este año bate su propio récord presentando 16 conciertos consecutivos en el Auditorio Nacional de México, y ocupa el tercer lugar mundial entre los cantantes que más entradas han vendido sucesivamente en un mismo recinto. Sus contactos en el medio artístico influyen para que sea tomado en cuenta para grabar Come fly with me a dúo con Frank Sinatra para el álbum Sinatra: Duets II, el último que realizó. También Luis Miguel, a consecuencia de ello es uno de los elegidos para participar en el programa especial de televisión Sinatra: Duets para lanzar este álbum.
Lanza su primer álbum en vivo, titulado El concierto, grabado durante sus presentaciones en el Auditorio Nacional, y en formatos de CD, casete, Laser Disc y Home Video rompe récords de venta. En este disco doble, debuta en el género ranchero al cantar los temas El rey, Si nos dejan, La media vuelta y "Amanecí en tus brazos"; acompañado de la agrupación Mariachi 2000 del trompetista mexicano Cutberto Pérez. Un año después, en 1996, Walt Disney Studios le invita a grabar Sueña, versión en español del tema principal de la cinta de dibujos animados de este estudio El Jorobado de Notra Dame, y que fue incluida en su siguiente álbum, Nada es igual. Ya antes, su éxito No sé tú es convertido en el tema central de la película Speechless.
De Nada es igual vende 1.300.000 copias y recibe 30 discos de platino. El primer sencillo de este álbum, Dame, se coloca en primer lugar en todas las emisoras de habla española en Estados Unidos, además de México, Centroamérica, Sudamérica y España. En septiembre es honrado por el comité organizador de The Hollywood Walk Of Fame con una estrella en la avenida de Hollywood Boulevard.
Para mediados de 1997 lanza Romances, su tercer álbum de boleros, producido por él mismo con la colaboración de Armando Manzanero y del hoy desaparecido músico, compositor y arreglista argentino Bebu Silvetti. Romances debuta en el 14 de Billboard Top 200, la posición más alta jamás alcanzada por un álbum en español. Por debajo de la mesa y los sencillos que le siguen, El reloj, Contigo, Bésame mucho y De quererte así llegan al número 1 en las listas de radio en toda América Latina.
Empieza la gira más extensa de su carrera, con 17 fechas consecutivas en el Auditorio Nacional, y 5 veces en el Radio City Music Hall de Nueva York, con llenos absolutos, para poner un nuevo récord. Pollstar le admite como uno de los Top 20 All-Time Grossing (los 20 artistas que más localidades han vendido en un mismo recinto en la historia de la música).
Romances logra vender más de 4.5 millones de copias, siendo el álbum que más ha vendido en menos tiempo, con 50 discos de platino a nivel mundial, su cuarto Grammy en 1998, el Billboard Latin 50 Artist of the Year y el premio al Mejor Álbum Pop Masculino del Año, además de su cuarto World Music Award como Best Selling Latin Artist. Luis Miguel vende en España más de un millón de copias entre Romances y la trilogía Todos los romances en un año. Romances se convierte en el número 1 en las listas españolas y la trilogía Todos los romances es número 3 al mismo tiempo.
En 1999 prepara Amarte es un placer. Él lo produce, y reúne a los compositores Armando Manzanero y Juan Carlos Calderón. Luis Miguel participa como autor, compositor y arreglista de varios de los temas. Para julio lanza Sol, arena y mar, primer sencillo, que en su primera semana alcanza el primer lugar en Argentina, Chile y México. El resultado es que obtuvo tres Grammy.
En México hará a principios de 2000 21 presentaciones consecutivas en el Auditorio Nacional, con más de 225.000 espectadores en total, y es homenajeado con 4 discos de platino y de oro por Amarte es un placer. Vuelve a ganar el Billboard y, además, tiene, de acuerdo con la agencia William Morris, la gira con más altos ingresos en la historia de un artista de habla española. Se hace con tres Grammy Latino en septiembre, en la primera entrega.
El 3 de octubre de 2000 lanza Vivo, grabado durante los conciertos de la gira en Monterrey, que incluye grandes éxitos a lo largo de su carrera y los temas inéditos La bikina, acompañado por un mariachi. Consigue otro Billboard, finalmente.
A finales de 2001 y 2002 vendrían, respectivamente, Mis romances (cuarto trabajo de boleros, con el sencillo Amor, amor, amor) y Mis boleros favoritos (disco que recopila lo mejor de sus interpretaciones, más un DVD). En el mismo año (2002) se presenta en el Estadio Azteca y es un éxito total con 80.000 personas de 120000 que abarca el recinto siendo un rotundo exito.
Corre septiembre de 2003 y el intérprete lanza su primer disco con temas originales desde hace cuatro años. Lo titula 33, en alusión a su edad, y el primer sencillo es del dominicano Juan Luis Guerra: Te necesito. Cancún recibió al mexicano para el lanzamiento, y la nueva gira internacional daría inicio en Las Vegas pocos días más tarde.
En el año 2004 presenta su primera producción con Mariachi. Se trata de un homenaje a su patria titulado México en la piel. Este disco logra vender tan sólo en México casi un millón de copias. Además logra una nueva marca en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, con 30 fechas consecutivas. Esta hazaña lo hizo acreedor de La Estela de Plata, reconocimiento que el Auditorio Nacional hizo específicamente para Luis Miguel por su récord de conciertos en tal recinto. Este disco a su vez lo hizo acreedor del Grammy americano al mejor disco México americano, el Grammy latino al mejor disco ranchero, el Billboard latino al mejor disco ranchero, el Billboard a la gira del año latina, y el premio Lunas del Auditorio al mejor concierto pop del año 2005.
En el 2005 también lanzó al mercado su colección Grandes éxitos.
El 14 de noviembre del 2006 presenta su álbum Navidades el cual recopila 11 temas navideños, originarios de EE.UU. versionados al español. De este álbum, fueron estrenados dos temas simultáneamente en la radio hispana de los Estados Unidos, Latinoamérica y España. Mi humilde oración (compuesta por David Foster y Linda Thompson) y Santa Claus llegó a la ciudad (de Fred Coots y Haven Gillespie) que fueron versionadas por Juan Carlos Calderón, quien volvió a colaborar con el cantante, siendo los temas Noche de paz y Navidad Navidad los más conocidos en el habla hispana. En el 2007, comienza una gira llamada Grandes éxitos, la cual incluiría en su repertorio las mismas canciones en España, Venezuela y Estados Unidos.
En mayo de 2008 Luis Miguel lanzó su nuevo álbum, titulado Cómplices que contiene 12 temas inéditos del compositor español Manuel Alejandro, cuya producción nuevamente estuvo a cargo de Luis Miguel, como en muchos de sus anteriores y exitosos trabajos.
El primer sencillo se titula "Si tú te atreves" y su fecha de estreno en España fue el lunes 7 de abril de 2008 y en el resto del mundo el 6 de mayo de 2008.
Cómplices recibe cuatro discos de platino por sus 324,000 copias vendidas el día de su lanzamiento y disco de diamante por sus más de 400,000 copias vendidas en lo que va del año.
Luis Miguel es padre de tres hijos, Michelle, que nació el 13 de junio de 1989, Miguel, nacido el 1 de enero de 2007 y Daniel, que nació el 18 de diciembre de 2008.Estos dos últimos son fruto de su relación con Aracely Arámbula.
El 15 de julio 2008 lanza oficialmente en la radio "Te Desean" segundo sencillo de su disco Cómplices y el día anterior el estreno mundial del vídeo del mismo tema por el canal de cable AXN.
En el 2009 vuelve al Auditorio Nacional con mas de 25 presentaciones consecutivas, la mayoría con llenos totales y otros con el 88% de su capacidad.
Su espectáculo ha sido visto por más de 1.500.000 personas en toda su carrera en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México rompiendo récords en el mismo. Marc Anthony, nacido como Marco Antonio Muñiz el 16 de septiembre de 1968 es un cantante de ascendencia puertorriqueña, en el género de la música salsa y más recientemente también de baladas románticas, pop y hasta tango. Dio el salto internacional gracias a Paul Simon, al que considera su maestro y mentor, quien lo eligió entre miles de candidatos para ser el protagonista de su obra "The Coconut".
En su vida privada ha habido muchos sucesos, todos fruto de la pasión que destila en sus canciones: tras una relación con Debbie Rosado (una policía neoyorquina) nació su hija Arianna, un elemento fundamental en la vida de Marc y a la que le compuso una canción, My Baby You.
Después se casó con la Miss Universo 1993 Dayanara Torres, con la que tuvo dos hijos: Ryan y Cristian (este segundo recibe su nombre en honor a la admiración que su padre profesa por el cantante mexicano Cristian Castro). Entre el nacimiento de ambos hijos hubo crisis, llegándose a separar y casándose de nuevo. En octubre del 2003 terminaron la relación definitivamente cuando salieron falsos rumores de que Marc había tenido un hijo fuera del matrimonio con una fan, pero tras tres exámenes de ADN se comprobó que la chica mentía.
En febrero del 2004, su amiga la cantante estadounidense Jennifer Lopez le pidió su ayuda para producir la canción Sway para la banda sonora de la película Shall We Dance?, y en el estudio de grabación y con la convivencia, la amistad se convirtió en amor y el 5 de junio de 2004 se casaron en la lujosa mansión que tiene Jennifer en Miami, confirmando así los rumores que los relacionaban sentimentalmente. Marc Anthony confesó que siempre ha estado enamorado de Jennifer y que ella es la misteriosa Lola a quien dedicaba varios de sus discos y canciones.
En enero del 2006 Jennifer Lopez inició la filmación de la película "El cantante" basada en la vida del polémico cantante puertorriqueño Héctor Lavoe, para lo cual le pidió a su esposo que él interpretara a Héctor y ella interpretaría a "Puchi" la esposa de Lavoe, además de que fue la productora del film.
En el 2007 Marc Anthony debutó como productor de otro artista, participando activamente en la composición, producción y coros del primer disco en español de su esposa Jennifer Lopez llamado "Como ama una mujer", que debutó Nº1 en ventas de la prestigiosa revista Billboard. Además, ese mismo año Marc lanzó su nuevo disco "El cantante" que era la banda sonora de la película del mismo nombre protagonizada por él; este disco se convirtió en un éxito de ventas debutando también en el Nº1 de Billboard. Ambos salieron juntos de gira por Estados Unidos en los meses de septiembre, octubre y noviembre, teniendo un éxito inusitado y al final del último concierto de la gira, que fue ofrecido en la ciudad de Miami, Jennifer anunció al público que estaba embarazada y Marc besó su vientre ante la emoción de los miles de fans presentes.
El 22 de febrero de 2008 Jennifer dio a luz a gemelos. La niña, Emme (diminutivo de Emelina), vino al mundo a las 6.12 de la madrugada (hora española) y pesó casi 2,5 kilos. El niño, Maximiano, nació trece minutos después con 2,7 kilos de peso. Son los primeros hijos de López, mientras que Marc ya tiene 3 hijos de relaciones anteriores.
El 28 de febrero de 2009 se presentó por primera vez en el escenario del Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, en Chile, siendo el artista más caro de la versión del certamen, obteniendo todos los galardones y el absoluto cariño de la gente, ante lo cual el artista estuvo completamente emocionado y agradecido llegando a derramar lagrimas. Betty Joan Perske (n. 16 de septiembre de 1924), más conocida como Lauren Bacall, es una actriz de cine estadounidense ganadora de los premios Globo de Oro y Tony. En 2009, la Academia de Cine de Hollywood le concedió un Óscar honorífico en reconocimiento a toda su carrera.Estudió en la American Academy of Dramatic Arts (Academia Americana de Artes Dramáticas) y debutó como actriz en Broadway en 1942. Hizo su debut en la gran pantalla en 1944. Hija de inmigrantes judíos establecidos en Nueva York- EE.UU; a los 15 años ingresó a la Academia Americana de Artes Dramáticas. Para costearse sus estudios trabajó como modelo y acomodadora en un cine. A los 17 años apareció en la portada de una prestigiosa revista de modas, la Harper´s Bazar que fascinó al director Howard Hawks quien la incluyó en un elenco junto al consagrado Humphrey Bogart en el film To have and have not que la catapultó al estrellato.
Bacall se casó con Humphrey Bogart, ya divorciado y de 45 años de edad, en 1945, teniendo Lauren apenas 20 años de edad, y siguió a su lado hasta la muerte del actor en 1957 debido al cáncer. La relación comenzó entre bambalinas estableciéndose una gran afinidad entre ambos actores y 18 meses después ya eran esposos. De la unión con Bogart nacieron dos hijos, el productor de noticias Stephen Bogart y una hija Leslie Bogart, quien fue enfermera.
Su segundo esposo fue el también actor Jason Robards (desde 1961 hasta su divorcio en 1969). De esta unión nació un varón quien sería el actor Sam Robards. Se divorció 8 años después de Robards debido a problemas de alcoholismo por parte del actor y ya no volvería a reincidir en el matrimonio desde entonces.
Lauren Bacall ha escrito dos autobiografías, Lauren Bacall By Myself (1978) y Now (1994). En la actualidad Lauren Bacall es un mito del cine clásico y con sus 85 años aún participa de filmes, siendo el último The Walker que fue presentado en el Festival de Cine de Berlín.
Humphrey DeForest Bogart (Nueva York, 25 de diciembre de 1899 – Holmby Hills, 14 de enero de 1957) fue un actor de cine y teatro estadounidense.
Bogart fue el mayor de los tres hijos del matrimonio formado por Belmont De Forest, médico cirujano, y Maude Humphrey, artista gráfica. Estudió en la Escuela Trinity, y más tarde en la Academia Philips de Massachusetts, donde conoció a su amigo William Brady, hijo del productor de teatro William A. Brady, quien le estimuló a cultivar sus cualidades para la interpretación teatral. En un principio Bogart tenía pensado estudiar medicina en la Universidad de Yale, sin embargo, estos planes se vieron truncados al ser expulsado por su comportamiento rebelde.
A continuación se alistó en la Marina para combatir en la Primera Guerra Mundial, y fue destinado como marinero al buque S.S. Leviathan. En 1918 el barco fue atacado por submarinos y un torpedo lo alcanzó sin lograr hundirlo. Un fragmento astillado de madera saltó y le rasgó la boca, afectando para siempre su forma de hablar.
De regreso a su vida civil fue contratado como administrador en la compañía cinematográfica y de teatro World Film Corporation, de William A. Brady, el padre de su amigo.
Su manera de hablar y su aspecto físico, que no se correspondía con el del clásico galán de la época, dificultaron sus inicios en su carrera como actor. Desde 1922, cuando hizo su primera aparición en el escenario en la obra The Ruined Lady de la compañía World Film Corporation, hasta 1935, sólo hizo pequeñas intervenciones en escenarios y en algunas películas. Ingrid Bergman (29 de agosto de 1915 - 29 de agosto de 1982) fue una actriz sueca ganadora de los premios Óscar y Globo de Oro. Considerada como uno de los Mitos del Séptimo Arte y según la lista realizada por el American Film Institute, es la cuarta estrella más importante en la historia del cine. Falleció el día de su 67º cumpleaños, tras padecer una prolongada y penosa enfermedad.
Quedó huérfana de madre cuando tenía dos años y su padre murió 10 años después, por lo que fue criada por unos familiares. Decidió hacerse actriz para combatir su extrema timidez y dio sus primeros pasos en el teatro. A los dieciocho años fue elegida entre cientos de aspirantes para estudiar en la Real Escuela de Teatro dramático (donde también estudió Greta Garbo).
En 1937 se casa con el dentista Petter Lindström, relación de la que nace su hija Pia Lindström. En 1939, y después de protagonizar una docena de películas en Suecia, se traslada a los Estados Unidos para protagonizar la película de David O. Selznick "Intermezzo".
En 1942 se convierte en una de las estrellas de la época al protagonizar junto a Humphrey Bogart la película de Michael Curtiz "Casablanca". 1943 supone el año en el que recibe su primera candidatura a los Óscar, en este caso por su papel en la película "Por quién doblan las campanas", aunque no consigue finalmente el premio. Al año siguiente se puede resarcir de esa desilusión, pues gana el Óscar a la mejor actriz, esta vez por su papel en "Luz que agoniza". En 1945 recibe su tercera candidatura consecutiva a los Óscar, esta vez por la película "Las campanas de Santa María". La actriz recibiría su cuarta candidatura a los Óscar en la categoría de mejor actriz en 1948, por su papel en "Juana de Arco".
En 1949 se traslada a Italia para rodar a las órdenes de Roberto Rossellini la película "Stromboli". Durante el rodaje comienza una relación con el director italiano. Fruto de esta relación, Bergman queda embarazada de su hijo Roberto, (nacido el 7 de febrero de 1950), lo que provoca un gran escándalo en los Estados Unidos. El escándalo fue tal que incluso provocó que la actriz fuera declarada persona non grata en territorio americano, lo que hizo que se exiliara en Italia, dejando a su marido y a su hija en los Estados Unidos. Después de separarse de Lindström y tras el nacimiento de su hijo, la actriz y el director se casan el 24 de mayo de 1950. Con el director italiano tiene además otras dos hijas, las gemelas Isabella e Isotta. Finalmente, se separara de Rossellini en 1957. De su época en Italia destaca su trabajo en seis películas dirigidas por su entonces marido, entre ellas "Giovanna d'Arco al rogo" (1954).
En 1956 vuelve a ganar el Óscar a la mejor actriz por su interpretación en la película "Anastasia", siendo su amigo Cary Grant quien recoge el premio en su nombre. En 1958 vuelve por primera vez a Hollywood después del escándalo de su matrimonio para presentar el Óscar a la mejor película en la 31ª Edición de la ceremonia de entrega de los Premios de la Academia. La sala la recibe con una cerrada ovación. Ese mismo año se casa con el productor sueco Lars Schmidt, del que se separará en 1975.
A partir de entonces comienza a alternar películas en Estados Unidos y en Europa, así como apariciones ocasionales en dramas televisivos y en obras de teatro.
En 1974, Bergman recibe su tercer Oscar, esta vez en la categoría de mejor actriz de reparto, por su participación en la película "Asesinato en el Orient Express".
Su última candidatura a los Óscar la recibió en 1978 por su papel en "Sonata de otoño", del director sueco Ingmar Bergman.
A lo largo de su vida, tres directores marcaron su carrera cinematográfica: Gustaf Molander, quien la dirigió en siete películas y con el que fue proclamada mejor promesa del cine sueco en 1935; Rosellini, quien la dirigió en seis películas y fue su marido; y Alfred Hitchcock, que la dirigió en tres ocasiones siendo ya una consolidada actriz.
Recibió el galardón italiano Ruban d'Argento a la mejor actriz extranjera en dos ocasiones, por las películas "Stromboli", de 1951, y "Europa 51", de 1953.
También ganó el Premio Emmy (Óscar televisivo) por sus trabajos en "Turn of the screw" (1959) y "Una mujer llamada Golda" (1982). Por esta miniserie (su último papel) obtuvo además el Globo de Oro a la mejor actriz - Miniserie o telefilme Globo de Oro a la mejor actriz en miniserie o telefilme. Steven Seagal Nacido el 10 de abril de 1952, en Lansing, Míchigan, Estados Unidos, de padre judío y madre de ascendencia cheroqui e irlandesa católica, en su juventud se mudaron a Fullerton, California y empezó a estudiar artes marciales de la mano del famoso maestro de karate Fumio Demura. Al final de su adolescencia, Seagal forma parte del Equipo de Demostración de Karate de Demura y hace demostraciones diarias en el Japanese Deer Park, un parque de atracciones del sur de California. Cuando tenía diecisiete años, Seagal se mudó a Japón para continuar su estudio de artes marciales.Se trasladó a finales de los años 60 a Japón, en donde dio clases de inglés para pagar sus estudios en aikido, kendo y judo. Es un activo promotor del budismo zen y dedica muchas horas al cultivo de esta religión oriental.
Gracias a su elevada estatura de 1,93 m y su prominente físico, sumado a sus habilidades en artes marciales, ha interpretado a menudo papeles de ex-SEAL, ex-agente del FBI o militar retirado.
Adicionalmente, se ha manifestado defensor de etnias minoritarias y del medio ambiente y ha dejado entrever estas posturas en sus filmes. Asimismo colecciona espadas de samurái.Además Seagal fue coaccionado por la Mafia debido a asuntos laborales, según registró la prensa.Es guitarrista de la banda de blues Steven Seagal and the Thunderbox. Seagal comenzó a tocar la guitarra a los 12 años. Lanzó su primer álbum, Songs from The Crystal Cave, en 2004.En 2006 publicó otro disco, Mojo Priest.En su cinta "Infierno bajo tierra" de 1997, Seagal aparece en una escena tocando la guitarra acompañando a un grupo local de country. Seagal estuvo casado tres veces. Su primer matrimonio (desde 1975 hasta 1986) fue con Miyako Fujitani, relación de la cual nacieron dos hijos: Kentaro Seagal y Ayako Fujitani. Más tarde se casó con Adrienne La Russa, matrimonio que se rompió al cabo de un año (1989). Posteriormente contrajo matrimonio con la actriz Kelly LeBrock, conocida por la película "La chica de rojo"; la unión duró desde 1987 hasta 1996 y fruto de ella nacieron tres hijos: Annaliza, Dominick y Arissa.
Patrick Swayze (Houston, Texas, 18 de agosto de 1952 – Los Ángeles, California, 14 de septiembre de 2009) fue un actor, bailarín y cantautor estadounidense.
Como cantautor, She's Like the Wind fue su tema más conocido, que llegó a alcanzar puestos altos en las listas de sencillos de todo el mundo. Su plenitud como actor le llegó con la serie de televisión Norte y Sur y más tarde con éxitos de taquilla como Dirty Dancing y Ghost, trabajos, entre otros, que le hicieron convertirse en uno de los actores más populares de los años 80 y 90, incluso llegando a ser considerado el hombre más sexy vivo del mundo por la revista People. Su carrera incluye géneros variados como la comedia, el drama o el cine de acción.
Falleció a causa del cáncer de páncreas que le fue diagnosticado a principios del año 2008, al mismo tiempo que trabajó en la serie televisiva The BeastPatrick Swayze nació el 18 de agosto de 1952 en Houston (Texas). Hijo de Patricia Patsy Yvonne Helen (nacida en 1927), una coreógrafa, instructora de baile y bailarina, y Jesse Wayne Swayze (1925-1982), un redactor de ingeniería.Tenía 4 hermanos: Vicki (1949-1994), Don (1958) que también es actor, Sean (1962) y Bambi (adoptada).
Patrick sobresalió desde joven por sus aptitudes físicas y por su interés por las artes escénicas. En el instituto destacó más por sus cualidades atléticas que por sus logros académicos, llegando a ganar varios torneos en atletismo y en fútbol americano.
Su carrera deportiva se vio interrumpida por causa de sus problemas en las rodillas, por lo que tuvo que abandonar sus pretensiones deportivas. Después de abandonar los deportes, se instaló en Nueva York para estudiar ballet en la Harkness Ballet School y en la Joffrey Ballet School, donde consiguió hacerse bailarín profesional.
En 1975 se casó con la también bailarina y actriz, Lisa Niemi, a quien conoció en su adolescencia en las clases de baile de su madre, Patsy.Representó varias obras musicales en el teatro como bailarín, entre las que se encontraba Grease, antes de dar el paso a gran pantalla. En el año 1979 participó en la película de televisión Skatetown, U.S.A. (La Fiebre del Patín).
A principio de los años ochenta realizó varios papeles secundarios en series de televisión, hasta que en 1983 fue seleccionado por Francis Ford Coppola para completar el reparto de la película Rebeldes, junto a otros actores importantes como Matt Dillon, Rob Lowe, Diane Lane, Ralph Macchio, y Tom Cruise, entre otros. Luego vinieron proyectos como Más allá del valor, de Ted Kotcheff, junto a Gene Hackman y Fred Ward, donde interpretó a un veterano de Vietnam que debía ayudar a su antiguo coronel a rescatar a su hijo. También hizo una aparición como extra en la pista de baile en la película musical Stayin' Alive (1983), secuela de Fiebre del sábado noche dirigida por Sylvester Stallone.
En 1984 protagonizó la película Amanecer rojo, de John Milius, junto a C. Thomas Howell y Charlie Sheen.
En 1985 coprotagonizó con James Read la mítica serie de televisión Norte y Sur, basada en la historia de John Jakes sobre la Guerra de Secesión de Estados Unidos que contó con otros actores como Kirstie Alley, David Carradine, Lesley-Anne Down y las leyendas Gene Kelly, Jean Simmons, Olivia de Havilland y Elizabeth Taylor.
En 1986 trabajó en la película Youngblood, de Peter Markle, junto a Rob Lowe y Cynthia Gibb.
En 1986 volvió a la televisión para participar en la segunda parte de Norte y Sur, y actuó en la película de ciencia ficción El guerrero del amanecer, junto con su esposa Lisa Niemi y el actor Arnold Vosloo, luego famoso por La momia (1999).
En 1987 rodó Dirty Dancing, película con la que se hizo mundialmente conocido. Una de las canciones de la banda sonora de esta película fue She’s Like the Wind, que fue compuesta y cantada por él mismo, y fue número dos durante varias semanas seguidas en la lista de sencillos de Estados Unidos y vendió miles de copias en todo el mundo. En ese año también protagonizó uno de los capítulos de la serie Cuentos asombrosos, producida por Steven Spielberg.
Entre 1988 y 1989, Swayze se hizo un actor muy cotizado, y pronto se convirtió en reclamo publicitario de grandes marcas de ropa, perfumes, etc... En esos años protagonizó películas como Con su propia ley y Roadhouse (El duro).
A principios de la nueva década mantuvo su condición de estrella con varios éxitos. En 1990 marcó otro hito taquillero de alcance mundial y recibió muchas críticas favorables con la película Ghost, dirigida por Jerry Zucker y coprotagonizada por Demi Moore y Whoopi Goldberg.
En 1991, tras superar algunos problema con el alcohol y las drogas, participó en otra exitosa película ambientada en el mundo del surf, Point Break (Le llamaban Bodhi), dirigida por Kathryn Bigelow y coprotagonizada por Keanu Reeves. Al año siguiente protagonizó una película totalmente distinta a la anterior, La ciudad de la alegría dirigida por Roland Joffé y basada en la novela del escritor Dominique Lapierre, en la que interpretó a Max Lowe, un médico que viaja a la India para dar un nuevo significado a su vida.
Para el año nuevo de 2008, Swayze y su esposa celebraron las festividades, sin embargo notó que el champagne le "ardía" en su estómago y además sus deshechos fisiológicos eran de apariencia poco normal, entoces supo que estaba ante una dolencia desconocida; pero él declaró : "- No había nada raro en mí-"
En enero de 2008, le fue detectado un cáncer de páncreas en fase IV (avanzada y con sólo un 5% de posibilidades de sobrevida). Swayze fue sometido a una cirugía de emergencia después de que el cáncer se le extendiese y parte de su estómago fue extirpado. En mayo de 2008, la revista española OK informó de que Swayze había dejado sus propiedades a nombre de su esposa, Lisa Niemi, tal vez en previsión de un mal desenlace. En noviembre de 2008 diversos medios de la prensa escrita anunciaron que su cáncer había empeorado (llegando al hígado) y que se despidió de sus seres queridos. No obstante su mujer, a través de una carta al circulo de admiradores oficial de Swayze, desmintió este hecho asegurando que tan sólo se había encontrado «una pequeña cantidad de cáncer» y que aún no se había producido ninguna despedida. Muchos medios de comunicación dieron la noticia de que a Swayze sólo le quedaban cinco semanas de vida, ya que el tumor se había esparcido rápidamente. Al parecer, Patrick Swayze estuvo viajando hacia la Universidad de Stanford para tratarse en un prestigioso centro de Palo Alto con intensas sesiones de quimioterapia.
Patrick Swayze y su representante desmintieron en varias ocasiones, mediante comunicados de prensa, que su estado fuese crítico. En su último comunicado, Swayze era muy optimista y señalaba que regresaría pronto al trabajo.
En abril de 2009 los médicos comunicaron a Patrick Swayze que el cáncer se había extendido a su hígado. El 19 de mayo de 2009 su representante desmintió los rumores que inundaban la Internet acerca de la muerte del actor. «La esperanza es algo muy frágil en la vida de cualquiera y la gente que quiero no necesita que le roben la esperanza cuando no está justificado y cuando no es cierto», remarcaba Swayze.
Finalmente, el 14 de septiembre de 2009 el actor falleció a los 57 años de edad en un hospital de la ciudad de Los Ángeles, Swayze dejó en audio un testimonio de despedida que formará parte de su autobiografía, próxima a salir a la venta.
Su cuerpo fue incinerado despúes de su funeral y sus cenizas llevadas a su rancho por su esposa Lisa.
Amaia Montero Saldías (Irún, Guipúzcoa, 26 de agosto de 1976), es una cantautora de pop española.
Inició su carrera como vocalista de La Oreja de Van Gogh, en diciembre de 1996. Es también conocida por su estilo melismático y las cualidades oído absoluto y registro de silbido, características que la identifican como cantante.
El 19 de noviembre de 2007, anunció su retirada del grupo para dedicarse a su carrera en solitario. La razón de la separación era una necesidad artística de expresar sus sentimientos en sus propias canciones.
Sus ventas alcanzan las 7 millones (7.000.000) de copias vendidas.
Amaia se unió a La Oreja de Van Gogh en 1996 luego de que el guitarrista Pablo Benegas la escuchara cantar el tema Nothing Compares 2 U, de Sinéad O'Connor, en una fiesta. Benegas la invitó hacer una prueba con su grupo, formado hasta aquel entonces por él, el bajista Álvaro Fuentes, el tecladista Xabi San Martín y el baterista Haritz Garde. Con la incorporación de Amaia, la formación hasta entonces denominada informalmente Los Sin Nombre pasó a llamarse La Oreja de Van Gogh. Desde ese momento, surgieron todas las composiciones del grupo, ya que antes sólo habían hecho versiones de otros artistas.
El 18 de mayo de 1998, tras ganar el Concurso Pop-Rock de la Ciudad de San Sebastián en 1997, firmó un contrato con la discográfica Sony Music y grabó su primer disco, Dile al sol, con el que obtuvo siete discos de platino en España. Su segundo álbum de estudio, llamado El viaje de Copperpot, salió a la venta el 11 de septiembre de 2000. Con este álbum logró consolidar su fama, alcanzando el éxito en Latinoamérica, vendiendo más de dos millones de copias en todo el mundo. En 2001 ganó el premio al Mejor Acto Español en los MTV Europe Music Awards.
El 28 de abril de 2003 lanza su tercer álbum, Lo que te conté mientras te hacías la dormida, el cual tuvo también excelentes ventas y por el que consiguieron varios reconocimientos, entre ellos una nominación a los Premios Grammy al Mejor Álbum Pop Latino. En 2006, editaron su cuarto disco, Guapa, que se convertiría en su último con el grupo. También fue lanzada la caja especial LOVG 1996-2006, en conmemoracióEl 19 de noviembre de 2007, Amaia anunció en un comunicado su decisión de abandonar La Oreja de Van Gogh tras once años en el grupo. Decidió comenzar su carrera como solista. Tras el anuncio, la cantante comenzó a trabajar en su quinto álbum, Amaia Montero.
Entre enero y junio de 2008, realizó la primera maquetación en Madrid. Tras la grabación de estas primeras maquetas, la cantante trabajó con el productor italiano Claudio Guidetti en Génova. La grabación del álbum se realizó en Milán, en los estudios de Eros Ramazzotti, mientras que las mezclas y los últimos detalles se hicieron en los Henson Recording Studio de Los Ángeles y estuvieron a cargo de Mike Tacci. El disco contiene once canciones, todas compuestas por ella misma. Amaia manifestó, sobre este debut como solista, que "ha sido empezar de cero, madurar de golpe. He intentado hacer un disco honesto, por un impulso artístico de expresar lo que soy. Necesitaba seguir mi propio camino y me he arriesgado".
El álbum fue lanzado a la venta el 18 de noviembre de 2008 y alcanzó el número uno en España, tras vender más de 40.000 copias en su primera semana, obteniendo así el Disco de Oro de la lista Promusicae. El primer sencillo del álbum, Quiero ser, alcanzó el primer lugar en las radios españolas, y permaneció por trece semanas en dicha posición. El segundo sencillo fue Ni puedo ni quiero, que se estrenó como corte de difusión en Latinoamérica. El tercero fue 4", y aunque su correspondiente videoclip iba a estrenarse en enero, por retrasos en su producción fue postergado hasta abril. El cuarto sencillo es Te voy a decir una cosa, y su video se estrenó el 15 de septiembre. Finalmente, el álbum alcanzó el triple platino en España y disco de oro en Venezuela y Argentina respectivamente. Además su primer single Quiero ser llegó al disco de platino en descargas digitales y tonos originales para teléfonos móviles.
En la última parte de 2009 Amaia Montero graba una versión en italiano de su álbum que será lanzado en Italia al principio de 2010. Es posible que en la lista de las canciones haya otro dueto con Tiziano Ferro.
Marta Sánchez López (8 de mayo de 1966, Madrid,[2] España), más conocida como Marta Sánchez, es una cantante española de música pop nacida en Madrid. En 1986 formó parte del grupo Olé Olé. Desde 1992 es cantante solista. Durante su carrera solista publicó ocho álbumes, bajo un álbum en directo. Ha vendido más de 7.000.000 de discos a lo largo de toda su carrera musical.
En 1993 lanzó al mercado su primer disco en solitario, Mujer, dando paso a su actual carrera. Su éxito musical siempre ha estado ligado a su imagen sexy, mientras que el reconocimiento a su calidad como vocalista llegó más tarde. Su fama y telegenia le permitieron aparecer con asiduidad en las galas televisivas. Su disco Mujer fue un gran éxito en la escena española del momento, además siendo Número 1 en toda Latinoamérica y entrando a los primeros puestos de la popular lista Billboard. El álbum despachó más de 1.200.000 de copias en todo el mundo.
Su single "Desesperada" recibió múltiples premios, incluido el Premio ERES a la mejor canción "Dance" ("Best Dance Song"). De su primer disco también han llegado a tener gran éxito la popular canción "De mujer a mujer" preciosa balada y el medio tiempo "Tal vez". Este disco también fue editado íntegramente en inglés (Woman) para ser editado en otras partes del mundo.
En 1995 sacó su segundo álbum Mi Mundo, que es un éxito comercial, viéndose reflejada en todas las listas de latinoamerica sus singles que no han dejado de sonar y llegando a colar varios de ellos en el Billboard Americano. Con este disco también obtuvo múltiples reconocimientos, como por ejemplo vender más de 500.000 singles de la veraniega canción "arena y sol"(solo en México) o una nominación a los MTV Music Awards y múltiples discos de oro y platino por las altas ventas conseguidas en México, Colombia, Ecuador, Puerto Rico, Brasil, Venezuela, Chile, Uruguay y Argentina. Este disco fue editado íntegramente en inglés (My World) para ser editado en otras partes del mundo, obteniendo un buen número de ventas en Japón.
En 1996, es invitada a participar en el LP Voces Unidas (grabaciones de los Juegos Olímpicos de Atlanta), con la canción "Sueños de gloria" y así compartía protagonismo con Julio Iglesias, Plácido Domingo, Ricky Martin, Gloria Estefan, Thalía o Alejandro Fernández entre otros y así confirmaba su gran momento profesional. A finales de ese mismo año, graba la canción principal "Obsession" de la película "Curdled", producida por Quentin Tarantino. En la canción comparte protagonismo con el famoso guitarrista Slash del grupo Guns N' Roses.
El 23 de abril de 2007, sale su esperado sexto álbum de estudio titulado "Miss Sánchez". En él predominan los temas bailables y está producido junto al productor español Carlos Jean (4 nominaciones a los Grammys). La utilización de un sampler ajeno en su primer single se considera una influencia al más puro estilo americano, ya que muchos artistas de esta procedencia han utilizado esta técnica comercial. Con la participación de Alaska y un dúo (gracias a la tecnología) del difunto Tino Casal. El álbum entró directamente al puesto nº3 de la lista oficial de discos española y al nº1 en la lista española de descargas online llegando a obtener hasta cuatro "certificaciones" de oro en esta nueva modalidad. Ese mismo año emprende una gira (la séptima de su carrera en solitario) por toda la geografía española, el nombre de la misma se llamó "Tour Miss Sánchez".
También hay que destacar la cantidad de duetos que tiene Marta Sánchez con : Andrea Bocelli, Gloria Gaynor, Rosario Flores, Alaska, Ricardo Arjona, Arturo Pareja Obregón, Ana Torroja, Tino Casal, Albert Hammond, Malú, Carlos Baute etc. En mayo de 2008 hizo de jurado en el concurso Gran Quiz del canal Cuatro junto a Carlos Blanco y Jaume Figueras. En octubre de 2008, hace un dúo con el cantante venezolano Carlos Baute, con el título de la canción Colgando en tus manos. En octubre de 2008, colaboró con Carlos Baute en una canción compuesta por el titulada "Colgando en tus manos", que estaba incluida en el disco del venezolano "De mi puño y letra". Ésta canción consiguió ser Número 1 de todas las listas de música españolas, liderando el Número 1 de Los 40 principales durante, de momento, cuatro semanas consecutivas y vendiendo más de 400.000 copias, obteniendo así la certificación de 9 platinos. El videoclip los han visto 40.000.000 millones de personas, y es la canción más descargada también por internet. Acaba de recibir el premio más prestigioso de la música española, el Premio Ondas 2009 a la mejor canción del año. Tina Turner Annie Mae Bullock (n. 26 de noviembre de 1939, Nutbush, actual Brownsville, Tennessee, Estados Unidos) más conocida como Tina Turner, es una cantante, compositora y actriz estadounidense.Es considerada "la reina del Rock 'n' Roll", por sus logros dentro de ese género musical.
Tina se hizo famosa a finales de los 50, formando parte del dúo Ike & Tina Turner Revue, junto a su entonces marido Ike Turner. Ella se destacó por la acción de sus actuaciones en directo y por su carga sexual. Tras su separación de Ike, en los años 70, comenzó una próspera carrera solista. Actuó en películas como Tommy (1975), donde interpretó a la reina del ácido, y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Después, participó en el filme protagonizado por Mel Gibson, Mad Max Beyond Thunderdome. La canción "We Don't Need Another Hero", incluida en la banda sonora de la película, fue nominada como mejor canción original en los Globos de Oro.
Al día de hoy, es considerada uno de los mayores exponentes del rock a nivel mundial,y fue nombrada por los Rolling Stone como "una de las más grandes intérpretes de todos los tiempos". Turner ha sido conocida desde sus inicios por sus energéticas actuaciones en vivo, sus extrafalarios atuendos y su poderosa voz.Ha vendido aproximadamente 200 millones de discos en todo el mundo.En 2008 abandonó su semi-retiro para recorrer el mundo con su gira Tina!: 50th Anniversary Tour, la cual llevará a cabo también en 2009.Fue descubierta en un club de St. Louis en 1957 por el pianista y guitarrista Ike Turner. Con 18 años, se unió a él en una gira, donde hacía los coros.Tan sólo dos años después Bullock era la estrella del show, y el grupo pasó a llamarse Ike Turner & The Kings of Rhythm.
En 1960 publicaron su primer sencillo, "A Fool In Love", el cual alcanzó el puesto #2 de las listas de R&B y también ingresó al Top 30 de las listas pop estadounidenses. Ike le cambió el nombre a Bullock por el de Tina Turner, y formaron el dúo The Ike & Tina Turner Revue. En 1962, se casaron en Tijuana, México.
Tina en concierto.Ike y Tina lanzaron varias canciones exitosas en la década de 1960, entre las que cabe destacar "A Fool in Love", "It's Gonna Work Out Fine", "I Idolize You", y la innovadora "River Deep, Mountain High" con producción de Phil Spector. A finales de esa década, la pareja incorporó a su repertorio una serie de canciones orientadas al rock, como es el caso "Come Together", "Honky Tonk Woman", y "I Want to Take You Higher".
En 1971 cosecharon su mayor éxito, al verionar el tema "Proud Mary", un clásico de la banda Creedence Clearwater Revival. El sencillo fue el mayor logro comercial del dúo, y alcanzó la posición #4 del Billboard Hot 100 en marzo de ese año. Por él, ganaron un Premio Grammy a la mejor interpretación de un dúo o grupo de R&B.
La pareja se separó en 1976, pero previamente, Tina hizo sus pinitos en solitario con el disco "Tina turns the country on" 1974, y con un papel en la película Tommy, encarnando el personaje de Acid Queen, sobrenombre que la acompañaría durante bastante tiempo y que la llevaría a lanzar su segundo disco en solitario, llamado también "Acid Queen" 1975. En 1978 quedó sentenciado su divorcio por "diferencias irreconciliables".Tras una larga etapa de relativo silencio, participó en el álbum River: The Joni Letters de Herbie Hancock y en febrero de 2008 reapareció en una gala de los Premios Grammy ofreciendo un enérgico dueto en directo con Beyoncé. En dicha gala, el álbum de Hancock ganó el galardón más preciado, el Grammy al Mejor Álbum del Año.
En mayo de 2008, Tina apareció en el programa de Oprah Winfrey, The Oprah Winfrey Show, junto con su gran amiga Cher. La aparición de Turner en este show marcó el inicio de una nueva gira de conciertos en Estados Unidos y Europa, que podría extenderse a otros continentes. Aprovechando la ocasión, se ha publicado otro recopilatorio que reúne sus éxitos y las dos nuevas canciones It Would Be a Crime (Sería un crimen) y I'm ready (Estoy preparada), lanzado como primer sencillo. Tina Turner se embarcó así en su primera gira en 8 años, a punto de cumplir los 69 años, demostrando de nuevo una gran forma física y desbordando energía en los escenarios.La gira acabó el día 5 de mayo de 2009, sin descartarse nuevas fechas en América y Europa. El día 29 de septiembre de 2009 se editó un CD + DVD titulado TINA LIVE en el que se recogían 15 canciones grabadas en directo de la gira y el concierto completo en el formato DVD.
Tina Turner ostenta un Record Guinness por ser la única solista en llenar por completo el Estadio Maracaná de Río de Janeiro, más de 180.000 personas en una sola noche, cifra similar a la conseguida por Paul McCartney en 1990. Caryn Elaine Johnson (n. Nueva York, Estados Unidos; 13 de noviembre de 1955), más conocida como Whoopi Goldberg, es una actriz, comediante, activista, productora y presentadora de televisión estadounidense. A lo largo de su carrera, Goldberg ha recibido múltiples premios, entre ellos un Óscar, un BAFTA, un Grammy, un Tony, dos Emmys y dos Globos de Oro.
Empieza su carrera actuando en teatro a partir de 1981. La primera interpretación principal que hizo fue en la película El color púrpura de 1985. Su reconocimiento mundial comenzó a desarrollarse después de que ganara un premio Óscar como mejor actriz de reparto, en 1991, gracias a su trabajo en la película Ghost. A partir de allí comienza a trabajar en taquilleras películas como Sister Act (1992), Sister Act 2: de vuelta al convento (1993), El rey león (1994) e Inocencia interrumpida (1999).
Actualmente presenta junto a Barbara Walters el programa matutino de entrevistas The View en la cadena estadounidense ABC.
Goldberg debuta en el cine en el año 1981, interpretando un pequeño papel en la película Citizen: I'm Not Losing My Mind, I'm Giving It Away, por la que no obtiene ningún reconocimiento. Después, actua en la obra teatral The Spook Show, en San Francisco, un espectáculo unipersonal en el que realiza varios monólogos, caracterizándose de manera diferente para cada uno de ellos. Con The Spook Show logra llamar la atención de Mike Nichols, quien le propone llevar esta obra a Broadway bajo el nombre de Whoopi Goldberg. Allí tiene un gran éxito de crítica y público, donde se mantiene en cartel desde el 24 de octubre de 1984 hasta el 10 de marzo de 1985, con un total de 156 representaciones.
Su actuación en el teatro atrae la atención de Steven Spielberg, quien la contrata para protagonizar la película El color púrpura (1985), adaptación cinematográfica de la novela homónima. El drama obtiene gran éxito de crítica y público. En 1986, gracias a esta película, Golberg consigue su primera candidatura a al premio Óscar en la categoría de mejor actriz. Además, gana su primer Globo de Oro, en la categoría de mejor actriz de drama. En ese mismo año, protagoniza la comedia Jumpin' Jack Flash, dirigida por Penny Marshall. Allí trabaja junto a Stephen Collins, Carol Kane, John Wood y Annie Potts. La película está inspirada en la canción del mismo nombre de Los Rolling Stones, tema musical incluído en la banda sonora. El filme recibe gran aceptación de la crítica y en la taquilla logra recaudar 29 millones de dólares.
En el año 1987, participa en el segundo episodio de la serie de variedades The Dolly Show, programa televisivo presentado y producido por la canatante Dolly Parton. En ese mismo año, protagoniza la comedia Burglar, dirigida por Hugh Wilson. Goldberg hizo el papel de Bernice Rhodenbarr, una antigua ladrona de bancos que vuelve a delinquir luego de que un corrupto oficial de policía se lo pide. La película es una adaptación de la novela The Burglar in The Closet de Lawrence Block, publicada en 1978. Después, participa en la película de acción Fatal Beauty (1987), donde interpreta a la detective Rita Rizzoli, y en el drama Clara's Heart (1988), película basada en la novela del mismo nombre de Joseph Olshan. Desde 1988 hasta 1993, aparece de manera frecuente en la serie televisiva Star Trek: The Next Generation encarnanado el papel de Guinan.
En 1990, Goldberg actúa en la película Ghost, donde comparte escena con Demi Moore y Patrick Swayze. Allí interpreta el papel de Oda Mae Brown, una falsa medium que se las arregla para entrar en contacto con un fantasma. La película consigue tener un gran éxito de crítica y público. Por su interpretación, la actriz gana su primer y único premio Óscar y segundo Globo de Oro, ambos en la categoría de mejor actriz de reparto. Además, la revista estadounidense Premiere nombra a su personaje como uno de los mejores de todos los tiempos. Entre 1990 y 1991, protagoniza junto al actor Jean Stapleton la comedia de situación Bagdad Café, serie emitida en la cadena CBS.
En el año 1992, Goldberg interpreta el rol de Deloris Van Cartier en la comedia Sister Act. En el papel, representa a una cantante de cabaret que se esconde en un convento para escapar de la mafia y que crea allí un coro. La película recibe muy buenos elogios por parte de los críticos y en la taquilla recauda más de 0 millones de dólares. Al año siguiente, es nominada al Globo de Oro como mejor actriz de comedia o musical. Gracias al éxito de esta comedia, se realiza una secuela titulada Sister Act 2: de vuelta al convento.
Personjes principales de la película El rey león (1994) en Disneyland Park, película en la cual Goldberg hizo la voz de la hiena Shenzy.En 1993, la actriz regresa a la televisión para presentar su propio programa nocturno de entrevistas, el Woophi Goldberg Show, el cual sólo estuvo al aire durante una temporada debido a sus bajos índices de audiencia. En 1994, se convierte en la primera mujer de origen afro-americano en ser maestra de ceremonia de los premios Óscar. Ese mismo año, hizo la voz de Shenzy, una hiena, para la exitosa película de Disney El rey león.
Posteriormente, protagoniza la película fantástica Bogus (1996), donde trabaja junto a Gerard Depardieu y Haley Joel Osment. La película recibe críticas malas y comercialmente no le va bien. También en 1996, aparece en la comedia The Associate, donde comparte escena con Dianne Wiest y Eli Wallach. La película recibe malas reseñas, aunque los críticos elogiaron la interpretación de Goldberg. Peter Stack, de San Francisco Chronicle, comentó: "El papel de Goldberg es divertido y logrado, aunque posse algunas fallas. Aunque es un rol periférico, logra que la película tenga sus momentos cómicos". En 1998, puso su voz a personajes secundarios de las películas Rudolph the Red-Nosed Reindeer: The Movie Stormella y The Rugrats Movie.
A finales de la década de 1990, Goldberg acepta encarnar el papel de la enfermera Valerie Owens en Inocencia interrumpida (1999), película basada en un suceso de la vida real, que relata la vida de Susanna Kaysen, interpretada por Winona Ryder. Ese año participa en la película de televisión Alicia en el país de las maravillas, adapatación de la obra literaria del mismo nombre. El reparto incluye a los actores Ben Kingsley, Christopher Lloyd, Peter Ustinov, Robbie Coltrane y Miranda Richardson. También realiza una breve aparición a modo de cameo en el telefilme Jackie's Back!, junto a otras actrices como Liza Minelli, Rosie O'Donnell, Dolly Parton, Bette Midler y Kathy Griffin.Goldberg se casa por primera vez con Alvin Martin, en el año 1973. Su primera y única hija, Alexandrea Martin, nace el mismo año en el que ellos contraen matrimonio. Alexandrea es madre de dos mujeres: Amarah Skye y Jerzey. La pareja se divorcia seis años después, en 1979.
En 1986, la actriz se casa nuevamente, con el cineasta David Claessen, de quien se separa dos años más tarde. En 1994, contrae matrimonio con el actor Lyle Trachtenberg, de quien se divorcia al año siguiente. También, Goldberg mantuvo noviazgos con los actores Frank Langella y Ted Danson. Yuli Borisovich Bryner (Ruso: Юлий Бори́сович Бри́ннер), conocido como Yul Brynner, (n. 11 de julio de 1920 - m. 10 de octubre de 1985) fue un actor de cine nacido en Rusia y posteriormente nacionalizado estadounidense.
Fue hijo del matrimonio formado por el ingeniero e inventor ruso llamado Boris Bryner (de ascendencia en parte suiza y mongola) y Marousia Blagovidova, que él describía como una "gitana pura" de Besarabia (hoy zona repartida entre Rumanía y Rusia), y que murió a consecuencia del parto. Su nombre lo heredó de su abuelo, Jules Bryner.
Fue educado en París, en el exclusivo Lycée Moncelle, y luego fue aprendiz de actor en el Théâtre des Mathurins, con la supervisión de Jean Cocteau.
Comenzó su carrera en el mundo del espectáculo en los círculos romanís de París, en un circo de esta ciudad como acróbata hasta que a los 17 años tuvo una mala caída que le produjo una permanente lesión en la espalda. Fue entonces cuando empezó a trabajar en un club nocturno con una banda de gitanos tocando la guitarra y como cantante. Fue fotografiado desnudo como modelo por George Platt Lynes.
En 1941 viajó a los Estados Unidos con una compañía teatral. Su primer paso a la fama fue con su representación teatral de The King and I ("El rey y yo"), la cual representó 4.626 veces durante su vida artística. Con esta obra ganó un Óscar a la mejor interpretación, luego de que fuera llevada a la pantalla grande, coprotagonizada por Deborah Kerr, en 1956.
La apariencia un tanto exótica fue lograda con su carismática cabeza rapada, pues no era calvo; eso se puede comprobar en la película Salomón y la Reina de Saba, dirigida por King Vidor y coprotagonizada por Gina Lollobrigida. Todo esto hizo de Yul Brynner un actor cotizado para papeles de egipcio, ruso, mongol y orientales en general.
Ese mismo año apareció en dos otras importantes producciones: Anastasia, junto a Ingrid Bergman (papel que le valió el Óscar a esta actriz sueca) y The Ten Commandments (Los diez mandamientos), donde interpretó a Ramsés II; posteriormente apareció en filmes considerados clásicos como The Magnificent Seven y Westland.Estuvo casado cuatro veces:
Con la actriz Virginia Gilmore entre 1944-1960; tuvieron dos niños llamados Yul Brynner II (1946) y Lark Brynner (1958). Entre 1960-1967 estuvo casado con la modelo chilena Doris Kleiner; tuvieron una niña, llamada Victoria Brynner. Entre 1971-1981 se casó con una activista francesa llamada Jacqueline de Croisset; no tuvieron hijos propios. En 1983 se casó con la bailarina china Khaty Lee, su última esposa. Tuvo un romance además con la actriz Marlene Dietrich, en los años 50.
Gloria Gaynor nace el 7 de septiembre de 1949 en Newark, New Jersey. Empieza su carrera con la banda Soul Satisfiers durante los 60. Su primer single se edita en 1965 bajo el título She'll be sorry / Let me go baby.
Al alero del productor Meco Monardo, se convierte en una de las máximas divas de la era disco, gracias a arreglos tomados del sonido Philadelphia Soul de artistas como The O'Jays y M.F.S.B.. Y llega su mayor éxito: I will survive (en español Sobreviviré). Por primera vez, la letra de una canción se escribe desde el punto de vista de una mujer, arremetiendo a su ex amante con que ella ya es libre y puede seguir adelante sin él. La canción se convirtió en un himno de la liberación femenina y hoy en día sigue sonando con fuerza en discotecas y karaokes.
Su otro gran éxito fue una versión de The Jackson 5: Never Can Say Goodbye (Nunca puedes decir adiós). Sería versionado con enorme éxito nuevamente por Jimmy Sommerville, líder del grupo The Communards.
Su tercer gran éxito, I am what I am (Soy como soy) se convertiría en himno gay, al aludir a la defensa de la propia personalidad, más allá de presiones externas.
Gloria Gaynor encabeza éxito tras éxito y se convierte en la reina de las pistas de baile durante 20 años. Su música traspasa fronteras y Europa se rinde a ella. Grabó versiones de éxitos del cine, como The Eye of the Tiger (de Rocky III) y The Heat is On de Superdetective en Hollywood, originalmente grabada por Glenn Frey, de los Eagles. También hizo un cameo en la serie Aquellos maravillosos 70 interpretando su famoso I Will Survive.
Hoy en día la popularidad de la Gaynor parece haber disminuido, aunque sus canciones continúan siendo reconocidas por el público y una de ellas forma parte de las 100 más imprescindibles según la revista Rolling Stone.
En 2008, a los 59 años, Gloria grabó una canción a dúo con Miguel Bosé para el álbum de duetos Papito y ofreció varias actuaciones en España. La canción elegida fue un éxito de Bosé. Bear Grylls (nacido en Irlanda del Norte, el 7 de junio de 1974), cuyo nombre real es Edward Michael Grylls, es un aventurero, escritor y conductor de televisión británico. Actualmente conocido por su popular serie de televisión Man vs. Wild (El ultimo superviviente o A prueba de todo en español).
Grylls creció en Bembridge, en la Isla de Wight. Es hijo de Sir Michael Grylls y Sally Grylls. Sus abuelos maternos fueron Patricia Ford (política), y Neville Ford, que era jugador de primera clase de críquet. Tiene una hermana mayor, Lara Fawcett. Aprendió a escalar, navegar y pescar a temprana edad gracias a su padre. Además consiguió un cinturón negro en karate de adolescente, convirtiéndose en un segundo dan en karate Shotokan (Además, ahora practica Yoga). Habla inglés, español y francés. Grylls es cristiano, describiendo su fe como la «columna vertebral» de su vida.
Grylls se educó en Eaton House, Ludgrove School e Eton College. Tras dejar la escuela, Grylls consideró unirse al Ejército indio y pasó unos pocos meses recorriendo las montañas del Himalaya de Sikkim y Bengala Occidental, Assam. Desde 1994 a 1997, después de pasar la selección de las Fuerzas Especiales del Reino Unido, sirvió en la reserva a tiempo parcial de las Fuerzas Especiales del Reino Unido, con el SAS 21 Regiment, 21 SAS(R), como un soldado de caballería, instructor en técnicas de supervivencia y médico de patrulla. Afirma que sirvió en el Norte de África dos veces. En 1996 sufrió un accidente de paracaidismo en caída libre en Kenia. Su paracaídas se rasgó a 500 m, abriéndose en parte, lo que hizo que cayera y momentáneamente murió por tres segundos.Grylls pasó los siguientes 18 meses entrando y saliendo de rehabilitación militar intentando ponerse lo suficientemente bien como para su siguiente objetivo, que era ascender el Everest. El antiguo soldado del SAS Chris Ryan afirma que él no cree que Grylls se rompiera la espalda en una operación del SAS en África y que Grylls ha exagerado historias sobre su expediente militar.
En 2000, Grylls dirigió el primer equipo que circunnavegó el Reino Unido en motociclismo acuático, lo que le llevó alrededor de 30 días, para recaudar dinero para la Royal National Lifeboat Institution (RNLI). Ese mismo año se casó con Shara Grylls (de soltera Cannings Knight). Tienen tres hijos: Jesse, Marmaduke y Huckleberry (nacido el 15-1-2009 mediante parto natural en su casa flotante).
En 2003, Grylls se convirtio en el escalador mas joven en coronar el Everest, ya que al hacer cima con 23 años fue el que mas pronto realizo el peligroso ascenso.
Estudió en Birkbeck, Universidad de Londres, donde se graduó, habiéndolo obtenido a tiempo parcial, en estudios hispánicos en 2002. En 2004, Grylls fue premiado con el rango honorario de Lieutenant Commander (comandante teniente) en la Real Reserva Naval.
Sus reportajes de la serie El último superviviente en que se representan técnicas de supervivencia comenzaron mediante la emisión de un programa piloto el 27 de octubre de 2006. La segunda serie se estrenó en los EE. UU. el 15 de junio de 2007; la tercera en noviembre de 2007 y la cuarta en mayo de 2008.
En diciembre de 2008, Grylls se fracturó un hombro mientras esquiaba a través de un tramo de hielo de un cerro durante una expedición independiente en la Antártida. Esquiando a velocidades mayores a 50km/h, un esquí salió volando y al caer, se fracturó el hombro. Bear Grylls es el Jefe Scout Nacional de UK, por peticion de los mismos scouts británicos y es cantautor. Pilar Rubio Fernández (Torrejón de Ardoz, Madrid, 17 de marzo de 1979) es una reportera y presentadora española, además de esporádica actriz y modelo. Pilar es más conocida por su labor de reportera para el programa humorístico Sé lo que hicisteis... en la cadena de televisión La Sexta. Además ha sido votada por la revista FHM como la mujer más sexy del mundo en 2008 y 2009. En la actualidad trabaja para Telecinco y presenta el programa Mira quién baila.
Empezó a estudiar Ciencias Económicas, aunque no terminó la carrera. Ha realizado varios reportajes fotográficos como modelo en varias revistas masculinas, y se ha centrado en su carrera televisiva, realizando pequeñas incursiones cinematográficas como en Isi Disi, Alto voltaje y Carlitos y el campo de los sueños, y protagonizando dos cortometrajes: Merry Christmas de Fran Casanova y Cuestión de química de Juan Moya, actuando junto con Cristina Peña y Arturo Valls entre otros. En televisión se le ha visto en anuncios televisivos de Amstel, Canal+, Hyundai y en programas como Lo que necesitas es amor, El precio justo, La azotea de Wyoming y en Six pack, emitido por la cadena Cuatro.
Se hizo más popular con su llegada al programa de humor Sé lo que hicisteis... de La Sexta, en el que colaboraba realizando diversos reportajes. En el verano de 2007 además pasó a presentar su propio programa sobre vídeos de humor, llamado La ventana indiscreta.
Le fue concedido el premio a la mejor reportera de televisión, el Premio Joven 2007. Pilar Rubio es una amante del rock, y está barajando algunos papeles como protagonista en el cine. En 2008 y en 2009 fue elegida la mujer más sexy del mundo según FHM España, revista para la que posó en tres ocasiones, también posaría otras dos veces para la revista Sie7e o Sie7e.
Desde el 14 de julio hasta el 29 de agosto de 2008, Pilar Rubio presentó el programa Sé lo que hicisteis... de La Sexta, sustituyendo a Patricia Conde durante unos programas, ya que Patricia se encontraba de vacaciones.
Además de trabajar en Sé lo que hicisteis..., desde febrero de 2009 es la presentadora de Adivina quién es quién, un concurso emitido en la cadena autonómica andaluza Canal Sur 2.
Desde el 20 de julio hasta el 1 de septiembre de 2009, sustituyó de nuevo a Patricia Conde como presentadora de Sé lo que hicisteis..., junto con Alberto Casado primero y posteriormente con Ángel Martín.
El 12 de noviembre de 2009, Telecinco anunció su fichaje, con fecha de incorporación del 1 de enero de 2010, ofreciéndole nuevos proyectos como cine, series o actualidad.
El 6 de enero de 2010 Pilar se despidió de sus compañeros de Sé lo que hicisteis... para afrontar una nueva era en Telecinco, haciendo una nueva etapa de ¡Mira Quien Baila! Charlize Theron (Benoni - 7 de agosto de 1975), es una actriz sudafricana, ganadora del Óscar a la mejor actriz en 2003 por Monster.
Nacida el 7 de agosto de 1975, Gauteng, República de Sudáfrica, reside en Los Ángeles, California. Su lengua materna es el afrikáans y su segunda lengua el inglés. A los 16 años presenció el asesinato de su padre a manos de su madre, provocado por los continuos ataques y amenazas de muerte que éste le hacia a ella. Este hecho la marcó durante toda su vida.
Comenzó su carrera profesional como bailarina de ballet clásico, teniendo que dejar esta actividad tras una lesión de rodilla. Antes de llegar al cine trabajó también como modelo, actividad que desarrolla en la actualidad paralelamente a su carrera cinematográfica.
Una de sus primeras apariciones en la pantalla grande fue en la película "The Wonders" (1996), debut como director del actor Tom Hanks. Al año siguiente consiguió su primer papel importante en la película "El abogado del diablo", compartiendo cartel con Keanu Reeves y Al Pacino, y desde entonces su carrera no ha dejado de crecer. Se la vio en "Celebrity" (1998) de Woody Allen, "Las normas de la casa de la sidra" (1999), "Noviembre Dulce" (2001), en la que volvió a compartir cartel junto a Keanu Reeves, "La maldición del escorpión de jade (2001), nuevamente bajo las órdenes de Woody Allen, y en la película de acción "The Italian Job" (2003).
En el año 2003, Charlize protagonizó el drama "Monster", dirigida por Patty Jenkins y basada en la vida de Aileen Wuornos, una prostituta de Daytona Beach que se convirtió en asesina en serie. Charlize Theron encarnó a Aileen, y Christina Ricci asumió el rol de Selby, una mujer con la cual Wuornos mantuvo una relación entre los años 1989 y 1990, período en el que se centra la película. Por este trabajo, Charlize consiguió el reconocimiento de la crítica y del público a nivel mundial, además de recibir, entre otros, el Premio a la Mejor Actriz del Sindicato de Actores, un Globo de Oro como mejor actriz en un papel protagonista en película dramática, y un Óscar como mejor actriz en un papel protagonista.
En 2004, Charlize Theron participó en la película para TV de la cadena HBO "(The Life and Death of Peter Sellers)", que le valió otra nominación a los Globos de Oro.
Para 2005, la actriz aceptó un nuevo desafío, asumiendo el rol protagonista en Æon Flux, una película de ciencia-ficción ambientada en el futuro, basada en los cortos animados de la cadena de televisión MTV. Por otra parte, el mismo año, protagonizó "En tierra de hombres", junto a Frances McDormand. Por este trabajo, la actriz fue nominada nuevamente a los Globos de Oro y a los Óscars como Mejor Actriz, sin embargo fue derrotada ante Reese Witherspoon en ambas categorias por la pelicula 'Walk the line'
En 2009 Theron es una de las maestras de ceremonia del sorteo de la Copa Mundial de Fútbol de 2010. Carlo Pedersoli (Nápoles, Italia, 31 de octubre de 1929), es antiguo campeón mundial italiano de natación, más conocido como el actor Bud Spencer, y por sus colaboraciones con Terence Hill.
Carlo Pedersoli nació el 31 de octubre de 1929 en Nápoles, Italia. Se licenció en Derecho en 1955 y habla seis idiomas. En 1960 se casó con Maria Amato, con la que tiene tres hijos: Giuseppe (1961), Christine (1962) y Diamante (1972).
En 1948, Carlo Pedersoli se proclamó campeón mundial de natación. Representó a Italia en los Juegos Olímpicos de Helsinki 1952, en los Juegos Olímpicos de Melbourne 1956 y en los Juegos Olímpicos de Roma 1960.
Carlo Pedersoli fue el primer nadador italiano en rebajar el muro del minuto en los 100 metros libres (19 de septiembre de 1950 en Salsomaggiore –con una marca de 59”5). Fue finalista olímpico en Melbourne 1956 e integrante del “Settebello” de los años 50 en waterpolo.
Su primera aparición en el cine fue en 1950, iniciándose en Quo Vadis?, haciendo de guardia del Imperio Romano. Cambió su nombre por el de Bud Spencer en 1967 porque le gustaba Spencer Tracy y la cerveza Budweiser, con ese nombre protagonizó su primer film con el también actor italiano Terence Hill, en la película Dios perdona... yo no (1967), de la que ambos protagonizaron dos secuelas. La pareja protagonista de Spaghetti Westerns, alcanzaron su primer gran éxito con Le llamaban Trinidad, película del año 1971 que aunque ambientada en el salvaje oeste, ya ejemplificaba los derroteros artísticos por los que luego discurriría su carrera. Cine de humor con catárticos finales a base de mamporrazos, y con una dualidad en los personajes basada en la fuerza expeditiva y acción directa de Bud frente al audaz y manipulador Terence.
Carlo Pedersoli también es autor de las canciones de alguna de las películas donde participa como actor.
Su pasión por la aeronáutica le llevó a obtener la licencia de piloto privado tanto de avioneta como de helicóptero. En 1981 fundó la línea aérea de carga Mistral Air, que pertenece ahora al Correo italiano.
En 2009 hace un spot para Bancaja, el anuncio de televisión se acompaña con la canción Born to be alive. El estilo del mismo recuerda los films grabados en la década de los setenta junto con Terence Hill, como fue el caso de Dos super-policías. Sylvester Gardenzio Stallone (Nueva York, 6 de julio de 1946), conocido como Sylvester Stallone o "Sly" Stallone, es un actor, escritor, productor y director de cine estadounidense, ampliamente reconocido como una de las estrellas más importantes del cine de acción. Se encuentra entre las personalidades más populares de Hollywood desde la década de 1970.
Stallone nació en Hell's Kitchen, Nueva York. Hijo de Jacqueline, astróloga, maestra de danza, y representante de mujeres luchadoras, y Frank Stallone, un estilista. El padre de Stallone era natural de Gioia del Colle (provincia de Bari, Italia), y su madre de Europa del Este, de ascendencia judía (su abuela, Rosa Rabinovich, era de Odesa, Ucrania). Tiene un hermano llamado Frank Stallone, músico y actor ocasional, varias de sus canciones han formado parte de la banda sonora de las cintas de Sylvester.
En los años 60, Stallone estudió en el American College of Switzerland, Leysin, y, finalmente, en la Universidad de Miami, durante tres años.Pero a pesar de que tuvo problemas en el colegio y fue expulsado de varios centros, en Filadelfia destacó como practicante de fútbol.
A principios de los años 1970, para pagarse las clases de arte dramático, tuvo que trabajar como actor en una película pornográfica llamada The Party at Kitty and Stud's, recientemente Stallone declaró a la revista Playboy que la necesidad económica lo orilló a tomar esa decisión, ya que para ese entonces contaba solo con dólares en su cuenta bancaria. Tuvo una aparición en Bananas, de Woody Allen, haciendo de delincuente en las escenas del Metro, y también apareció en un episodio de la serie "Kojak" protagonizada por Telly Savalas, en la cual interpretaba al detective Rick Daley.
Finalmente, empezó con su carrera de una manera seria escribiendo guiones. Después de validar varios trabajos de actor para completar sus notas, consiguió su título de Bachiller de Bellas Artes (BFA) en 1999.
Stallone no obtuvo fama sino hasta su papel protagónico en el éxito mundial Rocky de 1976. El 24 de marzo de 1975, vio el combate entre Muhammad Ali y Chuck Wepner, pelea que inspiró la idea fundamental de Rocky. La noche de la pelea, Stallone inspirado fue directamente a su casa y en tres días ya había escrito el libreto. Después de eso intentó vender el libreto con la intención de interpretar el papel principal, los productores gustaron del libreto, pero tenían en mente a una estrella ya consagrada como Ryan O'Neal, Burt Reynolds o Robert Redford para el protagónico, después de ver la audición de Stallone quedaron convencidos de que él era el indicado. Después del rotundo éxito mundial de la cinta, Stallone se vio lanzado a la fama y considerado un actor serio que prometía llegar a ser de la talla de actores como Al Pacino y Jack Nicholson. Rocky ganó el Óscar a la mejor película y Stallone conseguiría ser nominado también al Óscar al Mejor Actor y Óscar al Mejor Guión. Desde entonces no ha vuelto a ser nominado. La secuela Rocky II, escrita y dirigida por Stallone, fue estrenada en 1979 y se convirtió en un éxito rotundo recaudando 0 millones de dólares en taquilla y dio pauta a exitosas y millonarias continuaciones de la saga del boxeador de origen italiano Rocky Balboa durante la década de los 1980s, convirtiendo al personaje en uno de los íconos del cine Hollywood.
A lo largo de su carrera, Stallone ha explotado el arquetipo varonil de tipo duro y rechazando filmes serios y de contenido dramático protagonizando numerosas películas de acción con algunas incursiones sin éxito en la comedia. Después de sus intentos en el género dramático a finales de la década de 1970 en cintas como F.I.S.T. y Paradise Alley, que a pesar de recibir críticas positivas fracasaron en taquilla, ha sido denostado por la crítica en muchas otras cintas debido a su notable musculatura y la falta de expresiones emocionales en sus actuaciones, pese a ello es un claro exponente del cine de entretenimiento de las últimas tres décadas.
Entre sus trabajos cinematográficos destaca su actuación en First Blood, donde interpretó a un atormentado veterano de guerra llamado "John Rambo"; éste se ve agredido por un abusivo jefe de policía pueblerino forzándolo a desatar una ola de venganza. La crítica aclamó su actuación afirmando que le había dado un aspecto más humano que el que tenía originalmente el personaje en la novela. Durante la década de los 80 le siguieron Rambo II y Rambo III, que fueron enormes éxitos en la taquilla a nivel mundial.
Aparte de las sagas de Rocky y Rambo, entre sus películas más taquilleras se encuentran Cobra de 1986; Halcón de 1987; Condena Brutal de 1989; Cliffhanger de 1993,; El Especialista de 1994, co-protagonizada por Sharon Stone y James Woods; Asesinos de 1995, junto a Antonio Banderas y Julianne Moore; y dos comedias de corte policíaco: Tango y Cash de 1989, con Kurt Russell y El Demoledor de 1993, co-protagonizada por Wesley Snipes y Sandra Bullock.
En 1997, intentando cambiar el estereotipo de "estrella de acción", obtuvó el protagónico en Tierra de Policías, junto a un gran elenco entre los que se encuentran los veteranos Robert De Niro, Ray Liotta y Harvey Keitel; aumentó aproximadamente veinte kilogramos para interpretar a un policía mediocre y pasado de peso en el Estado de Nueva Jersey. La cinta, aunque de considerable calidad, no es un clásico del género de mafiosos, pero su actuación fue aclamada por la crítica y considerada como la mejor interpretación que ha dado desde Rocky en 1976. Recibió el premio a Mejor Actor en el Festival Internacional de Cine de Estocolmo.
Tras una serie de rotundos fracasos en la taquilla como D-Tox, Alta Velocidad y Avenging Angelo, Stallone intentó revivir éxitos del pasado estrenando las películas Rocky Balboa y Rambo. A pesar del abuso ejercido en ambas franquicias y en contra de las predicciones hechas por los críticos de cine, las dos cintas tuvieron buena recepción por parte de la audiencia y la crítica.
Su actual proyecto es una cinta de acción llamada The Expendables, la cual dirige, produce y protagoniza. El filme narrará la historia de un grupo de mercenarios que acuden a una misión especial para derrocar a un violento dictador en un país de Sudamérica. Los actores que co-protagonizan la cinta son: Jason Statham, Jet Li, Dolph Lundgren, Mickey Rourke, Arnold Schwarzenegger y Bruce Willis ( Schwarzenegger y Willis en un cameo), Eric Roberts, Stone Cold y Randy Couture. Los actores Jean-Claude Van Damme, Kurt Russell, Danny Trejo y Steven Seagal rechazaron participar en el filme. El rodaje se lleva a cabo a desde abril del 2009 en Brasil y varias ciudades de los Estados Unidos. El estreno se tiene programado para abril del 2010. Stallone afirmó haber sufrido una fractura en el cuello durante el rodaje de The Expendables.
Recientemente le fue otorgado el premio honorífico "Jaeger-LeCoultre, Gloria al Cineasta" en el Festival Internacional de Cine de Venecia. Stallone anunció el rodaje de la cinta Rambo V para el año próximo; su interés por llevar al cine la biografía del escritor Edgar Allan Poe y de realizar un remake del clásico de 1974: El Vengador Anónimo, que estelarizó Charles Bronson.
Stallone se ha casado tres veces y tiene cinco hijos; su primera esposa fue Sasha Czack, de 1974 a 1985, con la que tuvo dos hijos. Después de su divorcio con su primera esposa, se casó con la actriz y modelo Brigitte Nielsen. Este segundo matrimonio fue muy corto y turbio debido a la reputación de Nielsen (los tabloides afirmaban que Nielsen sostenía relaciones sexuales con el director de cine Tony Scott, aparte existía el fuerte rumor de que Stallone había sorprendido a Nielsen en situaciones muy comprometedoras de índole sexual con otra mujer). La pareja era presa de los paparazzis y tabloides, y optaron por divorciarse en 1987. No fue sino hasta 1997 que volvió a contraer matrimonio con la modelo Jennifer Flavin, con la cual ha procreado tres hijas. Aparte de sus matrimonios, se le ha ligado sentimentalmente con Susan Anton, Angie Everhart, Naomi Campbell, y Janice Dickinson; Dickinson afirmaba que su hija era de Stallone, aunque por medio de pruebas de paternidad se probó lo contrario.
Stallone declaró en 1997, que durante una fiesta privada en su mansión de Miami, el actor Steven Seagal, retó a una pelea a su homólogo y experto en artes marciales Jean-Claude Van Damme. Seagal afirmó en varias ocasiones, que fácilmente le "patearía " a Van Damme. Éste al escucharlo, aceptó la pelea retándolo a demostrarlo en el jardín de la mansión, pero entonces Seagal se excusó y abandonó la fiesta. Según Stallone, Van Damme, enfurecido le siguió por varios clubes nocturnos manteniendo el desafío. Stallone declaró: "Van Damme era demasiado fuerte. Seagal no tenía nada que hacer con él".
A principios de 2007, declaró que se había convertido al cristianismo,debido al impacto que le produjeron los problemas sociales que presenció en Birmania durante la grabación de la cinta John Rambo. Brigitte Nielsen, de nombre real Gitte Nielsen (Rødovre, 15 de julio de 1963) es una modelo y actriz danesa. Alcanzó la fama en los años 80 por su casamiento y divorcio con Sylvester Stallone, gracias a lo cual participó en películas estadounidenses e italianas, en series de televisión, y en el mundo de la música, ya de manera más irregular. Es recordada también por su exuberante físico, y por sus peripecias sentimentales.
Dejó los estudios con 16 años, se trasladó a París en 1979 y después a Italia. Ya entonces estaba casada, con un músico danés. Tuvieron un hijo, pero se divorciaron.
Dotada de una imagen impactante por su gran estatura (1,85 metros), Nielsen trabajó como modelo para Giorgio Armani, Versace y Gianfranco Ferré.
El productor Dino de Laurentiis la eligió como pareja de Arnold Schwarzenegger para la película Red Sonja. Sylvester Stallone se fijó en ella en 1985; se divorció de su primera esposa, y la nueva pareja se casó poco después.
Brigitte Nielsen saltó a la fama de la mano de Stallone y gracias a sus papeles en varias películas de él, como Rocky IV y Cobra. Pero las desavenencias entre ellos no tardaron en surgir; la prensa amarilla habló de infidelidades de ella con Eddie Murphy durante el rodaje de Beverly Hills Cop II (Superdetective en Hollywood II) e incluso de episodios lésbicos. Se llegó a decir que Stallone la sorprendió en actitudes cariñosas con una mujer. El matrimonio se rompió en 1987.
Brigitte se trasladó a Italia, donde presentó un programa de televisión, Festival. Su primera incursión musical fue con el Lp Everybody Tells a Story, que promocionó también en España. En este país alcanzó especial notoriedad cuando se le atribuyó un romance con Bertín Osborne.
En enero de 1988 conoció al jugador de fútbol Mark Gastineau; con él tuvo su segundo hijo, pero no llegaron a casarse y rompieron un año después. En 1989 Brigitte hizo un breve cameo junto con numerosas estrellas en el video musical de la canción Liberian Girl de Michael Jackson.
Ya en 1990, Nielsen se casó por tercera vez, en esta ocasión con el fotógrafo Sebastian Copeland, primo del actor Orlando Bloom. Tampoco este matrimonio duró mucho, y en 1993 se casó con otro hombre de nacionalidad suiza, con quien tendría dos hijos más; a uno le llamó Raoul Ayrton en recuerdo de su amigo el piloto Ayrton Senna.
En la década de los años 90 siguió participando en películas, alguna de ellas de corte erótico, y grabó un dueto con RuPaul (You Are No Lady) para reaparecer en el mundo del disco como diva para gays, con el nombre artístico Gitta. Otra de sus canciones fue No More Turning Back. Ya entonces había modificado notoriamente su silueta, al agrandar su busto con implantes de silicona.
Se separó de su cuarto marido, y en 1997 saltó a la prensa al rumorearse que un jeque árabe había pagado un millón de dólares por pasar una noche con ella.
Posteriormente ha participado en reality shows, en Italia y Estados Unidos: The surreal life (donde comenzó su amorío con Flavor Flav, del grupo Public Enemy), Celebrity Rehab with Dr. Drew... José Ignacio Gabilondo Pujol (nacido en San Sebastián el 19 de octubre de 1942), conocido como Iñaki Gabilondo, es un periodista español. Es tío de la actriz Estíbaliz Gabilondo, padre de Igor Gabilondo y hermano de Ángel Gabilondo Pujol, antiguo rector de la Universidad Autónoma de Madrid y actual ministro de Educación.
Estudió con los Hermanos del Sagrado Corazón de San Sebastián. Licenciado en Periodismo por la Universidad de Navarra, Iñaki Gabilondo inició su carrera en el mundo de la radio con 21 años; en 1963 en Radio Popular (COPE) en San Sebastián, de la que fue director con 27 años, y en 1969 pasó a dirigir Radio San Sebastián de la SER. Dos años más tarde, era nombrado director de la Cadena SER en Sevilla, lo que le llevó al puesto de director de informativos.
Siete años después, en 1978 se incorporó a los servicios informativos de la Cadena SER en Madrid para dirigir Hora 25 y en 1980 fue nombrado director de los Servicios Informativos de la Cadena SER.
Poco después fue nombrado director de informativos de TVE, coincidiendo su recién estrenado cargo con el golpe de Estado conocido como el 23-F, en la investidura de Calvo Sotelo, una situación excepcional que forzó su primera aparición ante las cámaras de televisión y le obligó a asumir la responsabilidad de presentar durante un mes el Telediario de la noche, en unas difíciles circunstancias. Las tensiones políticas y la debilidad del Gobierno de Calvo Sotelo obligaron a su salida de TVE y la del director general. Tras su paso por la televisión pública fue director general de Radio Televisión 16.
Abandonó en 1983 su cargo en Radio 16 para retornar a la SER, donde sucesivamente sería director y presentador de los programas radiofónicos Aquí la SER, Matinal SER, Pido la Palabra y Onda Media.
El 22 de septiembre de 1986, se hizo con el que el considera el programa de su vida: Hoy por hoy, que ha llegado a ser el programa de más audiencia de toda la historia de la radio española. Pero la radio no ha impedido que, mientras, hiciera algunas apariciones en TV: En familia (TVE, 1987 a 1989), Iñaki, los jueves (1990) en las cadenas autonómicas, Gente de primera (1993) en TVE o Entrevista con; y, en 1996, hizo las entrevistas en Telecinco del informativo de Luis Mariñas.
Bajo su dirección, Hoy por hoy se convirtió en una referencia de la radio española, batiendo todos los récords de audiencia. Durante los primeros años, el programa de Iñaki Gabilondo en la Cadena SER mantuvo un intenso duelo por el liderazgo de la radio con el espacio Protagonistas de Luis del Olmo, así como, posteriormente, con "La Mañana", de Antonio Herrero, Luis Herrero y Federico Jiménez Losantos. Sin embargo, desde la tercera oleada del EGM en 1995, Hoy por hoy es el programa más escuchado de la radio en España. Así lo ha constatado el Estudio General de Medios durante 30 oleadas de audiencia consecutivas.
Además de todo lo anterior, cada vez que se celebraban elecciones en España, se hacía cargo de un especial sobre el acontecimiento. Es presentador cada año de la gala de los Premios Ondas, junto a Gemma Nierga.
Gabilondo ha entrevistado a todos los presidentes del gobierno (exceptuando a José María Aznar); líderes políticos de todos los partidos; personalidades internacionales, escritores, investigadores, actores, directores de cine, cantantes y todos los protagonistas de la actualidad.
El 30 de agosto de 2005 la Cadena SER anunció que Iñaki Gabilondo dejó la dirección de Hoy por hoy para ser el presentador del informativo Noticias Cuatro del nuevo canal generalista español, Cuatro. El primer día tuvo un 15,1% de audiencia,y posteriormente bajó situándose en una media del 5,7%.En 2006, compartió además la presentación del programa Cuatro x Cuatro con Àngels Barceló, Carles Francino y Jon Sistiaga, manteniendo el cuarto lugar en la clasificación de audiencias de entre los informativos en prime time de las cadenas de televisión generalistas españolas. Tras la compra de Cuatro por parte de Gestevisión Telecinco, el periodista abandonó la presentación y dirección de Noticias Cuatro el 21 de enero de 2010. Tras dejar Cuatro, Iñaki Gabilondo presentará a partir del 8 de febrero de 2010 el magacín informativo nocturno "Hoy" en el canal de información continua CNN+. María Dolores León Rodríguez, más conocida como Loles León (Barcelona, 1 de agosto de 1950) es una célebre actriz española de cine y televisión. Es conocida por ser una de las chicas Almodóvar y por sus papeles en televisión, como el de Paloma Hurtado en la serie de televisión Aquí no hay quien viva.
Loles León se trasladó de Cataluña a Madrid para emprender una carrera como intérprete. En plena movida madrileña conoce a Pedro Almodóvar, quien le ofrece sendos papeles en Mujeres al borde de un ataque de nervios (1987) y ¡Átame! (1989).
Posteriormente, Loles León trabaja con Vicente Aranda en papeles de reparto en los filmes El amante bilingüe (1993) y Libertarias (1996).
En 1997 actúa como protagonista en la película Amor de hombre y en 1998 rueda La niña de tus ojos, en la que encarnó a una empleada de hogar que, al final de una experiencia traumática en la Alemania nazi, decide ser revolucionaria. Al año siguiente fue candidata al Premio Goya a la mejor interpretación femenina de reparto.
En 2003 empezó a trabajar en Aquí no hay quien viva y en 2004 protagonizó el primer cortometraje de Julián Quintanilla, Implicación, lo que le valió el Premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cine de Gerona.
En 2007 presentó la Gala Drag Queen del carnaval de Las Palmas de Gran Canaria y trabajó en la serie Fuera de control, coprotagonizada por Amparo Larrañaga.
También ha participado en la segunda parte de la serie de televisión Manos a la obra, en la que actúa en el papel de Milagros, gobernanta del hotel.
Ha participado en el programa "Pánico en el plato" de Antena 3, presentado por Juan y Medio Loles Leon pide aumento de sueldo en la serie española "Aquí no hay quien viva". Como respuesta, los guionistas deciden tirar a Paloma Cuesta (su personaje) por la ventana y dejarlo en coma, dándolo la muerte en el último capítulo de la serie Ha hecho también apariciones en el programa concurso "Tú sí que vales de Telecinco, formando parte del jurado.
José Antonio Domínguez Bandera, Benalmádena (Málaga), 10 de agosto de 1960 es actor, cantante, productor y director de cine español. Ha sido el primer actor español que consiguió estabilizarse en el cine norteamericano, industria para la que trabaja desde principios de los noventa. Está casado con la también estrella de Hollywood Melanie Griffith con quien tiene una hija, Stella del Carmen y juntos forman una de las parejas más estables del cine.
Ha sido el primer actor español en ser nominado a los Globos de Oro, a los Premios Tony y a los Premios Emmy.
Nació el 10 de agosto de 1960 y cuando era pequeño estudió en el colegio El Divino Pastor. Su vocación le llevó hasta Madrid, donde con 19 años actuó en pequeños teatros durante la época de la movida madrileña. Sus comienzos en el cine y sus primeros éxitos se los debe al famoso director de cine Pedro Almodóvar durante la década de los 80, gracias al cual recibió dos candidaturas a los Premios Goya por las películas Matador (1986) y ¡Átame! (1989). Igualmente el nombre artístico de Antonio Banderas se debe a una sugerencia de Pedro Almodóvar. Realizó con él cinco películas, algunas de ellas de gran éxito, como fueron La ley del deseo (1987) y Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), que fue nominada al Oscar como mejor película de habla no inglesa.
En 1992 participó en el 60º aniversario de Andrew Lloyd Webber, interpretando El Fantásma de la Ópera, junto con la mundialmente conocida soprano Sarah Brightman.
También participó en la pelicula Philadelphia dirigida por Jonathan Demme en 1993. Cabe mencionar que la película obtuvo 2 Óscars, uno al mejor actor para Tom Hanks, y otro a la mejor Canción Original para Streets of Philadelphia de Bruce Springsteen, en 1994.
Gracias a las películas de Almodóvar, el nombre de Antonio Banderas empezó a hacerse popular en los círculos cinéfilos. Una aparición en el filme documental Truth or dare (En la cama con Madonna) lanzó a Banderas a la fama, pues muchos se preguntaron quién era ese «latin lover» que volvía loca a Madonna y a quien ella no conseguía seducir.
En 1988 se casó con Ana Leza, se divorcian en 1996. Posteriormente contrajo matrimonio con Melanie Griffith, a la que conoció durante el rodaje de la película Two Much del director español Fernando Trueba. La pareja tiene una hija, Stella del Carmen, y los tres residen en Hollywood, donde el actor emprendió una provechosa carrera cinematográfica, escalando posiciones en pocos años, con papeles de co-protagonista en Los reyes del mambo, Entrevista con el vampiro (junto a Brad Pitt y Tom Cruise), Pecado original (con Angelina Jolie) y Evita (con Madonna), donde abordó un papel musical. También cantó una canción en la banda sonora de Desperado y un dueto con Tina Turner.tiene una estatura de 1.75.
Ha trabajado asimismo como director de cine con películas como Locos en Alabama 1999, la cual protagonizó su mujer, y la reciente El camino de los ingleses, cuyo rodaje tuvo lugar en Málaga.
Fue nombrado Hijo Predilecto de la Provincia de Málaga el 7 de junio de 2001.
En 2003, regresó al género musical, apareciendo con gran éxito en Broadway en el revival del musical Nine de Maurey Yeston, basado en la película 8½, interpretando el papel principal originalmente de Raúl Juliá. Banderas ganó los premios Outer Critics Circle y Drama Desk, y fue nominado para el Premio Tony al mejor actor en un musical. Su actuación se conserva en la grabación del elenco de Broadway publicada por PS Classics.
Gran amante de la Semana Santa de Málaga, su tierra natal, en que la participó activamente en su juventud, se ha visto alejado durante muchos años de la misma debido a sus compromisos profesionales. Desde el año 2004 acude puntualmente a la cita que tiene con ella y con los Titulares de su Hermandad, las Reales Cofradías Fusionadas de San Juan. Participando el Domingo de Ramos como Mayordomo de Trono de María Santísima de Lágrimas y Favores, el Miércoles Santo como Mayordomo de Trono del Santísimo Cristo de la Exaltación y la noche del Jueves Santo como Hombre de Trono con sus Compañeros de Varal en el Submarino de María Santísima de la Esperanza.
En 2007, junto al productor Antonio Pérez, Banderas inició un plan para fomentar el cine hecho por andaluces participando en la producción de una película al año. La primera producción fruto de esta iniciativa es 3 días, dirigida por el cordobés Francisco Javier Gutiérrez.
En el 2007, volvió a Chile, a raíz de la promoción de sus perfumes y junto a su esposa, se entrevistó con la Presidenta Michelle Bachelet. Durante la visita pidió excusas por los errores en el film La casa de los espíritus basado en la novela de la escritora chilena Isabel Allende, en la que aparece Santiago de Chile cubierto de nieve en Navidad (época en que es verano en el hemisferio sur).
El 2 de febrero de 2008, falleció su padre, Don José Domínguez Prieto, a la edad de 87 años en Marbella, tras una larga enfermedad.
Además de su extensa carrera de actor también se dedica a crear sus propios perfumes bajo el sello de Antonio Banderas Fragrances con los que ha ganado diversos premios FIFI a la mejor fragancia.
En 2008 fue galardonado con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, que recogió el 15 de octubre en La Coruña en una ceremonia presidida por los Reyes de España.
En 2009 quiso desarrollar otra de sus pasiones, y se introdujo en el mundo del vino de la mano de ANTA Bodegas que desde ese momento pasó a llamarse ANTA BANDERAS.La bodega elabora vinos de alta calidad en la denominación de origen Ribera del Duero y pretende llegar a las cotas más altas dentro del panorama enológico mundial.
Nicole Mary Kidman (n. 20 de junio de 1967) es una actriz australiana-estadounidense. Es ganadora del Óscar, tres Globo de Oro y un Bafta. Tiene una hermana menor, Antonia Kidman, que también es actriz. En 2006, se convirtió en la actriz mejor pagada de la industria cinematográfica.
Después de hacer varias apariciones en cine y televisión, Kidman obtuvo su papel que la precipitó a la fama en el thriller de 1989 Calma total. Sus actuaciones en varias películas, tales como Todo por un sueño (1995), Moulin Rouge! (2001), y Las horas (2002), han recibido alabanzas por parte de la crítica. En 2003, Kidman recibió su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en Hollywood, California. Kidman es también embajadora de buena voluntad de Fondo de las Naciones Unidas para las Mujeres (UNIFEM) y UNICEF, y cantante. En 21 de octubre de 2009 la actriz pidió una respuesta integral a la violencia que padecen las mujeres ante el Congreso de los Estados Unidos.
En 2006, Kidman recibió el honor civil más importante de Australia, siendo condecorada con la Orden de Australia.Nació en Honolulu, Hawái. Hasta los cuatro años vivió en Estados Unidos, cuando su familia se trasladó a Australia. Su hermana menor, Antonia Kidman, nació en 1970. Su padre Anthony Kidman, un bioquímico, investigaba sobre el cáncer de mama en la ciudad de Washington y era al mismo tiempo profesor universitario en Sydney, Australia.
Kidman había comenzado a tomar clases de ballet a la edad de tres años y en Australia ingresó en una escuela de teatro para jóvenes. Su padre se preocupaba de que ella y su hermana menor tuviesen una buena condición física, por lo que les hacía realizar cada mañana ejercicios de gimnasia.
A los 16 años (en 1983) Kidman inició su carrera de actriz cuando intervino en una película ambientada en Navidad, Bush Christmas, que sigue proyectándose frecuentemente en la época navideña. Al enfermar su madre de cáncer de mama, Nicole Kidman abandonó sus estudios escolares, pero una vez que su madre se recuperó, reanudó su carrera de actriz. A lo largo de los años ochenta apareció en numerosas películas y series de televisión australianas.
En 1988 se dio a conocer en Europa y en Estados Unidos con la película Calma total, rodada todavía en Australia, y co-protagonizada por el actor Sam Neill, también australiano y con su siguiente película, ya estadounidense, Días de trueno, en la que interpretó un papel junto a Tom Cruise. Al año siguiente se casó con Tom Cruise en la noche de Navidad, en un lugar de las Montañas Rocosas, en el estado de Colorado. Inicialmente la boda se mantuvo en secreto. La pareja adoptó dos hijos, Issabella Jane y Anthony Connor, y vivió entre Los Ángeles, Nueva York y Colorado.
Kidman había alcanzado ya fama, y demostró sus dotes de interpretación y su elegancia en las siguientes películas, en las que actuó con actores tan populares como Bruce Willis y Dustin Hoffman. En 1998 protagonizó junto con Sandra Bullock la cinta Prácticamente magia, basada en la novela de Alice Hoffman. En 1999 hizo junto con su marido Eyes Wide Shut (Ojos bien cerrados), la que sería la última película del director Stanley Kubrick, y que tuvo una gran resonancia.
Unos años después, en 2001, Nicole Kidman se divorció de Tom Cruise de manera amistosa. Según algunas fuentes la razón principal fue que Cruise insistió en educar a sus hijos según las creencias de la Cienciología (creada por Ron Hubbard), mientras que Kidman quería que fuesen educados según la tradición católica. También en el 2001 participó a dúo con el cantante británico Robbie Williams en cover de la cancíón Something Stupid de Frank Sinatra. La canción tuvo una enorme éxito en Europa siendo nº1 en varios países.
El mayor reconocimiento profesional hasta entonces lo obtuvo Kidman en 2002, cuando fue nominada al Óscar como mejor actriz principal por su papel en Moulin Rouge!. Con la película de suspense Los otros, dirigida por el director español Alejandro Amenábar, rodada en ese mismo año, también cosechó un éxito importante. Tuvo que renunciar a intervenir en la película La habitación del pánico debido a una lesión en la rodilla contraída durante el rodaje de Moulin Rouge, pero en el año 2002 ganó el Óscar como mejor actriz principal por su interpretación del personaje de la escritora Virginia Woolf en Las horas (The Hours).El 25 de junio de 2006 contrae matrimonio con el cantante de música country, Keith Urban.El 8 de enero de 2008 comunica a la prensa que espera su primer hijo biológico para el próximo mes de julio. El día 7 de julio de 2008, en Nashville, da a luz a una niña,Sunday Rose Kidman-Urban.
Es gran amiga del actor Hugh Jackman, de las actrices Naomi Watts y Deborra-Lee Furness y del director Baz Luhrmann. También es amiga de los actores Ewan McGregor, Adrien Brody, Sarah Jessica Parker y Renée Zellweger.
Antes del rodaje de "Dogville", Nicole Kidman quedó fascinada con "Bailando en la oscuridad" y tras comentar en diversas entrevistas que le encantaría trabajar con Lars Von Trier, éste se enteró y se puso en contacto con ella, para protagonizar su película. Es conversa al catolicismo.
Jennifer Joanna Aniston (Sherman Oaks, California, 11 de febrero de 1969) es una actriz estadounidense. Ganadora de un Premio Emmy y un Globo de oro, por la interpretación de Rachel Green en la serie de televisión Friends.
Tras el fin de Friends, Aniston se ha concentrado en su carrera cinematográfica y ha actuado en varias películas muy taquilleras de Hollywood en el género de la comedia romántica.
Jennifer Aniston estuvo casada con el actor Brad Pitt del 29 de julio de 2000 al 2 de octubre de 2005.
Jennifer Aniston nació el 11 de febrero de 1969 en (Sherman Oaks, California y creció en la ciudad de Nueva York. Es hija del actor John Aniston y de la actriz Nancy Dow. El padre de Aniston es griego-americano, ya que nació en la isla de Creta, en Grecia, mientras que su madre nació en Nueva York, descendiente de ingleses y escoceses. Aniston tiene dos medio hermanos, John Melick y Alex Aniston. Su padrino era el actor Telly Savalas, el mejor amigo de su padre. Vivió en Grecia durante un año cuando era niña con su familia, y más tarde regresaron a Nueva York. Su padre ha actuado en las telenovelas Days of Our Lives, Love of Life y Search for Tomorrow. Aniston asistió a la escuela Rudolf Steiner y se graduó en la secundaria de Manhattan Fiorello H. LaGuardia High School of Music & Art and Performing Arts. Trabajó en producciones de poca magnitud, tales como For Dear Life y Dancing on Checker's Grave. Durante este período, trabajó en varios empleos de medio tiempo, incluyendo como teleoperadora y como mensajera. En 1989, se mudó a Los Ángeles, California.Jennifer empezó su carrera actoral en 1990, con películas de televisión y ser actriz invitada en algunas series. En 1994 audicionó para el papel de Rachel Green, una de los 6 amigos de la serie de la NBC, Friends. Después de que la serie saliera al aire, Jennifer recibió distintas propuestas para actuar en películas, todas comedias, no con tanto éxito. Pero en el año 2002, su papel en la película independiente The Good Girl, le dio excelentes críticas y premios entre ellos, El Independent Spirit Award y el Satellite Award. También en 2002 ganó el Premio Emmy a la Mejor Actriz de Comedia y el Globo de Oro en 2003. Después de The Good Girl, Jennifer siguió actuando en las comedias Bruce Almighty en 2003 y Along Came Polly en 2004. Friends, la serie que empezó en 1994, terminó en 2004. A principios de 2007 apareció brevemente en la comedia de televisión, Dirt, en la que de nuevo compartió reparto con Courteney Cox. En ella ambas interpretaron a redactoras jefas que dirigen publicaciones rivales. Después de Friends, Jennifer siguió actuando en películas como Rumor Has It, The Break-Up, Marley & Me, y la más reciente He's just not that into you.
Estuvo casada con Brad Pitt desde el año 2000 hasta 2005. Ya casados, él hizo un cameo en la serie Friends. La ruptura de su matrimonio se atribuyó en un principio al rechazo de Aniston a tener hijos y abandonar su carrera, aunque posteriormente ésta lo negara en una entrevista para la revista Vanity Fair.
Tras su divorcio de Pitt el 2 de octubre de 2005, mantuvo una relación de casi un año con el también actor e íntimo amigo de Brad Pitt, Vince Vaughn, con el que co-protagonizó la comedia romántica The Break-Up.
Sus mejores amigas son Courtney Cox y Lisa Kudrow con quienes trabajó diez años en Friends.
Halle Maria Berry (n. 14 de agosto de 1966), es una modelo y actriz de cine y televisión estadounidense ganadora del Premio Emmy, Globo de Oro y Óscar.
Su madre, Judith, es enfermera y ha estado junto a ella toda su vida, a diferencia de su padre, quien abandonó a la familia cuando Halle tenía solo 4 años de edad. Luego regresó 4 años más tarde, pero nunca fue lo mismo ya que él era un hombre muy agresivo.
Fue segunda en el concurso Miss USA en 1986 lo que le dio el derecho de representar a los Estados Unidos en Miss Mundo 1986 en Londres donde fue finalista. Desde entonces trabaja como modelo y actriz. En 2002 se convirtió en la primera actriz afroamericana en recibir un Óscar de la academia a la mejor actriz principal por su interpretación en Monster's Ball.
Uno de sus modelos a seguir fue Dorothy Dandridge, cantante, bailarina y actriz, a quien nombró al recoger el Óscar, y a quien había representado en una película años antes. Dandridge fue la primera actriz de raza negra candidata a un Óscar como protagonista en Carmen Jones, de Otto Preminger, y cuya interpretación le valió a Halle un premio Emmy y un Globo de Oro.
Al igual que Dorothy Dandridge sufrió malos tratos por uno de sus primeros novios, quien le causó una importante disminución en la capacidad auditiva. Su primer marido, David Justice, un jugador de béisbol, al parecer era también violento. Tras un periodo de depresión e intento de suicidio, se divorció después de tres años de matrimonio. Estuvo casada con el músico Eric Benet del que se divorció en 2005.
En Fiebre salvaje (1991), de Spike Lee, hizo el papel de drogadicta. Para introducirse en el papel, no se aseó ni se peinó en los diez días previos al rodaje. En El último Boy Scout (1992), de Tony Scott, actuó con Bruce Willis. Para aprender a desenvolverse en el papel actuó gratis en un local de striptease.
A consecuencia de su trabajo en Boomerang (1992), de Reginald Hudlin, en la que actuó con Eddie Murphy, la MTV (cadena musical de televisión) la proclamó la actriz más deseada del año.
En Los Picapiedra (1994), de Brian Levant, repitió papel de comedia y explotó su físico. Su interpretación de una drogadicta que abandona a su hijo en la basura en Corazones rasgados (1995), de Stephen Gyllenhaal, le causó una profunda impresión y la llevó a emprender trabajos más comerciales y ligeros.
En Bullworth (1998), de Warren Beatty, recuperó su valía interpretativa. En términos económicos son, sin embargo, las películas de acción, las que mejores resultados le han proporcionado.
Por su interpretación en Monster's Ball, consiguió un Óscar, un premio SAG, el Oso de Plata en Berlín y fue elegida mejor actriz por la National Board of Review.
Su relanzamiento gracias al Oscar la convirtió en actriz habitual de superproducciones de Hollywood. Entró en la saga de películas de James Bond al ser la co-protagonista de Muere otro día, junto a Pierce Brosnan. Halle Berry pasó a la historia como una componente del selecto grupo de chicas Bond.
Después rodó Gothika con Penélope Cruz y en 2004 fue elegida para interpretar el papel de Catwoman (Gatúbela en Sudamérica) en una película que contó con Sharon Stone como co-protagonista.
En 2006 firmó un contrato para ser la portavoz internacional de la multinacional de cosméticos Revlon.
En 2007 Berry confirmó que estaba embarazada de su novio Gabriel Aubry. El 16 de marzo de 2008 Berry dio a luz a su primera hija, Nahla Ariela Aubry.
En 2009 lanzó su propio perfume llamado como ella "Halle" by Halle Berry.
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